LA HAMACA DEL PENSADOR

Relatos Mitológicos: Calipso.

2010-10-02T15:05:00.001+02:00

Para el día de hoy he traído la historia de un personaje de la mitología griega realmente fascinante, no más fascinante que otros, lo divino que tiene la literatura griega es que todos los personajes tienen un don, una actitud, una virtud o algo que lo hace distinto a cualquier otro. El común denominador de ellos, es el arrojo y la valentía con que asumen las batallas que se van presentando a medida que avanza la historia, pero no hay ninguno que se parezca a otro y aún así, todos son realmente maravillosos.

Hoy hablaré de Calipso, reina de la isla de Oggia, situado en los extremos confines del mar, junto a las columnas de Hércules. Según Homero, esta mujer, hija del titán Atlas, poseía una belleza inmensurable y una capacidad de persuasión muy grande. Homero relata que cuando Odiseo llegó a la isla por culpa de un naufragio, aquella divina criatura no sólo que lo hospedó en su cueva, sino que además lo agasajó con todo tipo de manjares y bebidas, incluso, hasta lo dejó entrar a su propio lecho. Lo retuvo durante siete años y le concedió el honor de ser el padre de cuatro hijos. Calipso hizo todo lo posible para que Odiseo olvidase su vida anterior y le prometió la juventud y la inmortalidad si se quedaba a vivir con ella, pero Odiseo se cansó rápidamente de sus agasajos y añoró volver a casa en donde lo esperaban los brazos y el amor de Penélope.

Calipso no quería ser abandonada y por eso, Atenea intervino para que el Dios Zeus diese la orden de que dejase marchar a Odiseo. Ella, al no tener otra alternativa, no sólo que aceptó sino que además le cedió materiales para construir una balsa y lo dotó de víveres para el viaje. Odiseo se marchó receloso porque pensaba que era una trampa, pero el amor de Calipso hacia él era tan grande que no sólo que no había ninguna trampa, sino que además, según cuentan algunas historias, acabó muriendo de pena tras su partida.

Relatos mitológicos: Asclepio.

2010-08-04T13:25:00.001+02:00

Todas las cosas de la actualidad tienen un origen en la antigüedad. Muchas de las cosas que vemos, sabemos y oímos tienen una historia, que si bien no es siempre la más creíble o la más certera, explican un poco el por qué de lo que tenemos delante.
Para muchas personas, la vara de Esculapio o vara de Asclepio -como es es más conocida- simboliza a la medicina, pero lo que si muchos no conocen es la historia de este Dios griego y es precisamente allí, en donde me toca entrar a mi con mis historias de vieja trotaconventos. Así que una vez más y tras unas semanas de inactividad, he vuelto para dejarles una de esas historias que hacen más fácil entender el origen de las cosas.

“Asclepio o Esculapio, fue un personaje muy famoso en la mitología griega, era hijo de Apolo y de la mortal Coronis y fue además, uno de los mortales con más aciertos en el uso de la medicina. La historia de su nacimiento está marcada por la desgracia y es que según cuenta la historia, Apolo tuvo amoríos con esta mortal y cuando ella quedó embarazada, regresó a Delfos dejándola a ella en la Laguna Beobea y bajo la vigilancia de un cuervo Blanco. En la ausencia de Apolo, Coronis conoce a un mortal Isquis y comienza a tener amoríos con él. Cuando el cuervo se entera, acude a su dueño para contarle lo ocurrido y Apolo encolerizado, maldice al ave y lo condena a llevar siempre el color negro del luto en su plumaje. Luego, asesina a Coronis y antes de que la pira funeraria ardiese, saca del vientre a su hijo.

Gracias a su desempeño en las sanaciones, Asclepio ascendió rápidamente en categoría , llegando a ser héroe y alcanzando posteriormente la divinidad. Su gran maestro en el arte de la medicina, no fue otro que el centauro, Quirón. De él aprende además, que en la vegetación se encuentran muchos de los remedios a grandes enfermedades. Tuvo dos hijos: Macaón y Podalirio, ambos comprometidos con la medicina, pretendientes de Helena y participantes de la guerra de Troya. También se le adjudican tres hijas: Yaso (la curación), Higía ( la salud) y Panacea ( la curación universal a través de las plantas). Se dice que tuvo dos hijos más, que son Egle y Aceso, pero ellos no tuvieron un papel muy preponderante en la antigüedad.

Asclepio tenía también el don de resucitar a los muertos, algo que al Dios Zeus no le agradaba en lo absoluto, pues para el Dios esto sólo complicaría el orden de las cosas. Cuando Asclepio resucita a Hipólito, Zeus se enfada muchísimo y lanza un rayo que mata al sanador. Apolo por su parte y sumido en el dolor de perder a su hijo, trama venganza y asesina a los cíclopes que fabricaron el rayo que mató a Asclepio. El Dios de la medicina asciende a los cielos y se transforma en una constelación que hoy en día podemos seguir viendo: la constelación de Serpentario u Ofiuco.”

VIERNES DE MITOLOGIA

2010-05-21T17:59:00.000+02:00

Para este viernes de mitología he retomado las historias de metamorfosis. En lo que a mi respecta, es la parte que más me gusta de la mitología griega, ésa en la que las cosas se transmutan y siempre ( al menos en los Clásicos Griegos) es para mejor. Hoy voy a hablarles de Siringa, que para nosotros hoy en día no es otra cosa que una flauta compuesta por nueve tubos, hecha de cañas de distintos tamaños y que produce distintas notas musicales, de ahí radica la importancia que tiene a nivel musical, pero la Siringa no siempre fue una flauta, también fue una mujer. fue una ninfa y tuvo un pasado mágico en la mitología griega que voy a contarles. Así, que volviendo a retirar mi sombrero de juglar y haciendo esa reverencia que me dejé en el descansillo de la escalera hace semanas, les dejo con una historia de las bonitas...de las “de soñar”.

“Siringa era una náyade de Arcadia que tenía un arco de cuerno con el que solía cazar. Como todas las ninfas era bella y como todas, valiente y astuta. Un día mientras cazaba se encontró con el Dios Pan que bajaba del monte Liceo y apenas sus miradas se cruzaron, el Dios Pan quedó prendido de amor por ella. Obsesionado por aquella ninfa, el Dios enloqueció de amor y comenzó a perseguirla por todo el bosque, hasta que ella, aterrada y sin escapatoria alguna, se lanzó al río Ladón. Siringa, estaba tan asustada de ser apresada por el Dios, que pidió a sus hermanas, las otras ninfas que la ayudaran y ellas, decidieron convertirla en cañaveral.

Cuando el Dios llegó, sólo tuvo tiempo de abrazar aquellas cañas mecidas por el viento y que al contacto con éste, producían unas notas hermosas. Entusiasmado con aquella melodía, decidió honrarla construyendo de ella un objeto musical. Fue entonces cuando para nosotros, el resto de los mortales, nació la Siringa o mejor conocida acá en Europa como la zampoña”

Viernes de Mitología: Belerofonte

2010-05-14T16:36:00.001+02:00

Para este viernes de mitología he traído a un héroe muy especial. Se llama Belerofonte y aunque para muchos su nombre es completamente desconocido, cuando les cuente su historia se darán cuenta de que es uno de esos que hacen cosas grandes con personajes populares y de los que casi nadie se acuerda. Hijo del Rey de Corinto y de Eurímede, nació con el nombre de Hipónoo o Leofontes, sin embargo, él prefirió cambiarlo por Belerofonte que significa: “Asesino del Belero”. Asume este nombre después de asesinar al tirano Corinto llamado Belero y es este acto, el que determina en gran medida, el valor que lo acompañará durante toda su vida.

Según otros relatos griegos, Belerofonte asesina a su hermano accidentalmente y acude angustiado hasta Tirinto, más específicamente a la corte del Rey Preto, quien lo acoge y lo purifica. La esposa del rey se enamora perdidamente de él y le hace varias propuestas que Belerofonte rechaza. Ella ofendida por no lograrlo seducir lo acusa injustamente de pretender abusar de ella. El rey le cree ciegamente y enfurecido, para no romper las leyes de cordialidad que impedían que lo matara en su propia casa, le pide que lleve una carta de recomendación hasta su suegro Yóbates de Licia. En la carta sellada el Rey Preto solicita a su suegro que dé muerte a Belerofontes.

El rey de Licia acoge hospitalariamente a Belerofonte por nueve días en los que logran sellar lazos de amistad y pasado este tiempo recuerda que no ha abierto la carta que le mandó su yerno, cuando la abre se da cuenta de cuál es la verdadera causa de la visita de aquel hombre pero ya no quiere matarlo, así que le solicita que vaya a matar a Quimera. La razón de esto es porque sabe que es como mandarlo a la misma muerte sin tenerlo que hacer él.

Quimera, hija de la Hidra de Lerna y Tifón, es una criatura con cabeza de cabra, cuerpo de león y cola de dragón, que exhala fuego y que devoraba a todo el ganado de los campos que dejaba áridos. Belerofonte acude a Poliido para pedirle consejo, éste le dice que es mejor capturar a Pegaso para realizar tal hazaña. Atenea, entrega a Belerofonte una brida de oro para domarlo y es así como este héroe logra hacerse con el caballo alado. Belerofonte cabalgando sobre Pegaso enfrenta a flechas a Quimera y logra vencerla.

Otras batallas se le encargaron a él, entre ellas, las de las Amazonas y en todas, Belerofonte sale ileso, incluso gana también aquellas emboscadas que le hacen a mansalva. Finalmente toma a su hija por esposa y tuvo tres hijos. Hay dos historias que cuentan el final de la mujer del rey Preto, una de ellas dice que se suicidó tras el matrimonio de Belerofonte y otra que relata que cuando termina de matar a Quimera acude al palacio y se finge enamorado de ella, le propone huir y cuando ella accede, la empuja al mar desde el lomo de Pegaso, sea como sea, lo cierto es que la reina pagó lo que le hizo a este ilustre héroe de la mitología Griega.

VIERNES DE MITOLOGIA

2010-04-23T02:24:00.001+02:00

Para este viernes de mitología he traído la historia de una de las heroínas de la mitología griega más famosas, su nombre es Pentesilea y es la reina de las Amazonas. Nacida de Ares y Otrera se le ha relacionado siempre con Hipólita de quien se dice que es hermana, pero dada la diferencia cronológica de ambas, esto aunque no ha sido descartado, tampoco ha sido verificado del todo. Madre de Caístro y según la mitología Griega fue una de las más ardientes luchadoras de la guerra de troya, siempre del lado de los Troyanos por supuesto.

Pentesilea llega a Troya junto a las demás Amazonas, en total eran doce las Amazonas y a este grupo de mujeres indomables se les llamó el Quinto de Esmirna. En la batalla todas las Amazonas perecen en manos de los guerreros Aqueos y Pentesilea muere en manos de Aquiles. Según cuenta la historia, cuando Aquiles le clava la lanza que le da muerte a esta mujer, quedá prendido por su belleza y cuando uno de los soldados griegos (Tersites) se burla de él por esta absurda pasión, él encolerizado lo asesina. Acerca del final de esta amazona, sólo se sabe que acabó en el río Escamandro, algunas versiones apuntan a que Aquiles lo enterró a las orillas del río y otras, que el primo de Tersites (Diomedes), lo lanzó enfurecido a las aguas del río cuando supo de la muerte de su primo.

VIERNES DE MITOLOGIA

2010-03-26T01:03:00.001+01:00

Para este viernes de mitología he traído la historia de Epimeteo, un titán poco previsor y necio quien por su torpeza trajo la desgracia a los mortales. Epimeteo era hermano de Prometeo, quien podía predecir el futuro, él en cambio, veía con retraso las cosas que habían sucedido. Hijo del titán Japeto y la oceánide Clímene. Era uno de los tres titanes violentos que se conocen en la mitología Griega, se casó con Pandora – quien fue rechazada por Prometeo- y en complicidad con ella abrió la vasija que los dioses otorgaron a ella, desencadenando con esto, todos los males a la tierra.

La historia de Epimeteo y Pandora, tiene su origen cuando Prometeo decide robar las semillas de Helios a los dioses para entregarla a los mortales a fin de que puedan alimentarse con ellas. Zeus enfurecido ordena crear a una mujer colmada de virtudes, tarea que fue realizada por varios dioses: Hefesto la moldeó y le dio forma, Atenea la engalanó, las Gracias y Persuación le dieron collares, las Horas le pusieron una corona de flores y Hermes puso en su pecho la seducción, la capacidad de mentir y el carácter voluble.

Prometeo advirtió a su hermano que no aceptara ningún regalo que llegase de los Dioses, pero Epimeteo no lo escuchó y cayó rendido a los pies de esta dama. Hasta entonces, la humanidad había tenido una existencia maravillosa en el mundo, pero Pandora abrió la ánfora en la que guardaban todos los males y liberó con ello, todas las desgracias. Pandora cerró la caja antes de que pudiese salir la esperanza, por ello es que se dice que lo último que se pierde es la esperanza.

Espero que disfruten de estas vacaciones de semana santa, yo lo haré. Nos vemos en unos días. Se les quiere mucho.

MUJERES REPRESENTATIVAS: AGNODICE

2010-03-15T00:03:00.003+01:00

La entrada de hoy de mujeres importantes para la historia quiero dedicarla a Agnodice. Ella fue una médica griega que tuvo que abrirse camino en una época y en una profesión que era exclusiva de los hombres. Vivió en el siglo IV a.C y como entonces, la medicina estaba prohibida para las mujeres, ella no tuvo más opción que disfrazarse de hombre para ejercerla.

Pertenecía a una clase social privilegiada y estudio en cursos de medicina del célebre Herófilo, fue siempre una de las mejores alumnas y ejerció la ginecología escondida detrás de la identidad de un hombre. Como era tan brillante, no tardó en acaparar todos los celos de los miembros de su gremio, quienes acusándola injustamente de abusar de sus pacientes la llevaron al Areópago, fue entonces cuando ella se vio obligada a revelar su verdadera identidad, por lo que fue acusada de violar la ley. Finalmente y gracias a una multitud de pacientes que declararon ante el templo que si Agnodice era ejecutada, ellas moririrían con ella, fue absuelta . Presionados por la multitud, los magistrados le permiten continuar el ejercicio de la medicina. Al año siguiente, el Consejo Ateniense modificará la ley y autorizará a las mujeres a estudiar dicha carrera.

VIERNES DE MITOLOGIA: LAS MOIRAS

2010-03-12T02:38:00.001+01:00

Para este viernes de mitología he traído a unos personajes que no han perdido vigencia y a quienes todos- o al menos la gran mayoría- conocemos porque aparecen en una gran cantidad de relatos antiguos. Ellas son Las Moiras y son unos seres que personifican el destino del hombre. En muchos casos también se les conoce como “las tejedoras” y en la mitología romana, en donde también aparecen, son conocidas como las Parcas.

Las Moiras -Cloto, Láquesis y Átropo- significan: “La que hila”, “La que asigna el destino” y “la Inflexible” y el término Moira a su vez proviene del griego y significa “porción”, por tanto, la función de ellas, es controlar el hilo metafórico de la vida del hombre desde su nacimiento hasta la muerte.

El poeta Hesíodo consideraba a las Moiras, hijas de Zeus y Temis. Este poeta hace una visión de ellas como “las responsables de los momentos felices que ocurren en la vida de los mortales”, es después cuando otros autores hacen una personificación de ellas, como el destino en sí de todos los mortales.

En la mitología, las Moiras aparecían al tercer día del nacimiento de un niño para determinar el curso de la vida que tomaría el infante y en este punto, la mitología Latina también guarda mucha concordancia, de hecho a Cloto, a quienes conocen los griegos como “la hiladora” puesto que hilaba en la rueca hasta que el hilo de vida fuese a ser usado, los romanos la conocen como Nona o Novena y era una diosa a la que se invocaba después del noveno mes de gestación, es decir cuando nacía el niño. Láquesis tenía el trabajo de medir con su vara el hilo que se usaría para la vida de cada niño y en su equivalencia romana, Décima, tenía más o menos el mismo trabajo y por último, Átropo era la encargada de cortar el hilo de la vida y por eso era llamada “la inflexible”, ella tenía asignada la tarea de decidir el día y la forma de la muerte de cada persona y cuando el momento llegaba, no dudaba en sacar sus horrendas tijeras para cortar el hilo que unía a ese mortal con la vida. Su equivalente en mitología Latina es Morta que significa muerte.

Se les representa como tres mujeres de aspecto fuerte: Cloto en la mayoría de los casos con una rueca, Láquesis con un mundo y Átropo con una balanza, aunque también hay otro tipo de representaciones, pero la que acabo de nombrar es la más común. Por último, cabe destacar que tanto en la mitología Griega como en la romana, las máximas autoridades: Zeus y Júpiter, respectivamente, tenían pánico de ellas, podría decirse que eran probablemente de los seres más respetados del mundo mitológico en ambas culturas.

MUJERES DIGNIFICANTES: CLEOPATRA VII

2010-03-08T00:35:00.002+01:00

Para esta entrada, he traído a una mujer de la que sabemos muchísimas cosas, ignoramos tantas otras y de la que se ha tergiversado buena parte de su historia. Ella es la famosa Cleopatra VII y aunque su historia ha sido bastante explotada a nivel cinematográfico, tengo que decir, que mientras he estudiado su vida, me he encontrado con una inmensa cantidad de cosas que me ha hecho cambiar la percepción frívola que tenía acerca de este enigmático personaje de la historia.

Si Bien es cierto que a Cleopatra VII, se le ha atribuido una belleza excepcional, hoy por hoy, me alegro mucho de poder refutar este punto y dejar a nuestra Cleopatra desprovista de esa belleza seductora con la que la han retratado a lo largo de la historia y colocar algunos aspectos más interesantes de su personalidad. Aspectos que han olvidado reflejar en las películas que hemos visto de ella y que explican la verdadera razón por la que hombres como Julio César y Marco Antonio, hayan caído rendidos a su pies. Como todos sabemos Cleopatra VII fue la última reina del antiguo Egipto de la dinastía Ptolemaica, llamada también dinastía Lágida. Nació en el año 69 a C y murió en el año 30 a.C, hija de Cleopatra V trifena y Ptolomeo XII Auletes, antiguo rey de Egipto y de quien heredó el trono a la edad de 18 años, junto con su hermano Ptolomeo XIII que contaba sólo con 12 años y que terminó convertido en su esposo – algo que era sumamente común en la época y entre los Ptolemaicos-.

Cleopatra VII al igual que todos sus hermanos, recibieron una educación puramente Griega, pero ella fue más allá y se convirtió en el primer miembro de su dinastía en aprender el idioma Egipcio. Con el tiempo aprendería a dominar también el hebreo, sirio, arameo, latín y como es lógico, el griego que era su lengua materna. Esto, a la larga, le resultó tremendamente útil a la hora de relacionarse con los reinos vecinos. Se dice también que fue instruida en literatura, música, ciencias políticas, matemáticas, astronomía y medicina. Y por si fuera poco, fue una mujer sumamente refinada, de modales impecables y de un tono de voz lo suficientemente dulce como para captar la atención de los que estuviesen cerca de ella. Según el historiador Plutarco, allí radicaba la verdadera sensualidad de esta dama a la que nos quisieron vender como una bomba sexy. Hay algunos datos curiosos acerca de esta mujer, datos que ratifican la inteligencia mencionada por Plutarco, una de ellas, por ejemplo, es que cuando su reinado comenzó a sufrir las sacudidas de una economía precaria, ella optó por devaluar su moneda y favorecer con ello las exportaciones. Del mismo modo, según cuentan, solía vestirse de un modo masculino cuando trataba asuntos de poder o económicos y como era una erudita en ciencias, su grupo de amigos era frecuentado, en su mayoría, por personajes cultos de la época.

La historia de Cleopatra VII está repleta de innumerables batallas y una gran cantidad de astucia para obtener el poder cada vez que se le era arrebatado. Si la memoria no me falla, creo que ha sido uno de los reyes que más veces ha perdido y más veces ha recuperado su trono. Su sed de poder no conocía limites y para tener el control absoluto de su estado, recurrió a matrimonios incestuosos ( aunque en esa época no tenían la consciencia de incesto que tenemos hoy en día, como explique anteriormente) y al asesinato para conservar lo que creía que le pertenecía. Se unió a dos grandes hombres de la historia y tuvo hijos con ambos (Marco Antonio y Julio César) pero, el gran amor de su vida fue sin lugar a dudas Marco Antonio, quien recibiendo la falsa noticia de la muerte de Cleopatra, se suicidó dejándose caer sobre la punta afilada de su misma espada.

Tras la muerte Marco Antonio, sin imperio y bajo el poder de Octavio ( a quien no podía enamorar de ningún modo porque era un hombre frío y calculador), Cleopatra entiende que será destinada a ser esclava y toma la decisión de suicidarse. Siendo prisionera de Octavio, pide a sus criadas que le lleven una cesta de fruta y que metan en ella una aspid, y es así como acaba con su posible suerte de esclava y como la historia de una de las mujeres más enigmáticas del mundo Egipcio se acaba para siempre.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2010-03-05T02:54:00.002+01:00

Para este viernes de mitología hablaré de uno de los personajes más desalmados de la mitología, algo que tampoco es demasiado difícil encontrar en ella, puesto que si algo tienen la mayoría de las historias mitológicas es que sus finales son trágicos. También hay relatos hermosos en donde prevalece el amor, la justicia y los valores, pero estos son minoría. El pueblo griego es aguerrido y sus héroes son hombres valientes a los que no les tiembla el pulso para matar. En muchas historias encontraremos asesinatos entre miembros de una misma familia y en algunas, como la que relataré hoy, entre esos miembros también hay niños. Así que despojándome de mi sombrero y haciéndoles una vez más la debida reverencia, les presento a Atreo y sean ustedes los jueces.

Atreo es uno de los personajes más famoso de la antigua saga épica. Fue padre de Agamenón y Menelao, los dos valientes caudillos que prepararon la expedición contra Troya. Su nombre en griego significa “Sin miedo” y fue el hermano gemelo de Tiestes. La historia cuenta que ambos hermanos fueron exiliados por haber asesinado al hermanastro Crisipo en la lucha por alcanzar el trono de Olimpia. Ambos se refugian en Micenas y una vez allí Atreo promete a Artemisa (Diana) sacrificar el mejor cordero de su rebaño en acción de gracias por los favores recibidos, pero cuando empieza a elegir el cordero, consigue que entre ellos, hay uno de oro. Artemisa, espera que le sea sacrificado ese cordero, pero él lo esconde para obsequiarlo a su esposa Aérope.

Según cuenta la historia, la esposa de Atreo mantenía relaciones con Tiestes y obsequió a su vez este cordero a él, pero el cuento no queda aquí, Tiestes, que era astuto, le dice a Atreo que quien tenga el cordero dorado será electo rey y cuando Atreo acude a buscarlo, se da cuenta que su esposa se lo ha entregado a su hermano. Entonces, Atreo intuye que entre su mujer y su hermano hay una relación amorosa y planea su venganza. Atreo mató a los hijos de Tiestes y luego, los hirvió, los cocinó y los sirvió en la mesa en bandejas. Al terminar la comida, pide que traigan la otra bandeja y es cuando descubren la bandeja con las cabezas, pies y manos de las victimas. Tiestes sabe entonces que lo que acaba de comer son sus propios hijos y entre vómitos maldice a toda la generación de Atreo.

Tiestes desesperado acude al oráculo y allí le aconsejan tener un hijo con su propia hija puesto que del fruto de esta unión nacerá el único hombre que será capaz de matar a Atreo y cumplir la venganza. Cuando nace el niño, a quien llaman Egisto, su madre avergonzada ante el incesto lo abandona y un pastor lo encuentra. Enternecido por el bebé, se lo entrega a Atreo quien lo cría como si fuese su propio hijo. Sólo en la adultez, Tiestes revela a Egisto la terrible verdad y él indignado asesina a Atreo.

MUJERES DIGNIFICANTES: HYPATIA/HIPATIA DE ALEJANDRÍA

2010-02-28T21:43:00.002+01:00

Esta es mi primera entrada de “mujeres dignificantes de otras mujeres” y he decidido empezar con una de las féminas más maravillosas que ha parido el planeta tierra. Ella es nada más y nada menos, que la gran y excelentísima Hypatia/Hipatia de Alejandría.

Aunque era natural de Egipto, podemos decir que fue una gran filósofa y maestra neoplatónica Griega. Fue una mujer que peleó en un mundo de hombres y que aunque esto, le costó su vida, también la llevó a la dignidad más excelsa que puede haber en el ser humano: “Nunca nadie logró hacerla arrodillarse por nada”. Fue miembro y líder además de la escuela Neoplatónica de Alejandría a comienzos del siglo V. Seguidora de las enseñanzas de Plotino, Hypatia de Alejandría, cultivó los estudios lógicos y las ciencias exactas, algo que determinó en gran medida su incredulidad ante la religión. Educó a la escuela de aristócratas cristianos y paganos que ocupaban altos cargos políticos, entre sus alumnos podemos nombrar a: Sinesio de Cirene, Hesiquio de Alejandría y el prefecto de Egipto de entonces; Orestes.

Su padre fue el gran astrónomo Teón. De él aprendió a buscar más allá de donde veían sus ojos y gracias a él, logró en cierta medida mucha de su independencia, algo que para la época, era impensable en una mujer. Fue la primera mujer matemática de quien tenemos algún tipo de conocimiento fiable. Se ocupó de la geometría, álgebra y astronomía, mejoró el diseño de los primeros astrolabios y fue la inventora del hidrómetro.

Aunque no se tiene fecha exacta de su muerte, como tampoco se tiene de su nacimiento, se calcula que vivió más de cuarenta años y la causa de su muerte, fue un linchamiento promovido y ejecutado por los cristianos de entonces. Fue una de las muchas victimas de la hostilidad con que arremetían los cristianos primitivos contra lo que ellos consideraban paganos. Cabe destacar que para el momento de su muerte, la iglesia estaba regida por el patriarca Cirilo, de quien es ampliamente conocido su carácter hostil, machista y retrogrado, Hypatia de Alejandría era considerada “peligrosa” porque tenía una manera poco común de ver el mundo y porque era además muy estimada por el prefecto. Cirilo, no podía permitir que ella tuviese acceso al poder siendo mujer y no podía permitir tampoco que Orestes tuviese algún tipo de influencia de una mujer- entonces las mujeres eramos consideradas animales de apareamiento con una única función reproductora- Se presume, aunque no se tiene certeza, que la orden fue dictada por este ministro de la iglesia y ejecutada por los fanáticos religiosos de entonces. Lo cierto es que esta mujer fue sentenciada sin juicio, despojada de su derecho a la vida, mancillada, insultada y dilapidada por una horda de asesinos que llamándose “hijos de Dios” cometieron una de las muchas atrocidades que se cometen cuando la iglesia es comandada por seres sin corazón.

Hypatia nos dejó un gran legado científico y aunque ha sido considerada “pagana” por algunas autoridades de la religión católica, no hay certeza de eso, puesto que como afirmaba ella misma: “sólo creía en la filosofía, en aquello que su cabeza podía probar”, descartando de antemano cualquier nexo con Dioses paganos o católicos. Su figura ha sido considerada un mito. Desde la época de la ilustración se le ha considerado una “mártir de la ciencia” y en los movimientos feministas, se le considera un símbolo de libertad y la lucha por la independencia de la mujer.

VIERNES DE MITOLOGIA

2010-02-25T16:04:00.004+01:00

Para este viernes de mitología he traído a uno de esos personajes, que si no conocemos al dedillo, al menos nos suena su nombre y es que, este sabio caballero ha aparecido en grandes epopeyas Homéricas como lo son la Ilíada y la Odisea. Su nombre es Néstor y al menos para mi, es uno de esos personajes que se te meten en el alma desde que los conoces. Lamentablemente, como en muchos de los personajes que conforman el mundo griego, se sabe realmente muy poco de él y lo que queda es lo que vamos conociendo a través de la lectura y sus participaciones en estas epopeyas.

Néstor, es un sabio y sereno consejero. Hijo de Cloris y Neleo. Esposo de Eurídice y entre sus hijos están: el famoso Pisístrato, Trasimedes, Policaste, Estrático, Áreto, Equefrón, Pisídice y otro de los famosos: Antíloco. Néstor fue un gran luchador, lucho junto a los argonautas y fue uno de los guerreros que participó en la guerra de Aqueos y Troyanos ( siempre del lado de los Aqueos) y cuando ya no pudo luchar, por su avanzada edad, siempre participó de las batallas como consejero. Néstor era un asesor infalible, algo que le hizo ganar el aprecio y la admiración del supremo dios del Olimpo: Zeus.

Podría afirmar, sin temor a equivocarme, que Néstor fue uno de los héroes mitológicos más fieles a su causa y a sus compañeros. Su gran don, aparte de la sapiencia, fue tener la virtud de conseguir una equidad a la hora de buscar soluciones para su pueblo.

Antoni Tápie

2010-02-21T13:38:00.007+01:00

Quiero dedicar la entrada de hoy a un artista que he conocido gracias a un amigo y que pese a que no soy muy “apegada” a la pintura vanguardista, no pude dejar pasar su trabajo sin dar un merecido reconocimiento a su trabajo.

Se llama Antoni Tápie y es un pintor, escultor y teórico del arte Español. Nace en Barcelona el 13 de diciembre de 1923 y es uno de los principales exponentes del informalismo a nivel mundial. No en vano, ha sido considerado como uno de los artistas vanguardistas más representativos del siglo XX.

Al igual que muchos de los verdaderos artistas, Antoni Tápie es autodidacta y esto le ha permitido crear un estilo propio dentro de esa corriente artistica. Antoni Tápie es un hombre de una cultura bastante amplia, seguidor de la corriente filosófica de Nietzsche, admirador de escritores como Dostoyevski, seguidor de la música de Wagner y todo esto ha hecho de él y de su obra, algo que escapa de lo que pudiese haber de cotidianidad ( que no es mucha) de la vanguardia.

Las obras más caracteristicas de Antoni Tápies son aquellas en las que mezcla diversos materiales y estilos. Generalmente utiliza materiales de desecho con otros representativos del arte. Utiliza también la técnica del Graffiti y todo esto, hace de su obra algo verdaderamente vistoso y llamativo.

En su obra, representa también su preocupación por los problemas del ser humano: muerte, enfermedad, soledad, dolor o sexo. Su trabajo es bastante espiritual y por ello utiliza colores menos llamativos.

Según él, los tonos ocres, grises y marrones no poseen la vistosidad de los tonos cálidos pero sí, representan más la espiritualidad y los valores intrínsecos del ser humano.

VIERNES DE MITOLOGIA

2010-02-19T01:19:00.001+01:00

Para este viernes de mitología, he traído a Ganimedes, uno de esos personajes mágicos del mundo griego y que logran hacernos volar a un mundo maravilloso con su historia.

Ganimedes, era un héroe divino de notable belleza, hijo de Laomedonte según muchas fuentes y quien se convirtió en amante de Zeus.
Según cuenta la historia, Ganimedes como muchos héroes griegos, destinaba un tiempo de exilio en el monte de Ida de Frigia. En ese exilio voluntario que tomaban los héroes en la juventud, cuidaban rebaños de ovejas y se dedicaban a la agricultura. Un día Zeus pasó por allí y quedó prendado de su belleza de un modo tan asombroso que se metamorfoseó en águila para raptarlo y llevarlo al monte del Olimpo.

Cuando Zeus lleva a Ganimedes al Olimpo, todos los dioses se alegran de su llegada, menos la esposa de Zeus (Hera), quien lo despreció. Según cuentan, esto fue el comienzo que desembocó la guerra de troya, puesto que Ganimedes no era griego sino troyano y se dice, que esto fue el detonante de aquella lucha encarnizada a la que se unieron después los factores del juicio de Paris y la infidelidad de Zeus con la pléyade Electra de cuya unión nació Dárdano (ascendiente de los reyes troyanos).

El mito de Ganimedes y Zeus representa la homosexualidad en la antigüedad y en esta historia, algo que es sumamente curioso, es el hecho de que el Dios Zeus haya visitado al padre de Ganimedes para decirle que no se entristeciera por su hijo ya que él le daría un puesto de distinción en el Olimpo y le concedería la inmortalidad. Este acto, simboliza la protección y el verdadero amor que siente el dios hacia este héroe troyano, pero simboliza también, la necesidad de que la relación sea aprobada por el padre del muchacho, como así terminó siendo.

Finalmente, Zeus asciende a Ganimedes al cielo como la constelación Aquarius, que no casualmente está relacionada con un águila.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2010-02-12T13:04:00.004+01:00

Siempre he pensado que tuve una suerte incalculable cuando conocí a dos profesores universitarios que me cambiaron la vida. Italo Tedesco, fue mi profesor de literatura española y fue además el responsable de lograr que me enamorara de las grandes epopeyas literarias y por otra parte, Germán Flores, fue mi profesor de Grecolatina e hizo un trabajo tan maravilloso conmigo que aún después de casi dieciocho años sigo completamente hipnotizada por el mundo de los Griegos.

Lo que más recuerdo de Germán, es la capacidad que tenía para hacer los exámenes más interesantes del mundo. Recuerdo que logré memorizar el capítulo seis de la Eneida, palabra a palabra para poder contestar una sola de sus preguntas y me quedé tan embelesada hacia el tártaro, que si Plutón fuese más atractivo seguramente, me lo pelearía con Proserpina para quedarme allí para siempre.

Hago esta referencia porque en una de sus preguntas de examen, Germán nos pidió comparar el infierno de Dante, con el cristiano y el Griego, y aunque me gustaron los nueve semicírculos de Dante, creo que no hay infierno como el de los Griegos...allí todo es mágico... tenebroso pero mágico y los personajes que hallamos en ellos, son realmente fascinantes.
Hoy voy a hablarles del infierno...de un infierno que valdría la pena conocer aunque sólo fuese literariamente.

EL TÁRTARO

El tártaro es el nombre poético que dan los griegos al infierno. Es un lugar de tormento y sufrimiento eterno, parecido al infierno del cristianismo y al inframundo de las religiones paganas.

Como en todos los infiernos que conocemos culturalmente, hay un sólo Dios, en este caso es el Dios de las profundidades infernales, pero a diferencia de otros infiernos, el Tártaro está dividido en zonas según la gravedad de las faltas de quienes son condenados a él y una de las cosas que probablemente más llama la atención, es que el purgatorio es una de sus zonas y no como en el cristiano, en donde es una parte independiente del cielo y del infierno.

El tártaro o Hades, es el hogar de los muertos y tiene además una serie de habitantes que pueden salir de él cuando quieran, son criaturas que viven en las profundidades infernales pero que estando, no están condenados a él. Los cíclopes por ejemplo, están encerrados allí por la mano de Cronos, pero cuando Zeus los necesitó para luchar contra los Titanes, los liberó sin mayores problemas. Es justo gracias a esta lucha en que muchos de los Titanes terminan en el Hades (Atlas, Crono, Epimeteo, Metis, Prometeo y Menecio). En el Tártaro los capturados son resguardados por gigantes de cincuenta enormes cabezas y cien enormes brazos.

En el Hades cada quien tiene un castigo proporcional al delito que ha cometido: Ixión por ejemplo ( fue el primer humano en derramar sangre de su propia familia) quien asesinó a su suegro lanzandolo a un pozo lleno de carbones encendidos, fue sentenciado a pasar la eternidad girando en una rueda en llamas. El Tártaro tiene una autoridad principal y varios jueces en los que delega algunas responsabilidades. Radamantis, Éaco y Minos eran los jueces de los muertos y quienes decidían quienes iban al Tártaro. A Radamantis le tocaba juzgar a las almas asiáticas. Éaco sentenciaba a las almas Europeas y Minos tenía el voto decisivo y era quien juzgaba a los Griegos.

Haciendo una breve incursión por el Tártaro y utilizando como referencia al gran maestro Virgilio, encontraremos con que Caronte el barquero del Hades, es quien se encarga de trasladar a los muertos desde la Laguna Estigia ( sitio en donde iban a parar las almas después de morir) hasta la entrada del Tártaro, pero Caronte no trabajaba de gratis, de ahí radica la costumbre de colocar una moneda en el párpado del muerto o en la boca del mismo, a fin de que el barquero pueda cobrar su trabajo. En la entrada del Tártaro encontraremos al más fiel guardián: Cerbero ( Can Cerbero como le llaman algunos), que es un perro de tres cabezas y con tres grandes fauces, con cola en forma de serpiente y serpientes en su lomo.
Su trabajo allí es asegurar que ni los vivos entren al infierno, ni que los muertos salgan de él.
Traspasada la zona que cuida Cerbero, comienza a oírse llantos de niños: Niños que han sido arrebatados del pecho de sus madres y niños que no llegaron a nacer. Junto a ellos están los que han sido sentenciados por condenas injustas. Como lo expliqué anteriormente, esta parte del Tártaro es muy similar al purgatorio de los Cristianos, ya que es aquí precisamente, en donde los jueces del Tártaro conocen de la vida y obra de todo el que llega y deciden su condena.

No lejos de allí, se extiende en todas direcciones los llamados campos llorosos, donde secretas veredas que circundan la selva de mirtos, ocultan a los que consumió en vida el cruel amor y que aún muertos no olvidan sus penas. Pasada la selva de Mirtos, se llega a la zona en donde moran los más aguerridos guerreros y en este sitio, el camino se divide en dos: A la derecha están los Campos Elíseos que es donde está el Palacio de Plutón ( príncipe del Tártaro) y a la izquierda está el Tártaro que es donde los malos reciben su castigo.

JAN VAN EYCK

2010-02-08T16:41:00.007+01:00

Llevo varias semanas con un poco de desorden en este espacio. La verdad es que han ocurrido una serie de sucesos que sin tener gravedad, han perturbado un poco el desarrollo de mis entradas, les pido disculpas por ello y ahora, si me lo permiten, trataré de recuperar la regularidad y el ritmo de mis publicaciones y para ello, he traído a uno de los pintores flamencos que más me gustan. Así que los dejo con él y espero que lo disfruten.

Jan Van Eyck

Jan Van Eyck fue uno de los fundadores del Ars Nova (Un estilo pictórico del gótico tardío del siglo XV y que fue, el anunciante del renacimiento nórdico de Europa) y fue también el más célebre de los pintores primitivos de Flamenco. Van Eyck, va a influir en el trabajo de muchos artistas como lo son los hermanos Limbourg, Claus Sluter y uno menos conocido, pero de una grandeza increíble llamado: Melchior Broederlam. En la época de Jan Van Eyck, el flamenco se caracteriza por colores brillantes, por un naturalismo impresionante y por la meticulosidad de los detalles. La precisión de las texturas también posee mucha importancia en los artistas con los que comparte siglo y uno de los detalles más señalados de este periodo, es el interés que tienen los artistas por la representación de un espacio tridimensional en sus obras.

Jan Van Eyck es pionero en este tipo de innovaciones y si bien es cierto que sus obras tienen un enfoque tridimensional bastante desarrollado para la época, también lo es el hecho de que su trabajo alcanza este efecto gracias a la técnica de las veladuras ( tenues capaz de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera – generalmente de haya- pulida y pintada de blanco, lo que logra una reflexión de luz, otorga brillo al trabajo y da una sensación de profundidad). Jan Van Eyck no sólo es innovador en este punto sino, en muchos otros de la pintura, lo que hace a su obra, una de las más realistas de la pintura flamenca.
Jan Van Eyck es uno de los representantes más exactos de la figura humana, pero también es quien les da un aspecto más monumental y más impasible a sus personajes. Se le ha calificado de pintor naturalista por excelencia y ha sido uno de los que ha mezclado temática religiosa con la vida cotidiana de un modo humildemente majestuoso y bello.
Con respecto a su vida, hay muchos aspectos inconclusos y muchos vacíos, lo que hace que su obra sea tremendamente confusa. Se conservan nueve obras firmadas y fechadas entre 1432 y 1439, cuatro de ellas son de tema religioso y las otras cinco son retratos, y en todas puede observarse ese don que siempre tuvo el artista de hacer que el espectador forme parte del lienzo y participe de algún modo, de ese aspecto tridimensional de sus obras. Aunque se le han atribuido una gran cantidad de tablas sin firma, no se le ha podido comprobar que sean suyas y es que la obra de Jan Van Eyck es tan espléndida, que no hace fácil las atribuciones de sus obras, no en balde se le ha llamado muchas veces el rey de los pintores del siglo XVI.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2010-01-28T11:06:00.001+01:00

Para este viernes de mitología que nos llega antes de tiempo (mañana me será imposible publicar este post) he decidido traer a uno de los personajes más “coherente y cuerdo” de la mitología griega. Su nombre es Metis y es una de las titánides, aunque al ser hija de Océano y Tetis, también era una oceánide. Metis, que representa la prudencia mental, aunque también representa a la perfidia, es famosa en la mitología por servir de consejera a dioses y a mortales.

Fue la primera amante y esposa de Zeus, de quien al principio intentó zafarse metamorfoseándose de diversas formas y es la madre de Atenea. Metis vaticinó a Zeus que daría a luz a una hija y después un hijo que estaría destinado a gobernar el mundo. Según cuenta la historia, Zeus que era el supremo Dios aunque también, era uno de los seres más caprichosos del Olimpo, al saber que Metis esperaba un hijo suyo y tras oír los consejos de Gea y Urano,decidió devorarla para evitar así, ser destronado por uno de sus hijos. Más tarde, Atenea nacerá ya adulta, de la cabeza del propio Zeus y gracias a la ayuda de Hefesto.

Ahora me despido con un beso para cada uno de ustedes y les deseo un buen fin de semana.
Se les quiere.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2010-01-22T16:23:00.001+01:00

La historia que he traído para este viernes de mitología es probablemente una de las más desconocidas, pero de la que derivan personajes que son ampliamente conocidos en el universo griego como lo pueden ser Helena o Cástor y Pólux. El personaje del que voy a hablarles hoy es Leda, una de las hijas de Testio, esposa de Tindáreo de Esparta y una de las amantes mortales del supremo Dios del Olimpo: Zeus.

El mito de Leda nos relata que mientras iba caminando junto al río Eurotas fue violada por Zeus quien iba disfrazado de Cisne. Como consecuencia de este acto, puso dos huevos de los cuales nacieron cuatro hijos: Helena, Clitenmestra, Cástor y Pólux. Helena y Pólux nacieron inmortales, por esta razón se presume que son hijos de Zeus y Clitenmestra y Cástor nacieron mortales, algo que hace presumir que fueron procreados por Tindáreo. Con el tiempo, Némesis (Diosa del castigo justo) se apiada de ella y opta por divinizarla.

Hay otras versiones en donde se relata que Helena no es hija de Leda, sino que es hija de la Diosa Némesis quien tratando de escapar de Zeus, se va transformando en diferentes animales y él, para conseguirla va haciendo lo mismo hasta que finalmente ella se convierte en Oca y él la viola en forma de cisne. De esta unión, pone un huevo que encuentra Leda y al que alumbra, aunque también hay versiones en donde se relata que Hermes entrega el huevo a Leda para que sea ella quien lo alumbre.

Lo cierto es que se sabe muy poco de este personaje, pero la mayoría de los relatos serios en los que se le nombra, afirman que fue la madre de los cuatro hijos nacidos de los huevos que Zeus fertilizó a la fuerza cuando se transformó en Cisne y que Némesis, para honrarla la divinizó.

Feliz fin de semana.

Disculpen la demora en este post...no podía hacerlo antes.

Besos a todos.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2010-01-15T01:41:00.003+01:00

Para este viernes de mitología, he querido traer la historia de Harmonía, que como dice su nombre, es la diosa de la armonía y la concordia. Su equivalente en mitología latina es precisamente Concordia y es una diosa de la antigüedad bastante pacífica, algo que en mitología es casi que imposible encontrar, puesto que los dioses griegos eran, en su mayoría, bastante viscerales e impulsivos.

En algunas versiones se le considera hija de Afrodita y Ares, mientras que en otras, se dice que es hija de Afrodita y Hefesto, incluso,han habido algunos autores que han señalado que sus padres son Electra y Zeus. El origen de la diosa es todo un misterio, pero lo que si es ampliamente conocido en el mundo de la mitología griega es que Harmonía personifica el amor, el orden, la unidad y la fraternidad.

Se casó con Cadmo y fue madre de: Ino, Polidoro, Ágave, Sémele y Autónoe.

La historia que la consagró a la fama en el mundo griego, fue la historia del collar que recibió el día de su boda y que relataré en esta deliciosa tarea que me regalo cada viernes mitológico. Así que sin más preámbulos y retirando mi sombrero de Juglar, les entrego una nueva historia para que llenen sus cabecitas de la magia del mundo griego.

EL COLLAR DE HARMONÍA

“Cuando Atenea entregó el gobierno de Tebas a Cadmo, Zeus le entregó a la diosa Harmonía como esposa. Todos los dioses romanos asistieron a la boda, honrando de este modo, el banquete de los nuevos esposos.
Cadmo regaló a la novia una toga y un collar que había recibido de Hefesto ( en algunas versiones se adjudica el collar a Atenea o Afrodita) y este collar, tenía la particularidad de traer la desgracia a quien lo usase. Se dice que Hefesto y Atenea, molestos por la relación de Ares y Afrodita, de la que nació Harmonía, deciden destruir a la pareja y por eso, vierten toda la rabia que llevaban contenida en aquellos objetos.

Lo cierto es que Harmonía y Cadmo no fueron infelices en su matrimonio, pero la maldición del collar alcanzó a todo aquel que lo portó, empezando por Polinices quien al heredarlo lo entregó a Erífile para que persuadiese a su marido de emprender la campaña sobre Tebas (que fue uno de los episodios más dramáticos del mundo griego) y así fue como el collar fue pasando de mano en mano y trayendo la desgracia a todos y cada uno de sus poseedores, motivo por el cual sus últimos dueños decidieron depositarlo en Delfos, de donde fue robado por Failo el tirano, para obsequiarlo como agasajo a su amante, quien lo llevó un tiempo, pero luego enloqueció y prendió fuego a la casa en donde pereció con todos sus tesoros.”

Me despido de todos con un fuerte abrazo.
Feliz fin de semana.

2010-01-09T12:53:00.000+01:00

He permanecido algunas semanas lejos de esto...¿la causa?... a mi ordenador le apeteció morirse sin previo aviso y también sin remordimientos. Ayer me lo entregaron y aquí estoy intentando ponerme al día con todos los pendientes. Desde acá quiero agradecer la gran cantidad de correos preocupándose por esta “personita” y quiero decirles también que los he extrañado muchisimo y que por eso, prefiero estar un tiempo leyéndoles, disfrutando de esa magia que me he perdido y más adelante, cuando ya me haya dado mi chute de buenas lecturas, ocuparme de mis espacios... así que estaré aunque no se me vea.
Un beso enorme para cada uno de ustedes y espero que este 2010 haya llegado repleto de todos los sueños que han albergado.
Se les quiere tanto.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-12-04T03:31:00.003+01:00

Para este viernes de mitología, he traído a unos personajes muy curiosos, muy comunes y muy actuales. Hoy voy a hablarles de Las Híades y probablemente, muchos de ustedes ( la gran mayoría) deben saber quiénes son estos seres misteriosos que han decidido quedarse a nuestro lado, para deslumbrarnos con su gran belleza por muchos años.

Las híades son las portadoras de la lluvia. Son unas estrellas que aparecen en el mes de octubre y en primavera, puesto que son las dos épocas más lluviosas del año.

En la mitología griega, se cuenta que las Híades, fueron las siete hijas de Atlas (un gigante que cargaba el cielo en sus hombros)y Etra. Eran las hermanastras de las pléyades y las Hespérides. Eran muy apegadas a su hermano Hyas (Hías). Un día mientras él cazaba, fue atacado por un león y murió. Ellas lloraron con tanta pasión la muerte de su hermano,que murieron de pena y Zeus, en reconocimiento de este amor las convirtió en Estrellas y las sitúo a la cabeza de Tauro, donde su salida anual va acompañada de la lluvia que producen sus lágrimas.

Aquí les dejo un motivo más para que puedan deleitarse con ese cielo maravilloso y repleto de historias fascinantes. Como ven, nada de lo que nos rodea es azar, todo tiene una causa y un efecto.

Feliz fin de semana para todos.
Adolfo,Evita y David, recuperense pronto ... se les extraña muchísimo.
Un beso inmenso para cada uno de ustedes y espero que no se me enferme nadie más.
Kalí andámosi!

TAWARAYA SOTATSU

2009-12-02T02:46:00.007+01:00

Para la entrada de hoy, que ya no es lunes, me he salido de los parámetros y de los estilos. Supongo que hay un momento para cada manifestación artística y llevo unos días indagando en un mundo que no es de lo que he conocido o he estudiado, pero que al verlo, me quedé simplemente enamorada. Al artista que presentaré hoy, lo conocí gracias a uno de esos e-mail que recibimos a diario y que se van acumulando a la espera de los diez minutos que concedemos cada día para abrir, ver y reenviar. Desde que lo vi – hace un par de semanas- su nombre me quedó rondando en la cabeza y no tuve más remedio que estudiarlo, contemplarlo y disfrutarlo. Hoy quiero compartirlo con ustedes y ojalá puedan disfrutarlo como lo he hecho yo.

Antes de hablarles de este artista, que intuyo que muchos de ustedes conocerán, quiero hacer un breve resumen por la pintura japonesa y sus diferentes manifestaciones en el espacio y el tiempo, esto permitirá que podamos comprender de un modo más sencillo, la época que vivió y el por qué de su trabajo.
La pintura en Japón es una de las corrientes artísticas más refinadas y abarca una cantidad sorprendente de estilos. Podríamos decir que es una de las pinturas con más variedades en estilo, técnicas y temáticas, del mismo modo en que podríamos decir que es una de las manifestaciones artísticas más sobrias y elegantes. Hay vestigios de cerámicas que corresponden al periodo prehistórico y en donde podemos observar una pintura de extraordinaria belleza. Precedida por el período Nara, la dinastía China Tang influenciaría en la temática y en esta época, se realizarían ambientaciones de corte y religión. Sin embargo, es en el período Heian, en donde se observa el mayor desarrollo de arte que ha tenido la pintura en Japón y es en donde nace, el estilo tradicionalista Nipón llamado: Yamato-e y es en donde predomina la pintura sobre rollos de pergamino (emaki). Los emakis continúan en la época del Kamakura pero el estilo que predomina es el religioso, sobretodo se representa con mayor énfasis al Buda Amitabha. Luego aparece la era Muromachi y es en donde la pintura monocromática en tinta llega a su auge, pintura que tiene tanta influencia china que hasta resulta impresionante.urante el periodo Azuchi-Momoyama se realiza una pintura más bien de “palacio” y las láminas de oro son lo que predominan. Esta manifestación es patrocinada por los Shogunes y fue caracterizada como el arte oficial de esta clase social y llegamos finalmente a la Era Edo, donde floreció la escuela de pintura decorativa Rinpa que se ocupa de temas tradicionales e impulsa el estilo Yamato-e y el artista del que hablaré hoy, fue uno de sus principales exponentes.

TAWARAYA SOTATSU

Se le asocia con el comienzo del año 1600. Fue un artista japonés y cofundador de la escuela Rinpa de pintura Japonesa. Sus comienzos en la pintura están asociados con su fascinación por la cultura cortesana de Kioto. Pintó fondos de oro y plata para los escritos del calígrafo y diseñador Honami Koetsu. Era un artista destacado con los proyectos que incluyesen abanicos y biombos. Fue pionero en el contraste de color y lineas y fue quien popularizó la técnica tarashikomi (técnica que se realiza a partir de la creación de un color sobre otro vertiendo el primero mientras la pintura esté fresca). Destacó en la pintura monocromal puesto que, utilizaba la tinta como si se tratase de un color más y en muchos aspectos, podríamos decir que Tawaraya Sotatsu fue un artista futurista y atrevido, probablemente por ello, es que su nombre quedó en el legado de artistas que la cultura Nipona ha dejado para el mundo.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-11-27T01:29:00.002+01:00

...Y como lo prometido es deuda, quiero dedicar la entrada de este viernes de mitología, a un caballero maravilloso que me ha abierto las puertas de su amistad con una honestidad tan grande, que sólo las personas buenas como él saben hacerlo, para ti José Manuel va esta historia, espero que la disfrutes...

Este viernes de mitología quiero hablarles de un personaje de los comunes en el mundo Grecolatino, pero no porque sean comunes, dejan de ser mágicos y deliciosos. Si bien es cierto que entre mis personajes favoritos, éste no es de los fuertes, también lo es el hecho, de que su historia, repleta de misticismo y sensualidad, no deja de ser interesante...así que retirando mi sombrero de juglar y haciéndoles la debida reverencia, les dejó con un personaje de los más sensuales del Olimpo. Les dejo en compañía de Selene (Luna) y su historia.

Como les he ido contando, todos los dioses Griegos tienen su equivalente en la mitología latina, por esto es que Afrodita es igual a Venus, Eros a Cupido, Proserpina a Perséfone, Hades a Plutón y así sucesivamente. En la mitología romana Selene es la Luna, pero ambas son la misma entidad y sus historias son exactamente las mismas. Selene, es la hija de los titanes Hiperión y Tea. Dicen que Selene se convirtió a la larga en Artemisa, pero en otras hipótesis, Artemisa suplantó a Selene pero no son la misma diosa, del mismo modo en que en algunas corrientes, se dice que Selene era hija de Zeus. Lo único claro que se tiene de ella, es que es hermana de Helio (Sol) y que entre ambos dividen el día, se cuenta que cuando Selene entra a laborar, Helio se va a dormir y viceversa. Es así como nuestros días quedan iluminados y oscurecidos, como se divide el día de la noche.

A Selene se le atribuyen muchos amores: Endimión, Zeus ( con quien tuvo tres hijas), el Dios Pan, Céfalo y algunos más, pero la historia que quiero contarles hoy es la de Selene y Endimión, una historia repleta de magia y que una vez más, nos muestra que para el amor de verdad no hay fronteras, ni espacios de tiempo, ni excusas.

Endimión era un hermoso pastor de Caria. De origen divino y nieto de Zeus, era tan hermoso que Selene se enamoró perdidamente de él. Había ocupado el trono de Elida, pero luego de ser destronado, busco refugió en los montes de Larmos y fue entonces cuando se dedicó al campo y a aprender los movimientos de la luna, así fue como quedó prendido y enamorado de la diosa.

Todas las noches, después de faenar en el campo, Endimión se tumbaba en el suelo a contemplar a Selene y caía dormido en un sueño profundo. En las noches de calor, se tumbaba desnudo a contemplar a su diosa y según cuenta la leyenda, una noche Selene bajó y cuando contempló su belleza, lo amó de inmediato y para siempre. Después de aquella noche, Selene lo acompañó en su soledad cada noche.

Selene apasionada por él, pidió a Zeus que concediese para Endimión la vida eterna, a fin de que nunca la dejase, pero Zeus no le concedió la vida eterna sino, más bien el sueño eterno. Selene amó tanto a Endimión y él la quiso tanto, que aceptó dormir por toda la eternidad. Durante el día, ella no aparecía pero por las noches, cuando Endimión dormía, Selene llegaba hasta su cueva y se amaban con pasión.

De este mito no se sabe final alguno, pero se supone que cada noche, cuando aparece Selene en el cielo, lo hace por y para Endimión. También se dice que en algún lugar del planeta, deben estar juntos y amándose para toda la eternidad.

Un beso para cada uno de ustedes y feliz fin de semana.

Espero que a partir de ahora cuando contemplen la luna, la noche les parezca más bonita.

DESDE CANARIAS PARA EL MUNDO: EL GRAN JOSÉ BRITO.

2009-11-24T01:48:00.025+01:00

Siempre me gusta traer personajes de calidad a mis entradas de los lunes y siempre intento que en todas las entradas, haya belleza. El arte es muy relativo ya que no a todos nos gusta el mismo estilo, pero la belleza no. La belleza es una sola y está presente en todas las cosas del universo.

Cuando presento a artistas a los que he tenido la oportunidad de conocer como persona, como lo fue el caso de mi querido amigo Adolfo o como lo es, el artista que voy a presentarles hoy, no puedo evitar emocionarme mientras realizo la selección de obras y las palabras con las que definir lo que ese artista representa para mi. De verdad, que aprecio muchísimo cuando alguien me permite presentarlo, en este mi humilde refugio, y siento un orgullo enorme de poder llenar mi espacio de la belleza que emanan estas maravillosas personas.

El artista que presentaré hoy es mi tío. La vida me dio cuatro tíos pero con dos siempre me la llevé mejor, uno ya no está pero me ha dejado los recuerdos más dulces que tengo de mi infancia y el otro, es este pedazo de artista al que quiero muchísimo y con quien he pasado los ratos más divertidos de mi vida. Se llama José Gabriel Brito Brito sólo que nosotros le llamamos simplemente José ( no exactamente, acentuamos la o y así es que lo llamamos) y es una de las personas más creativas y alegres que he conocido en la vida.

Siempre han asociado a los artistas con personas de mal carácter, pero este caballero del pincel ha roto todos los esquemas, ya que además de ser super especial y entregado a la amistad, es de esos que “o te sacan una risa o mejor, te sacan dos”. Gracias a él tengo miles de anécdotas que contar a mis futuras generaciones y gracias a él, recuerdo la época de mi infancia con un buen sabor de boca...En pocas palabras, si tuviese la oportunidad de elegir a los miembros de mi familia, estoy clara en que sólo me quedaría con una parte muy pequeñita y en esa parte tan pequeñita, estaría él. Desde aquí te envío un abrazo de los gordos y aunque sé que lo sabes, te lo repito: “Te quiero mucho por lo que has sido siempre para mi".

JOSÉ, EL ARTISTA

José Gabriel Brito Brito nace el 20 de Junio de 1955 en la Gomera (Islas Canarias- España). Es el hijo mayor de Gabriel Brito y su esposa, María Julia Brito, dos personas sencillas y maravillosas que se meten en el alma de todos aquellos que hemos tenido el placer de conocerlos. Trabajó por muchos años como caricaturista del periódico EL DIA
y estudió en la Escuela de Arte y Oficios de la Ciudad de Santa Cruz de Tenerife- Islas Canarias- España.

Su trayectoria como pintor es inmensa y la cantidad de obras que ha realizado son tantas que necesitaría muchas entradas para publicarlas todas, aunque habría muchas que se me quedarían en el camino, ya que una de las características de mi tío, es que mientras estamos reunidos ( cuando nos reuníamos con más frecuencia) hablando, él en cualquier papelito, ya sea servilleta o folio, va realizando alguna caricatura de alguno de los presentes y cuando la acaba, con esa sonrisa maravillosa que tiene, la muestra y ya nadie se acuerda de lo que estaba hablando, porque es tan perfecta, que el dibujo se vuelve el centro de la velada.
Entre su trayectoria profesional, tenemos que fue Finalista en el Certamen Internacional de Caricatura en Croacia en el año 1977. En el año 2002 alcanzó Accésit honorifico en el VII Certamen Internacional de Dibujo Humorístico y Caricatura Personalizada organizado por el Organismo Autónomo de Cultura del Ayuntamiento de Santa. Cruz de Tenerife. Fue el Autor de las ilustraciones del libro histórico "Santa Cruz de Tenerife, de lugar a Villa". Organismo de Cultura (año 2003). En el año 2008 le otorgan mención de honor por su participación en el concurso “Arte y la mar” organizado en el museo de pescadores de Puerto Santiago y obtiene el tercer premio con su maravillosa obra realizada en óleo y técnica mixta llamada “Mundo Marino”.José Brito ha realizado Diversas exposiciones colectivas y Actualmente prepara una exposición individual, que llegará repleta de la gloria que él merece.

José Brito, es una de las personas que conozco con más carisma y con más paciencia a la hora de explicar las cosas,probablemente por esto es que haya optado a dedicarse a la enseñanza y a compartir con nuevos talentos, este don innato que le ha llevado a ser lo que es hoy en día.

Entre 2003-2004 comienza a impartir Clases de Caricatura Personalizada al Óleo para el Patronato Autónomo de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y realiza además, Talleres de pintura al óleo para el Centro Cultural Siglo XXI entre los años 2005-2006.
Desde el año 2000 hasta la actualidad imparte clases de pintura en la asociación de vecinos Las Palmitas y en la Academia Buenos Aires, ambas situadas en Santa Cruz de Tenerife.

Finalmente, me despido con un beso inmenso para cada uno de ustedes ,GRACIAS A TODOS LOS QUE HAN ESTADO PENDIENTES DE MI Y ABU, te prometo que cuando te vea, te daré la mejor botella de Merlot que haya en el mundo. José Manuel, la próxima entrada de mitología va dedicada a ti y Adolfo, espero que te mejores mucho más. A todos, muchisímos besos y espero que disfruten del trabajo de ese tío espectacular con quien me bendijo la vida ( Que orgullo tengo de tenerle!)

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-11-13T02:47:00.002+01:00

Mi entrada de hoy quiero dedicarla a unos seres maravillosos y cautivadores del mundo griego, que no son pocos por cierto, pero en este caso, las ninfas de las que voy a hablarle son probablemente unas de las guardianas más seductoras y divinas de esta cultura deliciosa que nos han dejado los griegos como legado.

Son nada más y nada menos que Las Hespérides, cuyo nombre significa “hijas del atardecer”, unas ninfas de voces seductoras que habitan en un lejano rincón del occidente junto a un fabuloso jardín, situado según diversas fuentes: en las montañas de Arcadia (Grecia), cerca de la cordillera de Atlas (Marrueco) o en una isla distante en el océano.

Su número oscila entre tres y nueve. Tenían diversos nombres pero los que se han conocido mayormente han sido: Egles, Aretusa, Hesperia, Héspere, Hestia y Hesperetusa. También son conocidas con el nombre de Doncellas de occidente, Diosas del ocaso, hermanas Africanas o como me referí a ellas al comienzo, hijas del atardecer. Acerca de sus padres, hay diversas opiniones, se le atribuye la paternidad a Nix y Érebo , Zeus y Temis, Forcis y Ceto, o Atlas y Hésperis, pero no hay una base lo suficientemente fuerte en ninguna de las hipótesis.

Las Hespérides tenían la misión de proteger al árbol de las manzanas doradas que crecía en el jardín, estas manzanas de oro tenían el don de conceder la inmortalidad a quien las probase. Acerca del origen de estos manzanos, se cuenta que fueron plantados de las ramas que Gea había entregado Hera y a Zeus como regalo de boda y Se dice también, que habían concedido a estas ninfas la tarea de protegerlo, pero como comenzaron a guardar los frutos para comerlos ellas, decidieron colocar a un dragón de cien cabezas que nunca dormía ( Ladón) para que éste a su vez, protegiese al árbol de las mismas Hespérides.

Según la mitología griega, de estos árboles procedían las tres manzanas de oro con las que Hipómenes consiguió vencer a Atalanta en la carrera. También Heracles tuvo como tarea apoderarse de las manzanas del jardín de las Hespérides y gracias a este fruto, se valió la Discordia para separar a los Dioses.

El jardín de las Hespérides aparece con bastante frecuencia en nuestro recorrido por la mitología griega, supongo que en todas las historias de la humanidad, la avaricia es causante de grandes luchas. En la mitología griega, no podía ser menos. La inmortalidad era uno de los tesoros que más perseguían dioses y hombres, por tanto, este jardín era uno de los puntos de mira de muchísimos personajes de la antigüedad.

Manet

2009-11-09T11:02:00.011+01:00

Si me preguntaran: “¿Qué estilo de pintura es la que más te gusta?”, no sabría elegir, probablemente contestaría: “¿Se vale un poquito de todo?” y estaría siendo completamente honesta. Si bien es cierto que hay muchas obras que me gustan, también lo es el hecho de que de un mismo pintor, hay cuadros que venero y otros que detesto, pero supongo que así es el arte: un conjunto de cosas hermosas y horribles en un mismo espacio para formar algo único.

Hoy voy a hablarles de uno de los estilos que más me gusta: El Impresionismo y de uno de los expositores que más se amoldan a mi gusto en este estilo: Manet. Así que para no excederme con la presentación, les dejo con este genio del arte impresionista.

Édouard Manet nació en París el 23 de Enero de 1832, en una familia acomodada. No fue un niño genio como otros pintores, podríamos decir más bien, que sus días escolares pasaron sin acontecimientos destacables y que terminó su formación escolar sin obtener la calificación necesaria para estudiar derecho,lo que causó una decepción atroz a su padre que era magistrado. A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prácticas, su intención era la de ingresar en la Academia Naval Francesa,pero como su proyecto no tuvo éxito tuvo que regresar y dedicarse a algo que le gustaba: el arte.

Fue alumno de Thomas Couture. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt y Velázquez, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier. De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado, pero por desgracia, Couture era un antirrealista fanático y convencido, de quien Manet se mofó en muchas oportunidades y quien enfurecido a causa de esto, le dijo que nunca llegaría a ser otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la historia de la pintura y de lo que podía aprender viendo grabados japoneses. Y es que Manet fue siempre un extraño ecléctico.
Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros.

En 1863 contrajo matrimonio con la pianista holandesa Suzanne Leenhoff, con la que mantenía relaciones desde 1850 y en agosto de 1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la pintura barroca española, en particular a Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra.

En 1867, aprovechando la afluencia de público que se preveía con motivo de la Exposición Universal, Manet y Courbet levantaron cada uno un pabellón en la Place de l'Alma, ante una de las entradas de la exposición, para exponer su propia obra. Con este fin le pidió a su madre, con quien vivían su familia y él desde hacía unos meses, que le adelantase 28305 francos de su herencia. En esta exposición, Manet vendía unos folletos impresos con un artículo publicado en L'Artiste en el que su amigo y admirador Èmile Zola hace una entusiasta defensa de su pintura. Además del texto, los folletos incluían un retrato de Manet por Bracquedemont y un aguafuerte de una de sus obras más polémicas, Olimpia. A pesar del dinero gastado y de la amplia publicidad que se hizo, su exposición individual, en la que se mostraban alrededor de cincuenta obras, no obtuvo éxito de ventas ni de crítica, y fue objeto de burlas y caricaturas en el periódico satírico L'Amusant.

Ese mismo año empezó a trabajar en una serie de pinturas de contenido político, que reflejaban la ejecución del emperador Maximiliano de México, entre ellas una litografía que fue prohibida por la censura a causa de las ideas republicanas del pintor. Poco después, Zola publica en La Tribune Française un artículo contra el censor.

Al estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto con otros impresionistas, fue movilizado. envió a su familia a Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos, y envió trece cuadros a Duret, antes de entrar como teniente al servicio de la Guardia Nacional .Tras la declaración del armisticio, en 1871, formó parte, junto con otros catorce pintores y diez escultores de la federación de artistas de la efímera Comuna de París.

En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos veinticuatro obras de Manet y organizó la primera exposición de pintores impresionistas, que no tuvo éxito comercial. sin embargo, entre estos artistas iba surgiendo una conciencia de grupo que los llevaría a formar la Société Anonyme des artists para realizar exposiciones colectivas.

En esta época, en la que tiene mucha relación con Monet, empieza Manet a adoptar las técnicas impresionistas si bien rehusará participar en las exposiciones colectivas. en cambio, organiza una exposición de sus obras en su propio taller de la parisina calle de St. Petersboug, que gozó de bastante popularidad, rumoreándose en la época que había tenido unas 4000 visitas.
Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue. En esta época fue reconocido su talento con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor.

El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda y, diez días más tarde falleció, a los 51 años de edad.
En febrero de 1884 se pusieron a la venta todas las obras de su taller en el Hôtel Drouot; a la venta acudieron los pintores impresionistas, que adquirieron muchas de las obras; se venieron 159 cuadros por un total de 116637 francos, quedando Olympia entre las obras que no fueron compradas.

Si bien es cierto que Manet es considerado uno de los impresionistas, también lo es el hecho de que sus obra, tienen matices impresionistas y realistas al mismo tiempo. Incluso, se ha dicho que es naturalista puesto que en muchas de sus obras, se observa que el artista copia fielmente lo que percibe en el mundo real. Para captar la realidad y su fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada. Este rasgo es el que después le identifica somo impresionista. Sin duda, podría afirmarse que con Manet se inaugura la pintura moderna.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-11-06T00:57:00.003+01:00

Para este viernes de mitología he traído una historia de esas de “rajarse las venas por amor”, aunque no textualmente, la historia de Políxene es una de esas tragedias Griegas que nos dejan el corazón desgarrado. Es una historia triste como muchas de las que encontramos en los clásicos Griegos, pero en ella hay un protagonista al que todos conocemos por su valentía y audacia, un hombre que luchó mucho y que batalló sin dar asomo de debilidad en casi todas sus batallas y digo “casi”, porque hubo una batalla en la que este héroe Griego fracasó: en la batalla la del amor.

Un viernes más, retiro mi sombrero de juglar y haciendo la reverencia que merecen, les entrego un nuevo relato que espero que disfruten.

Políxena o Políxene- que viene a ser la misma persona- era la hija de los reyes de Troya: Príamo y Hécuba y según relata la historia era una princesa hermosa. Extrañamente, Homero no la nombra en la Ilíada, sino que aparece con posterioridad en la historia por intervención de otros poetas griegos y digo extrañamente, precisamente porque Políxene fue la mujer de quien Aquiles terminó enamorado.

Un Oráculo vaticinó que Troya no sería destruida si Troilo – Hermano de Políxene – llegaba a cumplir los veinte años de edad y fue entonces, cuando Aquiles preparó una emboscada en la que cayeron Políxene y Troilo, y en la que Aquiles termina asesinando al joven.

Aquiles termina enamorado de Políxenes y según cuenta la historia, es asesinado durante una de las treguas en las que el heroe griego, acudía a visitar a su amada. En cuanto a la muerte de ella existen dos versiones, la primera es que se suicidó frente a la tumba de Aquiles por el dolor innombrable que sentía al no tenerle cerca y la otra, más difundida y mucho más trágica, relata que el fantasma de Aquiles ( el eidolon) se apareció ante los sobrevivientes de la guerra y les exigió que la princesa Políxene le fuese sacrificada antes de que nadie pudiese marcharse. El hijo de Aquiles: Neoptólemo lo hizo. Fue él quien la mato sobre el sepulcro de su padre. Según cuenta la historia, durante el sacrificio, muchos de los que estaban presente sintieron deseos de llorar al ver que sacrificarían a un inocente, pero Políxene levantó su cuello demostrando más fortaleza que piedad.

Esta historia nos deja una gran enseñanza y esa es, que la valentía y el arrojo no es exclusivo de los hombres de batalla, a veces una simple doncella puede presentar más valentía que la de aquel verdugo que escondiéndose en las armas y en las glorias pasadas, es capaz de cometer un crimen tan abominable contra un ser inocente. Políxene dejó un legado de orgullo, coraje e inocencia y Neoptólemo, tras este crimen, apareció ante la historia como un combatiente cruel y despiado. Pero lo realmente triste de esta historia no queda allí, sino que permanece vigente a diario en las miles de Políxenes que hay por ahí tratando de ganarle la batalla a la muerte.Todos los días sale a la calle una Políxene que teme ser asesinada por las manos cobardes de un verdugo cualquiera...

Un beso para cada uno de ustedes y Feliz fin de semana.

FRANZ VON STUCK

2009-11-02T02:10:00.012+01:00

Hoy quiero hablarles de un pintor al que conocí gracias al cuadro que encabeza la entrada y del que me enamoré perdidamente hace un par de años. Siempre he admirado a los retratistas porque considero que lo más difícil que puede haber en este arte, es precisamente el de poder captar una expresión en un rostro y reproducirla para que los que estamos del otro lado la apreciemos y éste caballero es, en mi humilde percepción, uno de los pintores alemanes con mayor don para la pintura realista.

Franz Von Stuck nació en Tettenweis – Baviera el 24 de Febrero de 1863 y desde pequeño mostró facilidad para la pintura y la caricatura. Empieza su educación artística en Múnich en 1878 y permanece allí toda la vida Desde 1881 hasta 1885 realiza estudios en la Academia de Múnich en donde logra cierta reputación inicial para el Fliegende Blätter y diseños para programas y libros de decoración. En 1889 exhibió su primera pintura “El guardián del paraíso” en el Palacio de Cristal de Munich, con la cual obtiene una medalla de oro.

En 1892 se convierte en uno de los fundadores de la secesión de Munich, y ejecutó también su primera escultura, “Atleta”. El año siguiente tuvo éxito tanto con la crítica como con el público con la que se considera ahora su obra más famosa: “El pecado”. También en 1893, Stuck fue premiado con una medalla de oro por pintar en la Feria Mundial de Chicago y fue designado para un profesorado real. En 1895 comenzó a enseñar en la Academia de Munich.
En 1897, Stuck se casó con una viuda norteamericana, Mary Lindpainter, y comenzó el diseño de su propia residencia y estudio, La Villa Stuck. Sus diseños para la villa incluyeron todo, desde los planos hasta las decoraciones interiores; por sus muebles Stuck recibió otra medalla de oro en la Feria Mundial de Paris de 1900.
Habiendo obtenido un alto grado de fama en su tiempo, Stuck fue elevado al nivel de la aristocracia el 9 de diciembre de 1905 y recibiría honores y reconocimientos en toda Europa por el resto de su vida. Aun cuando las nuevas tendencias del arte dejaron a Stuck detrás, siguió siendo altamente respetado entre los artistas jóvenes por su capacidad como profesor en la Academia de Munich. A lo largo de los años tuvo estudiantes destacados, como Paul Klee, Hans Purrmann, Wassily Kandinsky y Josef Albers.

La obra de Stuck se basaba primordialmente en la mitología, inspirado en los trabajos de Arnold Böcklin. Las Figuras grandes y pesadas dominan la mayoría de sus trabajos y señalan su proclividad por la escultura. La carga seductora de sus desnudos femeninos –en el rol de femme fatale- son ejemplo de Simbolismo de contenido popular. Stuck prestó también atención a los marcos de sus pinturas y generalmente las diseñaba por sí mismo con tal cuidado en los detalles, las tallas y las inscripciones que deben ser tomados como parte integral de la pintura.

Aprovecho esta entrada para contarles que hace un par de semanas, la revista virtual Yareah Magazine me pidió que les transcribiese un post que publiqué en mis comienzos con el blog. La entrada en cuestión, era Metamorfosis de Ovidio y para mi ha sido un verdadero placer poder colaborar con un proyecto tan hermoso como el que tienen los creadores de este espacio maravilloso. Aquí les dejo el enlace que ellos me han enviado, para que puedan conocer esta revista cultural, les aseguro que no se van a arrepentir.

Http://www.yareah.com

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-10-30T17:32:00.002+01:00

Para este viernes me ha tocado improvisar un poco. No pensaba publicar por unos días en ninguno de mis espacios, pero “La hamaca del pensador” es uno de los espacios que considero al mismo tiempo más personal e impersonal que tengo. Aquí reúno muchas de mis “buenas pasiones” y aquí me siento en casa cuando no quiero escribir o cuando queriendo escribir, se sabe que hay que dejar que muera la inspiración para evocarla de nuevo pero de espaldas a lo acostumbrado. Hoy quiero continuar con mis viernes mitológicos y dejarles una historia que considero un poco extraña...supongo que los personajes que aparecen en ciertos momentos, son los que necesitamos que nos aparezcan...así que sin más preámbulos, retiro mi sombrero de juglar y haciendo reverencia les dejo con Faetonte y su historia.

Sobre la genealogía de Faetonte hay dos corrientes distintas. En una se dice que es hijo de eso ( Aurora) y Céfalo, y en otra, la más conocida, se dice que es hijo del Sol (Helio) y de la oceánide Clímede. En ésta historia se relata que Faetonte fue criado por su madre y bajo la ignorancia del conocimiento de quién era su padre, pero apenas llegó a la adolescencia se le reveló el nombre del mismo.
Entonces el muchacho reclamó un signo de su nacimiento, y rogó a su padre que le dejase conducir su carro. Tras muchas vacilaciones, el Sol consintió, pero le pidió que bajo ninguna circunstancia se alejase del camino trazado, y Faetonte partió. El joven comenzó a marchar por el camino trazado en la bóveda celeste, pero pronto se espantó por la altura en que se hallaba y también, por la visión de los animales que representan los signos del Zodíaco.Todo esto lo amedrentó e hizo que abandonara el camino , olvidando de este modo también las mil recomendaciones que le había dado su padre.

Descendió demasiado y casi incendia la Tierra; luego volvió a subir, demasiado alto, y los astros se quejaron a Zeus. Éste, para evitar una conflagración universal, lo fulminó, precipitándolo en el río Erídano. Sus hermanas, las Helíades, recogieron su cuerpo, le rindieron honores fúnebres y lo lloraron de tal modo que fueron transformadas en álamos.

Ahora me despido, no sin antes dejarle un beso muy grande para cada uno de ustedes. Buen fin de semana y tengan cuidado cuando llevan carros de fuego, no les vaya a pasar lo que al pobre Faetonte.

DIEGO VELAZQUEZ

2009-10-26T01:43:00.012+01:00

El pintor de quien voy a hablarles hoy, pertenece al movimiento cultural barroco. Teniendo en cuenta que éste movimiento está ligado con el absolutismo, la contrarreforma y el renacimiento católico, es bastante común observar como los adeptos a esta corriente artística, desplegaban en sus obras todo un conjunto de manifestaciones religiosas. Es por esto que podría decirse, que en los países católicos se observa todo el peso de la religión en este tipo de obras y en los países de origen protestante, aparece todo un derroche del mundo burgués.

La pintura Barroca se caracteriza por el aspecto dramático, los colores ricos y en tonalidades fuertes, pero más que todo, por el exquisito conjunto de luces y sombras de sus obras.

Hay muchísimos artistas afamados y valiosos que se inclinaron por esta corriente. Algunos ya los he ido presentando y otros, en el transcurso del tiempo, terminarán apareciendo en este espacio porque son pintores que me gustan mucho, pero hoy quiero cederle mi tiempo a un maestro maravilloso, así que sin más retrasos, los dejo con el gran Velázquez y su espléndido aporte para el arte.

DIEGO VELAZQUEZ

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nace en Sevilla,el 6 de junio de 1599 . Es conocido como Diego Velázquez y fue un pintor barroco, al que se le ha considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y también , una figura indiscutible de la pintura universal.
Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey. Cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara que era el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida.
Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea.

La rápida ascensión de Velázquez provocó el resentimiento de los pintores más veteranos, como Vicente Carducho y Eugenio Cajés que lo acusaban de ser sólo capaz de pintar cabezas. Según escribió Jusepe Martínez, esto provocó la realización de un concurso en 1627 entre Velázquez y los otros tres pintores reales: Carducho, Cajés y Angelo Nardi.El ganador sería elegido para pintar el lienzo principal del Salón Grande del Alcázar. El motivo del cuadro era La expulsión de los moriscos de España. El jurado, presidido por Juan Bautista Maíno, entre los bocetos presentados declaró vencedor a Velázquez. El cuadro fue colgado en el Alcázar de Madrid y se perdió posteriormente en el incendio del mismo (1734). Este concurso contribuyó al cambio del gusto de la corte, abandonando el viejo estilo de pintura y aceptando la nueva pintura.

El reconocimiento de Velázquez como gran maestro es bastante tardío. Prácticamente hasta el principio del siglo XIX no aparece su nombre entre los artistas considerados mayores. Las causas son varias; Velázquez no acostumbraba a firmar sus obras, por lo que muchas se atribuían a otros artistas. Además, la mayor parte de su carrera la consagró al servicio de Felipe IV, por lo que casi toda su producción permaneció en los palacios reales, lugares poco accesibles al público. Al contrario que Murillo y Zurbarán, no dependió de la clientela eclesiástica y realizó pocas obras para iglesias y demás edificios religiosos, por lo que no fue un artista popular.
La obra de Velázquez comenzó a ser conocida cuando los viajeros extranjeros que visitaban España pudieron contemplarla en el Museo del Prado, que comenzó a mostrar las colecciones reales en 1819. Antes solo los que disponían de un premiso especial podían contemplar su obra en los palacios regios.
El reconocimento de pintores y críticos fue creciendo. El estudio sobre el pintor de Stirling Maxwell, publicado en Londres en 1855 y traducido al francés en 1865, ayudó en el redescubrimiento del artista, se trataba del primer estudio moderno sobre la vida y obra del pintor. La revisión de la importancia de Velázquez concidió con un cambio de sensibilidad artística.

Cuando Manet realizó su famoso viaje de estudio a Madrid en 1865, la fama del pintor ya estaba establecida, pero nadie se sintió tan maravillado y fue quien más hizo por la comprensión y valoración de su arte. Lo calificó como el pintor de pintores y el más grande pintor que jamás ha existido.

Por tanto el surgimiento de Velázquez como pintor universal se produjo hacia 1850. En la segunda parte del siglo fue considerado como el realista supremo y el padre del arte moderno.
A finales de siglo se añadió la interpretación de Velázquez como un pintor protoimpresionista. Stevenson en 1899 estudió sus cuadros con mirada de pintor y encontró numerosa conexiones entre la técnica de Velázquez y los impresionistas franceses.

Ortega y Gasset situó el momento de máxima fama de Velázquez entre 1880 y 1920, coincidiendo con el tiempo de los impresionistas franceses.

Luego aconteció lo inverso, hacia 1920 el impresionismo y sus ideas estéticas declinaron y con él la consideración de Velázquez. Según Ortega comenzó un periodo que llamó de invisibilidad de Velázquez.
Murió en Madrid el 6 de Agosto de 1660.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-10-23T01:08:00.002+02:00

Este viernes de mitología, he traído una de esas historias que dejan un espacio abierto al debate. El personaje de ella es uno de los que menos asoman por los clásicos griegos, pero sin embargo, es una de las historias más divertidas y actuales que conforman ese maravilloso legado que nos han dejado los Griegos y que yo intento, del mejor modo que puedo, transmitirles a ustedes.

El personaje de hoy es Tiresias, un adivino ciego de la ciudad de Tebas y que junto a Calcas, es uno de los adivinos más famosos de la mitología Griega, sin embargo, su nombre es menos popular que el de otros personajes. Tiresias, es hijo de Everes y de la ninfa Cariclos, y es a su vez padre de Manto y de la famosísima Dafne. Siempre que leemos algún relato en donde se hace alusión al adivino de Tebas, aún sin que se mencione su nombre, estamos en presencia de este singular personaje. No en vano, fue él quien reveló a Edipo el misterio de su nacimiento y quien vaticinó para Odiseo, los sucesos que acontecerían en su regreso a Ítaca. En los clásicos griegos, la figura del adivinador es bastante importante aunque muchas veces, se olvidé de colocar el nombre del adivino.

Tiresias era ciego desde joven. Según las versiones, su ceguera fue causada por la diosa Atenea, quien lo castigó por haberla sorprendido mientras se bañaba. Hay otra versión mucho más interesante y que según mi punto de vista, es propicia para cualquier debate, en ésta, se señala a la diosa Hera como la responsable de este lamentable castigo y la causa que la llevó a ello, fue la siguiente:
Una vez mientras Tiresias iba en el camino, sorprendió a dos serpientes apareándose y tras golpearlas con el bastón, se vió transformado en mujer. Siete años más tarde, volvió a ver a las serpientes en circunstancias similares y entonces, fue restituido a su carácter de varón. Por esta razón, Tiresias se consideraba la persona más apropiada para dictaminar si era el hombre o era la mujer, quien más disfrutaba del acto sexual. Esta experiencia única, hizo que Zeus y Hera se recurrieran y nombrasen a Tiresias como árbitro en una discusión sobre quién experimentaba más placer sexual. Cuando Tiresias afirmó que el hombre experimenta una décima parte del placer que la mujer, Hera, indignada, lo castigó dejándolo ciego. Zeus, sin embargo, le otorgó el don de la profecía y una larga vida. Y así fue como este ilustre caballero quedó ciego para siempre.

En lo que a mi respecta y sin correr el riesgo de quedar ciega – bueno al menos no por mandato de Hera – creo que cuando hombre y mujer entran en el mismo lecho, quien lleva la mayor posibilidad de disfrute, es quien lo haga con más amor. Yo soy de las personas que opinan que el sexo sin amor sólo es una experiencia más y que nada puede compararse con el placer de estar con quien se ama, en el momento en que se ama y cuando se siente bonito. Soy de esas que viven para y por los orgasmos mentales...

Les deseo un feliz fin de semana a todos.

EL GRAN ADOLFO PAYÉS

2009-10-19T01:29:00.016+02:00

Cuando cree este espacio, lo hice para desempolvar un poco esas parcelas de los viejos años, pero también lo hice para aprender mientras exponía de algunos de los artistas que he ido presentándoles a lo largo de estos meses. Gracias a ustedes he tenido la motivación suficiente para continuar con el gusanillo del saber dentro del alma, pero gracias a ustedes también, he conocido a muchísimos talentos. Uno de ellos, es mi amigo Adolfo Payés, a quien quiero presentar del modo más objetivo que me sea posible y a quien admiro muchísimo porque al menos para mi, es un “hombre orquesta de las artes”.

Quien haya visitado alguno de sus espacios en Blogger, sabrá perfectamente a qué me refiero y quien no lo haya hecho aún, le recomiendo muchísimo que lo haga. Adolfo, es un artista integral y completo, yo me refiero a él como al hombre orquesta de las artes, precisamente por eso, porque es un poeta extraordinario, un pintor simplemente sublime, porque hace unas viñetas en donde su compromiso social es tan notorio como sincero, porque es un escultor extraordinario y porque además de todo lo que ya es, logra equilibrar el tiempo para dedicarnos un rato a muchos de nosotros. Yo creo que hay gente que nace con arte y arte que nace con gente, y Adolfo Payés es el arte hecho hombre.
Para no extenderme demasiado, les presento una breve biografía de este maravilloso artista, algunas de sus obras y como no, sus enlaces para que puedan corroborar y entender mi fascinación hacia su trabajo.

Adolfo Páyes

Éste espléndido pintor, escultor y poeta,Nace en San Salvador.
Hijo de Joaquín Aguilar Guzmán, un renombrado escultor en El Salvador y de Antonia del Carmen Payés.
Desde muy joven, se dedica a las artes en el hogar del niño de San Jacinto, lugar en donde realiza sus primeros estudios y que sirve de trampolín, para impulsarlo a estudios más profesionales en el Centro Nacional de Arte (CENAR).
Realizó Estudios de Artes Plásticas en la universidad de Montréal en Québec, UQAM, Canadá. País en el que reside actualmente y de donde nos llegan esas maravillosas creaciones con las que nos deleita a diario.
Éste consagrado artista ha realizado exposiciones en España, Canadá, Corea del Sur, entre otros.
Y estoy completamente segura de que su dedicación y su gusto por la belleza, lo llevará a ser un artista de renombre a nivel mundial en muy pocos años.

LOS POEMAS DE ADOLFO PAYÉS

El trabajo literario de Adolfo Payés es según mi punto de vista, sumamente delicado. Su prosa abarca distintas temáticas, pero el amor y el compromiso social destacan por encima de las demás. Su prosa asonante posee una espiritualidad asombrosa y están repletas de metáforas sublimes. Leerlo es realmente grato y cuando se tiene la oportunidad de escuchar sus poemas recitados a través de esa voz melodiosa y grave, es sin lugar a dudas, un momento en donde la paz y la belleza pueden conjugarse en el mismo orden y en el mismo plano.

Http://apayess.blogspot.com/

ADOLFO PAYÉS Y EL ARTE

Otro espacio que podemos encontrar en blogger y que pertenece a este caballero del arte, es Http://adolfopayes.blogspot.com/ . En esta página, Adolfo Payés nos brinda la oportunidad de conocer a artistas tan maravillosos como lo pueden ser: Bacon, Jean-Paul Laurens, Boccioni y muchísimos más.
Este espacio cuenta con una información completa acerca de cada artista así como, de un recorrido fenomenal por toda su obra. En lo que a mi respecta, es un espacio que suelo frecuentar con bastante regularidad y en el que, cuando entro, me siento completamente a gusto.

LAS PINTURAS DE ADOLFO PAYÉS

Adolfo Payés es un consagrado pintor. A mi por lo menos, me gusta mucho la combinación de colores que realiza en sus trabajos, me gusta su interés por mostrar en el óleo todo el amor, la tristeza y la desesperanza que puede sentir como hombre, pero también como pueblo.

En muchas de sus obras queda plasmada una denuncia social, un compromiso con el tiempo y una esperanza de cambio, pero también queda reflejado el amor a la familia, el gusto por lo exquisito y la exaltación de la belleza femenina.
Yo lo veo como un pintor con alma, uno de esos que ven más allá de la estética y que logra sellar en cada obra finalizada, un sentimiento sincero y verdadero.
Nunca he podido ver ninguno de sus cuadros con indiferencia porque todos hablan y en todos se observa, la pasión que tuvo mientras lo iba diseñando.

Http://adolfopay espinturas.blogspot.com/

LAS VIÑETAS DE ADOLFO

Y para culminar, quiero dejarles también el enlace de las viñetas que realiza Adolfo. Muchas están llenas de esa ironía que nos hace darnos cuenta de lo mal que están las cosas en el mundo, pero hay otras con tanta sencillez y humildad, que logran arrugarnos el alma y llenarnos de impotencia.

Este espacio, a mi parecer, es donde podemos apreciar mejor el interés que tiene este artista, por todos los hechos trascendentales que ocurren en el mundo y en donde, siendo partidarios o no de sus ideales políticos, no podemos dejar de reconocer su enorme interés porque el mundo sea un lugar de paz, en donde quepamos todos y en donde todos vivamos felices.

Http://adolfo-payes.blogspot.com/

Me despido con un fuerte abrazo a todos y uno muy grande para ti amigo. Gracias por haberme permitido entrar un poco en tu vida artística y gracias por engalanar mi espacio con tu presencia.

Honor a quien honor merece y tú los mereces todos.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-10-16T01:56:00.003+02:00

Hay mucha similitud entre la mitología griega y algunas tradiciones religiosas. Los griegos tienen una visión antropomórfica de los Dioses y aunque en el catolicismo se intente negar este hecho, podemos observar que Dios, Jehová, Elohim, Yahveh, Eloha o como le prefieran llamar, también tiene sentimientos humanos en sus comportamientos. La mitología Griega habla de semidioses ( fruto de la unión de un Dios y un mortal) y Jesús de Nazaret , no deja de ser semidiós puesto que, para su creación fue necesaria la intervención de un Dios y un mortal : María. Pero esto no queda aquí, en la mitología griega hay algunos hechos que se asemejan a los narrados en el antiguo testamento y por eso, hoy quiero contarles la historia de un personaje muy particular, se llama Deucalión y tiene su referencia en Noé...si no me creen, aquí les dejo su historia y sean ustedes mismos quien la juzgue.

Un viernes más, retiro mi sombrero de juglar y haciéndoles la debida reverencia, me inclino para entregarles una nueva historia, que espero que disfruten.

LA HISTORIA DE DEUCALIÓN

Deucalión es hijo del célebre titán Prometeo y como les participé antes, es la versión griega del mito del diluvio universal, de posible origen oriental. Esposo de Pirra ( hija de Pandora y Epimeteo) y como la mayoría de los personajes mitológicos, tiene lazos de sangre con Zeus.

Cuando Zeus decidió finalizar la Edad Dorada con el gran diluvio, Deucalión, por consejo de Prometeo, construyó un arca y, disponiendo dentro de ella lo necesario, se embarcó en compañía de Pirra. Zeus hizo caer desde el cielo una copiosa lluvia e inundó la mayor parte de la Hélade, de manera que perecieran todos los hombres, excepto unos pocos que se refugiaron en las cumbres de las montañas próximas.
Después de nueve días y otras tantas noches navegando,finalizó el diluvio y la pareja volvió a tierra firme .Deucalión decidió consultar al oráculo de Temis sobre cómo repoblar la tierra y el oráculo le dijo que debía arrojar los huesos de su madre por encima de su hombro.
Deucalión y Pirra ,entendieron que "su madre" era Gea, es decir, la tierra, puesto que era la madre de todas los seres vivientes, y que los "huesos" eran las rocas. Así que tiraron piedras por encima de sus hombros y éstas se convirtieron en personas. Las piedras que arrojó Pirra se convirtieron en mujeres y las de Deucalión, en hombres. Así fue como poblaron nuevamente la tierra.

EL GRAN DURERO.

2009-10-12T02:31:00.011+02:00

Alberto Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad en la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo, era orfebre y fue el primer maestro de su hijo. Después de estudiar con su padre, Durero entró con 15 años como aprendiz del pintor y grabador Michael Wolgemut..
Como era costumbre entre los jóvenes que habían acabado su periodo de aprendizaje, Durero emprendió un viaje de estudios en 1490. En 1492 llegó a Colmar, donde intentó entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer que, cosa que no sabía Durero, había muerto en 1491.
Los hermanos de Schongauer le aconsejaron que se dirigiera al centro de publicaciones de Basilea, en Suiza, para buscar trabajo. En Basilea y después en Estrasburgo, Durero realizó ilustraciones para varias publicaciones, entre las que se encuentra Das Narrenschiff de Sebastian Brant en 1494 (traducida en 1507 como La nave de los locos). Durante esta primera etapa de su vida, comprendida entre su aprendizaje y su regreso a Núremberg en 1494, su arte refleja una enorme facilidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Dichas cualidades son especialmente evidentes en una serie de autorretratos, entre los que se encuentra uno de sus dibujos más antiguos (1484, Albertina, Viena) que hizo a la edad de 13 años, un retrato de expresión seria dibujado en 1491 (Colecciones de la Universidad, Erlangen, Alemania), y otro retrato en el que aparece como un joven seguro de sí mismo (1493, Museo del Louvre).
Entre 1488 y 1493, el taller de Wolgemut se dedicó a la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Núremberg (1493) de Hartmann Schedel, y es probable que Durero recibiera una instrucción exhaustiva de cómo hacer los dibujos para las planchas de madera. Durante toda la época renacentista, el sur de Alemania fue centro de muchas publicaciones y era común que los pintores estuvieran también calificados para realizar xilografías y grabados para ellas.
De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Durante el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora. Los artistas alemanes adoptaron las texturas, los colores brillantes y las figuras detalladas de los artistas Italianos, así como los gustos de éstos por las figuras idealizadas y los temas mitológicos. Podríamos decir, que esta fusión que ocurrió entre ambas culturas, logró un estilo realmente bello y único.
La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano. Durero hacía hincapié en que la geometría y las medidas eran la clave para el entendimiento del arte renacentista italiano y, a través de él, del arte clásico.

Después de casarse con Agnes Frey en Núremberg en 1494, Durero viajó a Italia. Allí realizó acuarelas de paisajes con gran minuciosidad de detalle, probablemente durante su viaje de regreso, como por ejemplo una vista del castillo de Trento (National Gallery, Londres). Durante los diez años siguientes en Núremberg, desde 1495 a 1505, produjo un gran número de grabados que le ayudaron a asentar su fama. Entre ellos destaca la serie del Apocalipsis (1498), Baño de hombres, Sansón con el león, La gran fortuna (1501-1502) y La caída del hombre (1504). Éstas y otras obras de este periodo muestran, en su conjunto, una maestría técnica cada vez mayor en el arte de la xilografía y el grabado, un manejo de las proporciones humanas basado en los textos del tratadista romano Vitrubio y una brillante capacidad para incorporar detalles de la naturaleza en obras que reflejan el entorno con gran realismo.

En 1507 regresó a Núremberg, donde comenzó un segundo periodo de una ingente producción artística con obras como el retablo para la iglesia de los Dominicos de Fráncfort del Meno (1508-1509, destruido en un incendio en 1729), la tabla de la Adoración de la Trinidad (1508-1511, Museo de Historia del Arte, Viena), las tablas de Adán y Eva (1507, Museo del Prado); retratos; y numerosos grabados, entre los que se encuentran dos series de la Pasión (la Gran Pasión y la Pequeña Pasión), otra sobre La Vida de la Virgen, un Arco del triunfo grabado en varias planchas de madera, encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Maximiliano I, y tres imágenes magistrales: El caballero, la Muerte y el Diablo (1513), San Jerónimo en su celda (1514) y La melancolía (1514). Mediante el grabado de línea Durero consiguió crear diferentes gamas de sombreado y texturas con las que logró plasmar formas tridimensionales con una maestría nunca antes superada.

En 1520 Durero se enteró de que Carlos I, sucesor de Maximiliano I, iba a viajar desde España a Aquisgrán para ser coronado emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Durero había recibido una pensión anual por parte de Maximiliano y tenía la intención de que Carlos I mantuviera esa asignación. Emprendió el viaje a Aquisgrán, que financió vendiendo grabados y otras obras durante el trayecto, y de allí pasó a los Países Bajos entre 1520 y 1521. Su diario nos proporciona un fascinante relato de estos viajes, de las audiencias de los monarcas y de los recibimientos que le brindaron sus compañeros artistas, como Lucas van Leyden, especialmente en Amberes

Muere en su ciudad natal el 6 de Abril de 1528.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-10-09T02:24:00.002+02:00

Un viernes más...un relato mitológico más...nuevos sucesos...nuevas historias...la injusticia de la justicia misma. Hoy quiero dedicarle este espacio a las personas que en nombre de la justicia avasallan a los débiles, a los que juegan a ser justos cometiendo injusticias, a los que hieren con la vara de la mentira y la limpian con el paño de la verdad. La mitología tiene algo mágico que me hace amarla y eso es que cuando pienso que no hay respuestas para las cosas, la mente me escupe un nombre, una historia...un recuerdo de mi época de estudiante cuando me sentaba en los pasillos de la universidad a fumar y a embriagarme de clásicos griegos. Ayer recordé a Peleo y su historia, recordé el preámbulo en el que su relato apareció en mi vida y pensé que era bueno hablarles acerca de él. “Cuando todo está oscuro, la llama de la verdad aparecerá para iluminarnos”, no sé si esto será verdad...pero me apetece creerlo.
Ahora me inclino hacia ustedes, mis más queridos compañeros de trasnocho y haciéndoles la reverencia que se merecen, les dejo con una historia más en un viernes más. Feliz fin de semana a todos.

PELEO

Peleo es el padre de Aquiles, por este motivo, a veces Aquiles es llamado Pelida. Es hijo de Eaco y Endeis, reyes de los mirmidones, y nieto de Zeus. Peleo es el más justo de los mortales, por este motivo obtuvo la mano de la Nereida Tetis y de esta unión nació el héroe Aquiles. Cuando Peleo se enamoró de Tetis pidió consejo a Quirón para encontrar la forma de seducirla, ya que ella, como todas las nereidas, poseía el poder de cambiar de forma a su antojo. Quirón le recomendó que una vez que la atrapara no la soltase, sin importar en que se transformase. Así lo hizo, y cuando ésta se transformó en calamar, la atrapó por un brazo y no la soltó hasta que regresó a su forma de mujer, momento en el que Peleo pudo tomarla a la fuerza.
La boda de Peleo y Tetis se celebró en la cueva de Quirón, en el monte Pelión. Casi toda la nobleza griega e incluso los mismos dioses asistieron. Durante la ceremonia Peleo recibió, como regalo del centauro, una lanza de fresno hecha por los mismos Hefesto y Atenea. Se celebró a lo grande, Quirón tañó la lira y las nereidas bailaron toda la noche. Pero aquel feliz momento fue menguado por algo que traería terribles consecuencias. Casi todos los dioses habían sido invitados a aquella fiesta, menos Eris, la diosa de la discordia; la cual, furiosa por aquella afrenta, urdió un plan para vengarse. Primero pidió una manzana de oro del jardín de las Hespérides, en la cual plasmo lo siguiente: kallisti (Para la más hermosa) y la lanzó en medio de la boda. Al verla, Hera, Atenea y Afrodita, alegando cada una ser la más bella, por lo tanto poseedora del premio, se la disputaron. Lo que traería como consecuencia el juicio de Paris y la posterior Guerra de Troya

Siendo joven, Peleo viajó a Ftía, un pequeño país en la costa Egea de Tesalia, donde reinaba Acasto. Allí la mujer de éste, Astidamía, se enamoró de él. Sin embargo, Peleo la rechazó. Ante lo cual, presa del despecho, la reina le acusó ante su marido de intentar seducirla.

El rey, con intención de vengarse, invitó a Peleo a una cacería en sus territorios de la frontera norte del reino. En el transcurso de la cual, los hombres del rey le apresaron, le robaron su espada, valioso regalo de su padre, le ataron y abandonaron a su suerte, sin caballo y sin comida, en un territorio en el que vivían los centauros. El primero de estos seres con el que se encontró fue Quirón, de quien pronto se hizo amigo y le ayudó a regresar a su hogar. Ésta se convertiría en una amistad de por vida, y Peleo, conociendo la sabiduría de Quirón, más adelante le confiaría la educación de su hijo Aquiles.
Una vez de regreso y a salvo en su hogar del palacio de Egina, relató todo lo sucedido a su padre. Éste, furioso, le concedió el mando de su ejército. De ese modo regresó a Ftía, mató al rey y a la reina por su infamia y se adueñó definitivamente del país, el cual se convertiría en la nueva tierra de los mirmidones que le acompañaron.

Participó en la expedición de los Argonautas, en busca del vellocino de oro. A su regreso de Cólquida Peleo se estableció en Ftía, donde, a la muerte de su padre, fue coronado rey de los mirmidones, trasladando de Egina a Ftía la capital de su reino.

De viejo, vivió tranquilamente bajo el reinado de su nieto, el cual se casó con Hermíone, la hermosa hija del rey Menelao de Esparta. Sin embargo, ésta nunca dio un hijo a Neoptólemo. Mas sí lo tuvo con su esclava, Andrómaca, la cual parió a un niño llamado Moloso. Narra Eurípides que cuando la celosa reina Hermíone pidió ayuda a su padre, durante la ausencia de Neoptólemo, intentaron matar a Andrómaca y al pequeño, fue el anciano Peleo quien encaró al poderoso rey espartano y por medio de la palabra consiguió que se marchase sin hacerles daño. Entonces fue cuando Andrómaca y Moloso huyeron del palacio para perderse rumbo al norte.

Neoptólemo, frustrado porque su esposa no le daba hijos, decidió pedir consejo al oráculo de Delfos, dentro de cuyo recinto fue asesinado por Orestes. Entonces, Peleo, ya en sus últimos días, no quedándole descendientes, y no queriendo dejar sus tierras a Menelao, pensó que los más sensato era dárselas en herencia al sirviente de más confianza de Neoptólemo. Fue así como, tras la muerte de Peleo, Héleno, antiguo príncipe de Troya y luego esclavo del hijo de Aquiles, recobró su dignidad convirtiéndose en rey de Ftía.

Como vemos, las cosas tarde o temprano llegan a su cauce y cuando la luz se apaga por un lado, la llama de la verdad y la justicia llega a iluminarlo todo. A veces los Dioses se distraen un poco, a veces somos los mortales quienes nos distraemos, pero la historia nunca lo hace. Tarde o temprano las aguas llegan a su cauce...esto también me apetece creerlo

EL GAROFALO

2009-10-05T02:16:00.008+02:00

El movimiento renacentista contó con muchísimas figuras valiosas, algunos nombres deslumbran más que otros, algunas obras son ampliamente conocidas mientras que otras, tienen un protagonismo más modesto. El personaje del que hoy voy a hablarles es uno de los pintores renacentistas que junto a Leonardo Da Vinci y Boticelli, me han cautivado. Sus obras poseen un realismo y una elegancia maravillosa y para mi, es un placer inmenso compartirlo con ustedes, así que sin más preámbulos, los dejo con el gran Benvenuto Tisi, mejor conocido como “El garófalo”.

Benvenuto Tisi nace en Ferrara , se presume que en el año de 1481, aunque no puede precisarse con exactitud que ésa sea exactamente su fecha de nacimiento, puesto que algunas personas entendidas del tema, adelantan su nacimiento hasta el año de 1476.Perteneció a la escuela de Ferrara y trabajó para la corte de la Casa de Este de los Duques de Ferrara y Módena. El apodo “El Garófalo”, corresponde a la localidad homónima, su posible lugar de nacimiento. Solía firmar sus obras con un pequeño anagrama en forma de clavel ( Garófalo significa clavel en italiano) .

En 1495 trabajó en Cremona bajo la dirección de Boccaccino quien lo familiarizó con los pintores Venecianos en coloridos. En 1501 se traslada a Bolonia para trabajar durante dos años en el taller de Lorenzo Costa el viejo. En 1504 regresa a Ferrara para trabajar con Dosso y Battista Dossi.

En 1512, conoce a Sanzio en la ciudad de Roma cuando regresa invitado por Girolamo Sacrati, pero esta estadía fue corta ya que tuvo que regresar a Ferrara, para realizar un número considerable de obras para el Duque Alfonso de Este y para la iglesia de su ciudad. En 1530 se casa con Caterina Scoperti y en 1531 pierde la vista de su ojo derecho, pero sigue pintando hasta que quedó completamente ciego en 1550.

Muere el 6 de Septiembre de 1559 y fue sepultado en la Basílica de Santa María in Vado de Ferrara. Sus restos fueron trasladados en 1829 al Cementerio de la Cartuja de Ferrara y en 1841 se erigió un monumento de él en el Patio de los Hombres Ilustres de la citada ciudad.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-10-02T02:15:00.003+02:00

La entrada de hoy quiero dedicarla a una persona sumamente especial, a quien respeto profundamente y a quien sé que le gusta mucho la mitología: para ti, “Pepe Luis”-como lo prometido es deuda y yo jamás olvido las promesas que hago, aquí te dejo esta historia- por ser uno de esos compañeros de tertulia a los que disfruto leyendo, por los momentos maravillosos que he pasado con tus historias de mili, por haberte preocupado por mi ausencia y porque eres un ser maravilloso. Espero que la disfrutes.
Y para todos ustedes que me leen y a quienes leo, estimo y valoro muchisimo, Un abrazo muy fuerte y aquí les vá...

La historia que voy a contarles este viernes mitológico, es la de Pigmalión. Muchos de ustedes sabrán que el nombre de este personaje define un efecto psicológico que responde precisamente a ese nombre: “Efecto Pigmalión” y que consiste, principalmente, en el ideal que tiene una persona en conseguir la perfección de las cosas. Hecha esta aclaración necesaria, me quito mi sombrero de juglar y haciendo la acostumbrada reverencia les entrego mi historia de hoy.

PIGMALIÓN

Pigmalión, siempre destacó por ser bondadoso y sabio a la hora de gobernar, pero también porque además de ser un sacerdote consagrado, fue un maravilloso escultor.
Durante mucho tiempo, Pigamalión buscó entre miles de mujeres, a una que tuviese la belleza perfecta. Así pasó media vida repasando y objetando damas, hasta que decidió que no se casaría y que quemaría sus años, creando estatuas de mujeres en donde la perfección irreal estuviese presente. Fue entonces cuando creó la estatua de una mujer perfecta y hermosa a la que bautizó como “Galatea”, y de quien terminó perdidamente enamorado.

Ovidio dice así sobre el mito en el libro X de Las metamorfosis: «Pigmalión se dirigió a la estatua y, al tocarla, le pareció que estaba caliente, que el marfil se ablandaba y que, deponiendo su dureza, cedía a los dedos suavemente, como la cera del monte Himeto se ablanda a los rayos del sol y se deja manejar con los dedos, tomando varias figuras y haciéndose más dócil y blanda con el manejo. Al verlo, Pigmalión se llena de un gran gozo mezclado de temor, creyendo que se engañaba. Volvió a tocar la estatua otra vez, y se cercioró de que era un cuerpo flexible y que las venas daban sus pulsaciones al explorarlas con los dedos.»

Cuando despertó en lugar de la estatua se hallaba Afrodita que conmovida por el fervor del rey, le dijo "Mereces la felicidad, una felicidad que tú mismo has plasmado. Aquí tienes a la reina que has buscado. Ámala y defiéndela del mal". De esa forma Galatea se transformó en una mujer real.

Para culminar, les deseo un fin de semana maravilloso y que todos encuentren a su Galatea. Los que ya la tienen: ¡Enhorabuena! ... y los que no, sólo recordarles que la perfección está en la mente y que aquella persona que nos ama incondicionalmente, que se desvive por nosotros y que nos hace sentir divinos, es sin lugar a dudas, lo más perfecto que nos puede aparecer en la vida...así que no nos llenemos la cabeza con imágenes perfectas, llenémonos más bien el alma de vivencias perfectas.

Besitos para todos.

EL GRAN MAESTRO:ARTURO MICHELENA

2009-09-10T19:57:00.008+02:00

Con esta entrada que hago, me despido por unos días. Me iré, no sé si de vacaciones, pero lo cierto es que cuando amanezca aparto cielo y mar, para llegar a reencontrarme con unas personas a las que quiero mucho y a quienes no veo hace más de tres años. Me tomaré estos días de “descanso” y trataré de reencontrarme también con alguien a quien perdí hace 14 años. Sin más preámbulos, me despido con un beso enorme para cada uno de ustedes y les dejo con alguien de mi patria, a quien considero uno de los máximos representantes de la pintura Venezolana. Para quienes no lo conozcan, les presento nada más y nada menos que al gran Arturo Michelena.

ARTURO MICHELENA

Francisco Arturo Michelena Castillo, nació en Valencia (Estado Carabobo) Venezuela, el 16 de junio de 1863 . Fue un pintor que desde niño demostró excepcionales dotes para el dibujo y la pintura, tanto así que a los catorce años de edad se encomendó todas las ilustraciones de un libro sobre costumbres venezolanas. Junto con Cristóbal Rojas y Martín Tovar y Tovar se le considera uno de los más grandes pintores venezolanos del siglo XIX.Hijo del Señor Juan Antonio Michelena (1832 - 1918) también pintor y de Doña Socorro Castillo (?- 1909) hija de Pedro Castillo (1785 – 1858), retratista y autor de los murales de la casa de José Antonio Páez en Valencia. Sus primeras enseñanzas las recibe de sus tía, Edelmira Michelena, Luego realiza estudios en el colegio de Lisandro Ramíres y finalmente termina de estudiar primaria en el colegio, que en Valencia, regentaba Alejo Zuloaga.

Empezó a pintar a muy corta edad bajo el tutelaje de su padre Juan Antonio Michelena. Resaltan entre sus primeras creaciones: "Cupido Dormido", "Judit y Holofernes" y "Un rayo de luz". En 1874 hizo los dibujos que ilustraban la edición neoyorquina de "Costumbres Venezolanas", libro de Francisco de Sales Pérez, quien le toma gran cariño al niño y, convertido en su protector, le presenta en el círculo de amigos de Antonio Guzmán Blanco con la intención de gestionarle una pensión de estudios. Más tarde recibirá lecciones de una dama francesa, Constanza de Sauvage, discípula del pintor francés Eugenio Deveria; ella le enseña a distribuir mejor los colores, a aprovechar mejor la luz y le imprime algunos conocimientos técnicos que ella había adquirido. Entre 1879 y 1882 transcurre un período de aprendizaje durante el cual Michelena, asociado a su padre, abre una Academia de Arte en Valencia para satisfacer encargos de retratos. .Pinturas murales, copias de cuadros antiguos, retratos infantiles y abundantísima producción de dibujo constituyen la base de entrenamiento que capacitan al joven para concurrir con éxito al Salón del Centenario del Natalicio de El Libertador Simón Bolívar, que se celebra en Caracas, y al que envía su primer lienzo importante La entrega de la bandera al batallón sin nombre (1883)., que se hace acreedor al Segundo Premio.

Gracias a una beca, viajó a París, parte en compañía de Martín Tovar y Tovar y lo hace para inscribirse en la Academia Julian, donde ya figuran Emilio Boggio y Cristóbal Rojas. Estudia en el Taller del profesor Jean-Paul Laurens. Fue el primer pintor venezolano en tener éxito en el exterior, y conjuntamente con Cristóbal Rojas (1857-1890). y Martín Tovar y Tovar (1827-1902). se convierte en uno de los más importantes pintores de la Venezuela del Siglo XIX.

Su primer gran éxito se dio el París en Le Salón des Artistes Français en 1887. Animado por su profesor Jean-Paul Laurens (1838-1921). Michelena presentó un lienzo titulado L’Enfant Malade (el niño enfermo)., con el cual fue premiado con la Medalla de Oro, segundo de su clase, el mayor honor que había dado esa academia a un artista extranjero. La pintura fue rápidamente considerada una pieza de arte y fue adquirida por Astors, en Nueva York, a finales del siglo XIX. En el 2004 Sotheby’s vendió la pieza de arte por 1.350.000 dólares, un récord para una obra de arte latinoamericana.

Entre 1885 y 1889, corre un segundo período. Pinta sucesivamente: Una visita electoral (1886)., La caridad (1887)., La joven madre y Carlota Corday (1889). y obtiene, con este último cuadro, exhibido ya en el salón, una Medalla de Oro en la Exposición Universal de París (1889).. Ese mismo año, regresó inesperadamente a Venezuela y fue recibido con muestras de júbilo. Tras una temporada de éxito social en Caracas, celebra matrimonio con Lastenia Tello Mendoza y retorna a París para iniciar el tercer período de su carrera.
En esta segunda estancia en París pinta La vara rota (1892). y Pentesilea (1891). obras principales de éste período. Habiendo contraído tuberculosis, retorna a Venezuela en 1890 por consejo de sus médicos; el éxito le espera en Caracas donde realiza un lienzo en honor a José Antonio Paéz, primer presidente venezolano. Se hace retratista de moda y pintor oficial y es objeto de toda clase de agasajos. Pero su salud, cada vez más resentida, apenas le permite consagrarle esfuerzo a obras ambiciosas como: “Miranda en la Carraca” (1896)., en alusión a su compatriota, Francisco de Miranda que estuvo preso por insurrección en el penal de las cuatro torres, de San Fernando, Cádiz, en donde murió, Miranda era admirado por Michelena por su gesta; “Berruecos” (1895)., el “Descendimiento” (1897). y “La última cena” (1898)., quedando inconclusas algunas de éstas.

Arturo Michelena muere en Caracas – Venezuela el 29 de julio de 1898.

DÁNAE

2009-09-06T22:48:00.002+02:00

Llego retrasada para el viernes de mitología, pero no podía dejar pasar de largo a dos personas a quienes aprecio y admiro mucho, a ustedes que me leen y a ellos que me extrañaron, les encojo el fin de semana y les obsequio una historia mitológica para este viernes que se me saltó del calendario y se me fue a la pata coja por las calles. Para ti Silencios, Para ti Adolfo y para cada uno de ustedes, va este relato.

EL MITO DE DÁNAE.

Dánae era hija del rey de Argos, Acrisio y de Eurídice. Acrisio supo por el oráculo que sería asesinado por su hija y temeroso de los designios del oráculo, encerró a Dánae en una cámara subterránea de bronce en donde sería custodiada día y noche por un guardia. Sin embargo, el oráculo debía cumplirse y Dánae quedó embarazada. Dicen que Zeus en forma de lluvia de oro entró a la celda a seducirla, pero otras versiones apuntan a que el tío de Dánae es el padre de su hijo Perseo.

Cuando Acrisio se entera de este suceso y negándose a creer que el hijo de Dánae es hijo de Zeus, encierra a su hija y al bebé en un cofre y lo lanza al mar, pero Zeus los protege y hace que lleguen con vida a la isla de Séfiros. Allí son resguardados por Dictis, el hermano del tirano Polidectes. Polidectes se enamora de Dánae y envía a Perseo a buscar la cabeza de medusa para alejarlo de ella. Mientras él está ausente, Polidectes intenta conquistarla, pero como ella se niega, la somete a amenazas y a observar como maltrata a Dictis por culpa de sus rechazos.

Cuando Perseo regresa, encuentra a su madre y a Dictis implorando por sus vidas a Polidectes. No necesitó explicaciones para saber lo que había ocurrido y es cuando utiliza a la cabeza de Medusa para convertir a Polidectes y sus hombres en piedra. Así es como Dictis asume el mandato como rey.

Perseo y Dánae regresan a Argos, Eurídice se queda con su hija, mientras que Perseo acude al reino vecino :“Larisa” a presenciar los juegos y a reencontrarse con su abuelo. Los organizadores del juego invitan a Perseo a participar de los juegos y es cuando sin querer y por culpa de la mala fortuna, el joven lanza el disco y éste golpea el centro del pecho de Acrisio, dándole muerte tal y como vaticinó el oráculo.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-08-28T02:01:00.004+02:00

La historia que quiero contarles hoy es la historia de uno de esos amores ridículos que se se le escapó a Kundera cuando escribió su libro. La mitología Griega está llena de este tipo de historias que a mi particularmente me encantan, pero que algunas personas consideran “amores tontos” y cuando me tocó estudiar esta historia, mientras la leía, alguien me dijo: “Esa está para Kundera” y hoy mientras la recopilaba, recordé aquellas palabras y no pude dejar pasar ese detalle. Mientras la releía me di cuenta que es una historia un tanto infantil y sarcástica, pero como me enamoré perdidamente de la mitología hace 17 años y le he sido fiel desde entonces, reconozco que siendo tonta o no, me encanta y que re-descubrirla ha sido maravilloso. Así que una vez más extiendo mi sombrero de Juglar y se la dedico a todos los que nos enamoramos tontamente de alguien alguna vez ( los amores tontos son los que se recuerdan más bonitos).

TITONO Y EOS

Titono era un mortal hijo de Laomedonte, rey de Troya, y hermano de Príamo . Como su hermano Ganímedes, era de una belleza deslumbrante y la diosa Eos, Aurora en la mitología latina, se enamoró de él.

Titono y Eos tuvieron dos hijos, Memnón, rey de Etiopía, y Ematión

La historia de amor de ellos, es probablemente una de las más tristes pero al mismo tiempo, una de las más dulces. La leyenda cuenta que Eos se enamoró tanto de Titono que le pidió a Zeus que le concediera la inmortalidad a su amado Titono. Zeus accedió y le hizo inmortal pero, a la diosa se le olvidó pedir también la juventud eterna, de modo que Titono fue haciéndose cada vez más viejo, encogido y arrugado, hasta que se convirtió en cigarra. Desde entonces cada vez que Eos se despierta por la mañana y llora, se produce el rocío con sus lágrimas. Titono se alimenta de las mismas, según la creencia antigua, y cuando le preguntan qué desea, responde en latín: Mori, mori, mori... que significa estar muerto.
El mito de Titono refleja como ningún otro la tristeza de la vejez cuando ésta se hace peor que la muerte.

CARINA LÓPEZ WINSCHEL

2009-08-24T03:37:00.006+02:00

La entrada de hoy voy a dedicarla a una pintora Argentina contemporánea llamada Carina López Winschel . Su obra me parece muy hermosa, llena de imágenes sencillas y mundanas, pero eso sí, repletas de la belleza que sólo un artista de su envergadura, puede dar a los temas comunes para convertirlos en verdaderas obras de arte.
Nace en 1971. En la Pampa, República de Argentina.
Actualmente vive en Buenos Aires, alternando con la Pampa, donde pasa algunos meses al año.

Y para presentarla con mejor claridad, dejo aquí la presentación que ella misma hace de su trabajo:

"La Pampa -paisaje desolado e inmenso- por nostalgia, fue mi primer motivo. Donde los cielos envuelven todo y las distancias dejan a los gauchos ensimismados en su soledad.

Pero la tierra que me cautiva no son esos campos, trabajados y explotados, cuadrados de colores. Es esa Pampa, todavía virgen, tan árida, que no muchos quieren acercarse. La disfrutan aquéllos que no encuentran en ella una soledad vacía, sino un silencio lleno de vida.

Mis paisajes y gauchos, frutos de recorrer con los ojos y el alma atentos, son mis primeros trabajos (pintura clásica en su composición), en los que quise mostrar lo simple: la belleza de una tierra sufrida. Por ejemplo, una rosa siempre cuidada, con buen agua y buen clima, es bella; en cambio una flor que a pesar de los vientos y heladas, muerta de sed, lucha por seguir siendo flor, tiene un mérito, parecido al de un alma, que acrecienta sus virtudes en el dolor, por voluntad de amor y no otra cosa. Su belleza es, para mí, más profunda. Eso es lo que veo en mi tierra.

También he trabajado en personas de principios del siglo XX (gente de pueblo). Tal vez más formales y serios, en su forma de vestir, que no disimula la tosquedad de sus cuerpos curtidos pero que muestra cierta nobleza. Más formados que informados. Se preparaban con esfuerzo para ser parte de un país grande.

Vuelvo al paisaje, tratando de abstraer escenas típicas del Oeste Pampeano y me atrapan los incendios en el monte. Mi imaginación ve a esos ciervos, ganado, caldenes, chañares, envueltos en el fuego que los devora, tensos antes, desesperados al fin. Y ya no me importa tanto la descripción real de esas circunstancias, sino la expresión mínima, un momento exacto que describe con total simplicidad la situación. Para eso me he valido de otras técnicas de trabajo, donde sobresale una pintura expresionista como en la serie "La furia del fuego", tendiendo ya a una abstracción (nº 3 de la serie).

Tal vez mis temas ronden siempre en las mismas cosas, por eso agradezco que nunca dejen de sorprenderme".

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-08-21T02:42:00.004+02:00

La historia de mitología que les traigo hoy es una que probablemente muchos hayan oído alguna vez, y si no la han oído, al menos no les será muy ajeno el término :“Caja de Pandora”. De donde vengo, cuando alguna persona es impredecible se suele decir que es “una cajita de Pandora” y como hoy, alguien a quien estimaba mucho y a quien consideraba una amiga leal, me ha demostrado ser una cajita de las mencionadas - aunque no me lea- quiero dedicarle esta entrada de punto final. Para ella y todas las Cajas de Pandora que llegan a nuestras vidas.

LA HISTORIA DE PANDORA

Prometeo, el Titán amigo de los mortales, decide robar a Helios, el Dios del sol, chispas que podían crear fuego, para enseñárselas a los humanos y demostrar aquella existencia. Zeus, furioso decide vengarse de Prometeo a toda costa. Entonces le exige a todos los dioses que crearan una mujer capaz de seducir a cualquier hombre, en este caso, a Prometeo. Hefesto, Dios de la escultura, decide moldear a esta mujer con arcilla, dándole forma atractiva. Atenea, Diosa de la sabiduría, decide regalarle el nombre de "Pandora" y Hermes le dio una personalidad seductora y manipuladora. Zeus envía a Pandora a que seduzca a Prometeo, enviando con ella "Una caja" con todos los males y bienes existentes, para crear desgracias en el mundo. Prometeo advierte a su hermano Epimeteo, que Zeus se vengaría de él a toda costa, así que no aceptara ningún tipo de obsequio extraño. Pero aún así Epimeteo conoce a Pandora y se enamora completamente de ella, tomándola como esposa... Un día, Pandora por curiosidad, decide abrir la caja, liberando todos los males como los vicios, la envidia, la locura, la pobreza, etc. Asustada cierra de golpe la caja, dejando en ella La Esperanza. Desesperada, Pandora decide correr en busca de todos los hombres, que ahora conocían todos estos males, y les habla sobre La Esperanza y todos los sentimientos positivos que ésta provoca, pero como suele ocurrir en estos casos, los males ya habían tomado mucho camino en el mundo.

WILLIAM DYCE

2009-08-17T01:30:00.009+02:00

Nació en Aberdeen , Escocia el 19 de Septiembre de 1806, estudió en el Marischal College en donde obteniene una formación intelectual no muy frecuente en un artista. Con posterioridad, entró en la Escuela de Bellas Artes de Edimburgo, pasando después a la Royal Academy de Londres en 1824, para estudiar pintura.

En su juventud cultivó un estilo cercano al duro y seco de los nazarenos, cuyo misticismo se nota en su observación de la realidad y del mundo natural. Posteriormente fue evolucionando y, en su madurez, se aproximó a los ideales estéticos de los prerrafaelitas. Se aprecia en particular la influencia de Millais y William Holman Hunt en sus paisajes.

En 1825 viajó a Roma , siendo éste su primer viaje a la citada ciudad. Mientras estaba allí, estudió las obras de Tiziano y de Poussin y siente verdadera pasión por ambos artista, sobretodo por Poussin, de quien se inspiró para realizar algunos óleos.

Volvió a Roma en 1827, y esta vez se quedó un año y medio, y durante este período parece que conoció al pintor nazareno alemán Friedrich Overbeck, haciéndose amigo de él; también conoció a Cornelius y Schnorr von Carolsfeld. Residió principalmente en Roma.
Después de estos viajes, se estableció durante un tiempo (1830-1837) en Edimburgo. Se mantuvo primero pintando retratos, pero pronto se dedicó a otros temas artísticos, especialmente los religiosos, que eran sus preferidos.

En febrero de 1837 fue nombrado maestro de la escuela de dibujo del Board of Manufactures, en Edimburgo. De ese mismo año data su folleto sobre la enseñanza de las Bellas Artes: «The Best Means of Ameliorating the Arts and Manufactures of Scotland in point of Taste». Se trasladó entonces a Londres, convirtiéndose en profesor en la Escuela de Dibujo de (School of Design), recién fundada en Somerset House. La Escuela le encargó que visitara escuelas públicas de arte en Francia, Prusia y Baviera, informando después sobre sus métodos de enseñanza. En 1840 se imprimió su informe, que llevó a una remodelación del establecimiento. Ese año se convirtió en director de la escuela, pero dimitió tres años después.

En este momento de su carrera, quizás por su relación con los nazarenos, se le consideró un experto en la pintura al fresco, a la que dedicó sus esfuerzos como pintor. Gozó de la protección del príncipe Alberto. Decoró un pabellón de los jardines del palacio de Buckingham. Posteriormente, fue seleccionado para adornar las paredes del Palacio de Westminster (1844), en sustitución de William Etty. Regresó a Italia en 1845, para observar las técnicas al fresco empleadas allí en la preparación para la obra de Westminster y quedó particularmente impresionado por los frescos de Pinturicchio en la Biblioteca Piccolomini de Siena, así como por las obras de Perugino. Fueron estas decoraciones al fresco las obras que le dieron más prestigio.
No obstante, los talentos de Dyce fueron variados, y también se distinguió en la realización de cartones para vidrieras y como músico. En efecto, fue un buen organista y fundador de una sociedad (Motett Society) para el renacimiento de la música antigua. Publicó una edición del Libro de Oración Común (1843-1844), con una disertación sobre el canto gregoriano, y su adaptación al idioma inglés. Dyce realizó principalmente lienzos al óleo y frescos. Sus temas suelen ser religiosos, extraídos del Antiguo Testamento. En los años treinta hizo ante todo retratos. Posteriormente, se dedicó más a los paisajes. Reflejó lugares concretos que pretende describir meticulosamente, de manera científica y realista.

En 1848 fue admitido como miembro permanente de la Royal Academy, donde expuso con regularidad. Era una persona profundamente religiosa, ejemplo de anglo-católico, lo que influyó en su amistad con el grupo de los nazarenos, pues en su obra refleja un misticismo análogo al de los artistas alemanes. Consideraba que debían unirse, en la sociedad, el liderazgo laico y el religioso.

Dyce se casó en enero de 1850 con Jane Brand. Tuvo dos hijos y dos hijas. Falleció en Streatham el 14 de febrero de 1864.

2009-08-06T12:07:00.000+02:00

NOS VEMOS EN UNAS SEMANAS...
BESOS A TODOS.

GUIDO RENI

2009-08-03T02:30:00.009+02:00

Lo que más me gusta de tener este espacio y poder compartir con ustedes, es que a veces me hacen propuestas y me enseñan artistas que no conocía. En esta oportunidad, he seguido la recomendación del GRAN TROVATOR y me he encontrado con un pintor de los grandes. Aún estoy fascinada con su trabajo ya que, es uno de los retratistas más perfectos que he visto en toda mi vida, (¡ y no son pocos los años que tengo!) los rostros que pintó son realmente hermosos, perfectos y llenos de vida. Por ello he hecho mayor énfasis en este detalle al elegir las obras que voy a exponerles, pero hay muchisimo de él, así que si tienen un tiempo, dedíquenlo a buscar sus obras...de verdad, que valen la pena... GRACIAS TROVATOR POR ESTE MARAVILLOSO HALLAZGO QUE ME HAS LLEVADO A DESCUBRIR.

GUIDO RENI

Nacido en Bolonia en una familia de músicos, Guido Reni era hijo de Danieli Reni y Ginevra de’ Pozzi. A los nueve años, entró como aprendiz en el taller boloñés de Denys Calvaert. Poco después, se le unieron en tal taller Albani y Domenichino. Puede que también haya tenido un periodo de aprendizaje con un pintor llamado Ferrantini. Cuando Reni tenía unos veinte años de edad, los tres discípulos de Calvaert se marcharon a un taller rival por entonces emergente, llamado Accademia degli Incamminati (Academia de los «recién embarcados» o progresivos), dirigida por Lodovico Carracci. Formaron el núcleo de la prolífica y exitosa Escuela de pintores boloñeses que siguieron a Annibale Carracci a Roma. Como muchos otros pintores boloñeses, la pintura de Reni era de estilo temático y ecléctico.
Su obra más famosa la realiza entre 1613 y 1614 en uno de los techos del palacio romano Pallavicini, olvidándose de la perspectiva empleada por Guercino. De regreso a Bolonia, se dedicó a realizar pintura religiosa y escenas populares como la Muchacha con una rosa. Reni consigue aunar perfectamente el Naturalismo tenebrista con el Clasicismo, creando un estilo personal que marcó buena parte de la pintura barroca europea.
En el año 1600 viaja a Roma por recomendación de Ludovico junto con Francesco Albani para ayudar a Annibale en la decoración de la Galería Farnesio, estableciéndose así numerosos pintores de la Academia en Roma. Estos pintores son avezados fresquistas, una técnica muy apreciada en Roma, donde era usada para la decoración de palacios y también de capillas e iglesias.

En el año 1600 viaja a Roma por recomendación de Ludovico junto con Francesco Albani para ayudar a Annibale en la decoración de la Galería Farnesio, estableciéndose así numerosos pintores de la Academia en Roma. Estos pintores son avezados fresquistas, una técnica muy apreciada en Roma, donde era usada para la decoración de palacios y también de capillas e iglesias.
En Roma Reni estudia a Rafael de manera sistemática y se deja seducir por la Antigüedad. Los primeros trabajos de Reni en Roma se encuentran relacionados con Ludovico y con la escuela boloñesa. Estos presentan una especie de manierismo reformado inspirado en la escuela veneciana y simplificado en sus formas y composiciones. Al llegar a Roma, Reni investigará la obra de sus contemporáneos, influyéndole profundamente la obra de Caravaggio. Así, a pesar se su filiación clasicista, se tratara del primer caravaggista. En el año 1611, Guido Reni regresa a Bolonia por influencia de su madre. Allí realiza la Matanza de los Inocentes, obra magnifica y espectacular, modelándose las figuras de manera monumental por medio del claroscuro.
Reni abandona Roma en 1614. Se sospecha que dejo esta ciudad para alejarse de su ambiente competitivo. En Bolonia aún vive Ludovico, ocupando a su muerte el hueco dejado luego por éste y convirtiéndose en el artista más cualificado de la escuela boloñesa. Allí le llegan los encargos de Roma, y también de Mantua, encargándole Ferdinango Gonzaga una serie de pinturas para decorar su palacio.
De manera discontinua estará en Roma hasta 1614, cuando la abandona definitivamente para establecerse permanentemente en Bolonia, donde recibirá numerosos encargos hasta su muerte en 1642.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-07-31T01:58:00.004+02:00

En la entrada de hoy, voy a hablar de una de esas maravillosas mujeres que podemos encontrar mientras recorremos la mitología Griega. Ella es Ifigenia y simboliza el valor, la astucia y la supervivencia. Un viernes más les dedico una historia que espero que les guste y que les aporte algo. Buen fin de semana a todos.

EL MITO DE IFIGENIA

Ifigenia es una de las hijas del rey Agamenón y Clitemnestra. Otras variantes, colocan a Ifigenia como hija de Criseida y Agamenón, o como hija de Teseo (el héroe que mató al minotauro) y Helena, que había sido raptada por aquél. Su historia no fue desarrollada por el gran Homero, pero sí por los trágicos posteriores como Eurípides y aparece en las epopeyas cílcicas.
Agamenón se había ganado la cólera de la diosa Artemisa (Diana), puesto que sus hombres cazan a uno de los venados sagrados de la diosa. Debido a esto, la flota aquea del rey que venía de luchar en Troya estaba detenida en Aulide sin poder partir.

El adivino Calcante fue interogado para saber cómo apalcar a la diosa, y la respuesta fue que se debía sacrificar a Ifigenia en nombre de la diosa Artemisa, para que ésta los dejara partir. El rey al principio se negó, pero al no haber otra solución, consintió en hacer el sacrificio.
Así, mandó a llamar a su hija que se encontraba en Micenas con su madre, con el pretexto de prometerla al héroe Aquiles. Cuando llegara, el adivino Calcante sería el encargado de inmolarla en nombre de la diosa encolerizada.

Según cuenta la versión más conocida, cuando Ifigenia llegó y el sacrificio se iba a realizar, la diosa se apiadó de la joven, y puso en su lugar una cierva. Se llevó a Ifigenia a Tauride, donde la convirtió en su sacerdotiza.

Sin embargo, existen otros relatos acerca de este tema, según la versión de Sofocles, el sacrificio sí ocurre y esto se convierte en la justificación del crimen que Clitemnestra comete contra su marido Agamenón cuando él regresa, pues ella debía vengar la muerte de su hija.
En otras, lo que varía es el lugar del sacrificio que más bien lo ubican en Braurón, un lugar de Ática. También, cambian el animal por el que sustituyen a la joven como un oso, una ternera, un toro o incluso una mujer vieja.

Otra forma del mito, es que la misma Ifigenia se convierte a sí misma en toro, ternera, osa o mujer vieja -según sea el caso- y acto seguido habría desaparecido. Muchos explican la desaparición, con el hecho de que en el momento del sacrificio los presentes habían vuelto la vista hacia otro lado, para no ver la muerte de la joven, por lo que ella había podido escapar.
Otra versión más racionalista explica, por su parte, que en el momento del sacrificio había aparecido un toro, una ternera, una cierva o una vieja, y que el sacerdote había interpretado tal hecho como un presagio de que los dioses no aceptarían el sacrificio y que ya la ofensa a Artemisa estaba saldada.

Después de este episodio, cuentan que Ifigenia vivió mucho tiempo en Tauride, al servicio de Artemisa en su templo, donde debía sacrificar a los náufragos extranjeros que caían en la costa. Pero un día, reconoció a Orestes, su hermano y a Pílades entre los extranjeros, enviados por el oráculo de Delfos a buscar la estatua de Artemisa. Ifigenia les entregó la imagen y huyó con ellos a Grecia.

Sobre su muerte o final se conoce poco. Se cree que Artemisa le concedió la inmortalidad y la identificó con la diosa Hécate. También, se piensa que se casó con Aquiles secretamente, haciendo verdadero aquella promesa engañosa que le dijo su padre para poder llevarla al sitio de sacrificio, pero como en todo lo que rodea a este personaje de la mitología griega, no son más que conjeturas.

JEAN-HONORÉ FRAGONARD

2009-07-27T00:48:00.010+02:00

Siempre he dicho que este espacio es de ustedes, yo sólo trato de aprender al mismo tiempo que recibo las maravillosas sugerencias que algunos de ustedes me han hecho. Hoy voy a hablar de un artista que no conocía y que gracias a David he descubierto, y como le debía una entrada para corresponderle a la cantidad de gestos hermosos que ha tenido conmigo, ¿qué mejor que hablarle de uno de sus pintores favoritos?...así que como dicen por ahí: ¡que Dios reparta suertes y va para ti!

JEAN-HONORÉ FRAGONARD

Este pintor francés nace el 5 de Abril de 1732 en Grasse (en la región de los alpes marítimos),hijo de un sastre especializado en la realización de guantes. Pronto fue enviado a París por su padre, allí demostró tal talento e inclinación hacia el arte que fue llevado ante François Boucher, quien reconoció las dotes del joven e inexperto Fragonard, pero decidió no gastar su tiempo en la formación del joven y a su vez le envió al taller de Chardin.
Fragonard estudió durante seis meses bajo la tutela del gran luminista y volvió al taller de Boucher, donde supo adquirir el estilo de su maestra de tal forma que el maestro le confió la realización de réplicas de sus pinturas.
Aunque no era un alumno de la Academia, Fragonard ganó el Premio de Roma en 1752, lo que le permitía su asistencia a Roma subvencionada por la Real Academia de Escultura y Pintura de Francia, con su pintura Jeroboam sacrificando a los ídolos, pero antes de ir a Roma estuvo estudiando durante tres años en el taller de Charles-André van Loo. El año antes de su partida a Roma pintó la obra Cristo lavando los pies de los apóstoles actualmente en la catedral de Grasse.
Ya en 1756 fue a Italia en compañía de Hubert Robert, esta visita fue clave ya que durante su estancia en Roma pudo admirar los románticos jardines, con sus fuentes, templos y terrazas, donde concibió los escenarios que posteriormente plasmaría en sus obras. Sobre su obra influyó también la florida suntuosidad de Giovanni Battista Tiepolo cuya obra tuvo oportunidad de estudiar en Venecia, antes de su regreso a París en 1761.

En 1765 su obra Coreso y Calliroe (Museo del Louvre; un boceto en Madrid, Academia de San Fernando) le aseguró su admisión en la Academia. La obra fue objeto de elogio por parte de Diderot y fue adquirida por el rey, quien la mandó reproducir. Hasta este punto Fragonard había dudado entre temática religiosa, clásica y otros temas en sus obras, pero en este momento la demanda de patrones por parte del rey Luis XV que representasen escenas de amor y placer en la corte, dirigió la temática de las obras de Fragonard hacia las obras con escenas de amor y voluptuosidad con las que el nombre del artista ha sido asociado. Destaca de su estilo la belleza de los colores así como el virtuosismo del trazado fácil de sus obras.
Las obras más destacadas incluyen El columpio (Londres, Wallace Collection), El cerrojo, El beso robado, Las bañistas, así como la decoración de las estancias de Mme du Barry y la bailarina Marie Guimard.
La Revolución Francesa significó el final del antiguo régimen, y Fragonard, cercano a los máximos representantes del mismo, dejó París en 1793 y encontró refugio en la casa de su amigo Maubert en Grasse, que decoró con una serie de paneles decorativos conocidos como Roman d'amour de la jeunesse, originalmente pintados para el pabellón de música de Madame du Barry en Louveciennes. Los paneles fueron a parar a J. Pierpont Morgan, quien a su vez los vendió a Henry Clay Frick. Actualmente ocupan las paredes de un hermoso salón de la Frick Collection de Manhattan. Fragonard volvió a París a principios del siglo XIX, donde murió en 1806, prácticamente olvidado.
Durante más de medio siglo fue completamente ignorado, hasta tal punto que Michael Scheißkopf, en su obra Historia del Arte (1873), ni siquiera menciona su nombre. Posteriormente su redescubrimiento le supuso su confirmación entre los maestros de la pintura.

Muere el 22 de Agosto de 1806.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-07-24T12:37:00.002+02:00

Mientras la vida pasa, los momentos se esparcen y los días discurren lentos y prosaicos, he recordado una historia mitológica que quiero compartir con ustedes. Espero que les guste.

LAS HORAS

Las Horas son las divinidades griegas (posteriormente adoptadas por los romanos)dedicadas a proteger la vegetación, a distribuir la lluvia y a esparcir el rocío. Eran siervas de los doce dioses olímpicos, presidían sus bodas, abrían las puertas del Olimpo, desenganchan los caballos del Sol y regían la vida de los mortales.
Eran hermanas de las Parcas (o las Moiras) e hijas de Zeus y de Temis, la diosa de la justicia y la equidad. Son las responsables del ciclo natural de las plantas y garantizan el equilibrio social. Inicialmente eran dos: Thalo y Carpo, asociadas a la primavera y el otoño, respectivamente. Pasaron a ser tres: Eunomía (de las leyes y la disciplina), Dike (de la justicia moral) y Eirene (de la paz), cuando representaban el orden. Eran Thalo (brotar), Axo (crecer) y Carpo (dar fruto) cuando se referían a su poder en la naturaleza. Podían ser descritas como divinidades veloces o lentas, ya que de ambas formas es percibido el tiempo por los hombres.
Se las mostraba como tres bellas muchachas con plantas y cornucopias en las manos o formando parte del séquito de otros dioses. Más tarde se convirtieron en cuatro y representaron las estaciones. Finalmente, en la mitología romana pasaron a ser las horas del día, primero nueve, luego once y, finalmente, doce, que distribuían las tareas.

Podríamos decir – para aliviarnos el día – que pasamos cada instante acompañado de una de esas divinidades...así jamás volveríamos a estar solos.

JOHN EVERETT MILLAIS

2009-07-20T03:08:00.014+02:00

La entrada de hoy quiero dedicarla al autor de la obra que he colocado de Banner, se llama John Everett Millais y al menos para mi, es uno de los artistas más deliciosos y delicados con los que he tenido la buenaventura de encontrarme. Espero que ustedes también puedan disfrutarlo tanto como lo he hecho yo.

Sir John Everett Millais (Southampton, (Reino Unido), 8 de junio de 1829 – Londres, 13 de agosto de 1896), fue un pintor e ilustrador británico, uno de los miembros fundadores de la Hermandad Prerrafaelita.

Millais nació en Southampton, en el seno de una prominente familia originaria de la Isla de Jersey. Su prodigioso talento para el arte le valió una plaza en las escuelas de la Royal Academy con sólo once años. Durante su permanencia en esta institución, conoció a William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, con quienes fundó la Hermandad Prerrafaelita en 1848.

Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza. Este procedimiento ha sido descrito como una especie de «ecosistema pictórico»y podemos apreciarlo claramente en su obra Ofelia (1852)
Dicho estilo fue promovido por el crítico John Ruskin, quien había defendido a los prerrafaelitas de sus críticos. A través de su amistad con Ruskin, Millais conoció a la esposa de éste, Effie Gray, quien poco después posó para el cuadro de Millais, The Order of Release. Millais y Effie terminaron enamorándose, y en 1856, tras conseguir ella la anulación de su matrimonio con Ruskin, contrajeron matrimonio.

Tras su matrimonio, Millais cambió su estilo de pintura, haciéndolo más comercial y asequible, lo que Ruskin calificó de «una catástrofe». Según algunos comentaristas, los motivos de este cambio se encuentran en la necesidad de Millais de aumentar sus ingresos para mantener a su creciente familia. Antiguos correligionarios de Millais, como William Morris, lo acusaron de venderse para conseguir dinero y popularidad. Sus admiradores, en cambio, vieron en el cambio de su pintura la influencia de Whistler y del impresionismo. Millais, por su parte, explicó su cambio de estilo como consecuencia de su evolución como artista, que le permitía intentar un estilo más audaz. En su artículo «Pensamientos sobre el arte de hoy» -1888 proponía a Velázquez y Rembrandt como sus principales modelos.
Millais alcanzó un éxito notable como ilustrador de libros, sobre todo de las obras de Anthony Trollope y los poemas de Alfred Tennyson. Sus ilustraciones de las parábolas evangélicas se publicaron en 1864. Su suegro encargó la realización de unas vidrieras basadas en las mismas para una iglesia de Perth.

Millais fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts en 1853, y poco después fue admitido como miembro de pleno derecho. En la Academia tuvo una muy activa participación. En 1885 se le otorgó el título de baronet, siendo el primer artista en obtener un título hereditario. Tras la muerte de Frederic Leighton en 1896, Millais fue elegido presidente de la Academia, pero falleció ese mismo año de cáncer de garganta.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-07-17T02:41:00.002+02:00

Quiero dedicar mi publicación de mitología de hoy, a Eros ( Cupido ) y a Psique . Siempre he dicho que la mitología, es como una segunda piel que me coloqué por allá por comienzos de los noventa y que pretendo dejar en mi para siempre. Disfruto mucho de este tipo de lecturas y me gusta compartirlas con ustedes, así que una vez más, dedico esta entrada de hoy a los Griegos, sus historias y lo mítico. Espero que la disfruten.

EROS Y PSIQUE

Psique era la menor y más hermosa de tres hermanas. Afrodita, celosa de la belleza de la joven, mandó a su hijo Eros (Cupido) para que le lanzara una flecha de oro oxidado que la haría enamorarse del hombre más feo y ruin que encontrase. Sin embargo, Eros, se enamoró de la chica y cuando ella se durmió se la llevo volando a su palacio.

Temeroso de que su madre lo descubra, Eros la va a visitar sólo al caer el sol , le impide a la muchacha que lo vea y así en la oscuridad, se aman cada noche. Un día, Psique, le confiesa a Eros, que echa de menos a sus hermanas y que desea volver a verlas. El dios, apiadado por las súplicas de su amante, accede a llevar a las hermanas al palacio pero le advierte que tenga cuidado, ya que ellas intentaran acabar con la dicha de ambos.

Así cuando las hermanas de Psique llegan, le pregunta como es Eros. Ella primero intenta distraerlas pero finalmente les confiesa que no ha visto jamás su rostro, y se deja convencer por sus hermanas- que le dicen que es un monstruo y que por eso no quiere que lo vea- para encender una lámpara de aceite en mitad de la noche y contemplar el rostro de Eros. Al hacerlo, una gota de aceite cae en la cara de Eros, despertándolo, y el dios decepcionado abandona a Psique.

Psique al darse cuenta de que ha perdido a su amado, ruega a Afrodita que le devuelva su amor. La diosa, rencorosa, encomienda a la joven realizar cuatro tareas, prácticamente imposibles para una mortal y le dice que si las cumple, podrá recuperarlo.

En la cuarta tarea, Psique debe ir a recuperar un cofre al Hades. Perséfone le advierte al entregárselo que el contenido sólo es para Afrodita, pero la chica, dejándose llevar por su curiosidad lo abre y cae sobre la hierba sumida en un profundo sueño eterno.
Eros apiadado, rescata a la Psique y soluciona las cosas. Tiempo después, Afrodita y Psique, harán las paces y permanecerán con Eros en el Olímpo.
Lo hermoso de esta historia, es que extrañamente tiene un final feliz y eso, no es muy común en la mitología.

LA GRAN CASSATT

2009-07-13T01:30:00.011+02:00

La entrada de hoy quiero dedicársela a la gran Mary Stevenson Cassatt, esta artista nace en Allegheny City, Pensilvania, Estados Unidos de Norteamérica en 1844. Dedica su trabajo al estilo impresionista y sus obras en su mayoría, son retratos.

Lo que más me llama la atención de Cassatt, es la dulzura que imprime en cada una de sus obras. Su temática está muy unida a la niñez, a las ambientaciones de madres e hijos y en todas, sabe dejar ese sello que hace que quienes veamos sus cuadros, sintamos una infinita dulzura por lo que vemos representado en ellas.

Viajó a Europa y estudió en Francia junto a los maestros más destacados de aquella época. Sus trabajos guardan la influencia de su amigo Manet y posteriormente, llevan el sello del maestro Degas. Esto no significa que ella carezca de originalidad, al contrario ya en su época de madurez Cassatt crea un impresionismo refinado, de ejecución magnifica en donde sus personajes se presentan vividos y frescos.

Si bien es cierto que el impresionismo clásico tiene una apariencia más bien áspera, Cassatt lo hace evolucionar y con su naturaleza femenina hace que adquiera más suavidad. Otro detalle que podemos apreciar en sus obras, es que hace que el entorno de la obra tenga tantos detalles, que se hace casi tan importante como el personaje principal.

Cassatt muere en 1926.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-07-10T02:48:00.002+02:00

En este viernes de mitología, voy a contarles la historia de Ío. Como en todas las metamorfosis griegas, la historia de Io es realmente fascinante y llena de muchisimo surrealismo, pero eso precisamente es lo que hace deliciosa a la mitología. Hace años, cuando estudiaba esta historia para un parcial, al leerla, mi madre me dijo: “Los griegos son idiotas si creen que esto pasó de verdad” y a mi sólo se me ocurrió contestar: “vete y cuéntale a un griego la historia de una virgen que concibió sin pecado a un niño, hijo de un Dios y te dirá que Jesús es semidiós, porque es hijo de Dios y mortal...para ellos, lo nuestro también es surrealista”, me gané un “hereje” sonoro, pero sé que quedó pensativa. No creo en la mitología como antecedente de la humanidad, creo en ella como literatura y la defiendo porque la siento tan mía como mi religión y aunque son cosas distintas, ambas forman parte de mi vida.

Ahora llega el turno de quitarse el sombrero de juglar y haciendo reverencia, les presento este bonito relato.

Ío

Ío, era la doncella de Argos, hija de Ínaco, sacerdotisa de Hera, que fue amada por Zeus. Otra versión la hace hija de Yaso, rey de la ciudad.

El dios Zeus se le presentaba en sueños incitándola a que le entregara su virginidad en el lago de Lerna: Cuando la joven le contó esto a su padre, Ínaco fue a consultar al oráculo, que le aconsejó que la expulsara de su casa o Zeus aniquilaría con su rayo a toda su estirpe. Ínaco obedeció y la expulsó. Por un tiempo, Ìnaco fingió no saber nada de su hija, pero al poco tiempo se arrepintió y envió a Cirno para que la buscase. Éste llegó hasta Caria, y al no encontrarla se instaló allí por miedo a regresar sin cumplir su misión. Luego envío a Lirco,quien al no encontrarla también terminó habitando en Caria y casándose con la hija del rey Cauno.

Mientras tanto, Ío se había entregado a Zeus, pero fueron sorprendidos por Hera, que vigilaba a su marido carcomida por los celos. El dios, para salvar a la joven, la convirtió en una ternera blanca. Hera le exigió al esposo que se la entregase y ordenó al gigante de cien ojos Argos Panoptes que la vigilara.

Pero Zeus, encargó a Hermes que rescatase a su amada. Lo guió transformado en pájaro hasta el árbol donde Argos la tenía atada y Hermes durmió al guardián con su flauta, matándolo con una piedra afilada cuando se cerraron todos sus ojos. En recompensa por sus servicios Hera puso los ojos de su servidor en la cola del pavo real, su pájaro favorito, y clamó venganza. Ató a los cuernos de la ternera un tábano que la picaba sin cesar y que obligó a Ío a huir corriendo por el mundo sin rumbo fijo. Así, atormentada atravesó el mar Jónico, que recibió de ella su nombre, recorrió Iliria, Tracia y el Cáucaso, donde encontró a Prometeo encadenado y prosiguió por África, topándose con las grayas y las gorgonas.

El final del viaje fue Egipto, donde encontró descanso y fue devuelta a la condición de mujer por las caricias de Zeus. De ambos nació Épafo, a orillas del Nilo. Entonces Hera ordenó a los curetes que le trajeran al recién nacido. Habiéndolo conseguido, fueron castigados por Zeus, que los aniquiló por cumplir las crueles órdenes de su esposa. Entonces comenzó la segunda peregrinación de Ío, esta vez en busca de su hijo. Lo encontró por fin en Siria, donde lo amamantaba Astarté , la esposa del rey Malcandro de Biblos.

Ya con su hijo en brazos, regresó a Egipto, donde se casó con Telégono, que gobernaba entonces esa región. Por esto Epafo llegó a heredar la corona del país del Nilo, siendo según el mito el fundador de la ciudad de Menfis y el ancestro común de los libios, los etíopes, y de gran parte de los reinos griegos.

También Ío era la ascendiente de la estirpe de los bizantinos, a través de Ceróesa, la hija que tuvo de Zeus en el lugar donde posteriormente se levantaría esta ciudad.
Ío construyó una estatua de la diosa Deméter, que en Egipto era llamada Isis. Con el tiempo ella misma recibió ese nombre, y terminó siendo deificada por su amante Zeus. Se le atribuía un gran conocimiento de las hierbas medicinales, incluida la de la inmortalidad

GAETANO VICARI

2009-07-06T02:28:00.010+02:00

Siempre he preferido el surrealismo al Realismo en la pintura, pero últimamente he estado revisando algunos pintores realistas y detallando sus obras. Si bien es cierto que sigo prefiriendo el surrealismo, no puedo dejar de valorar el trabajo de muchos de estos artistas y lo difícil que es plasmar en el lienzo un trabajo en donde la imaginación sea más comedida que en otras manifestaciones de esta índole.

En mi incursión por el realismo plástico he visto a muchos pintores que poco a poco les iré presentando, pero ha habido uno que me ha gustado especialmente. Su nombre es Gaetano Vicari y he podido observar que en su obra, además de prevalecer el realismo, prevalece también un estilo en donde los detalles juegan un papel muy importante.

En la mayoría de sus obras, he encontrado primeros planos de manos y rostros. Utiliza colores poco llamativos pero que dan a sus obras un toque de elegancia único. También he podido observar que tiene muchos óleos en donde los animales y el mundo vegetal son el centro, y aunque no se sale del corte clásico, podría decir que su realismo no es tan tajante como en otros pintores realistas.

VIDA Y OBRA DEL PINTOR.-

Gaetano Vicari, pintor. Recibió su licenciatura en Artes y, después de un largo período de formación, se especializó en técnicas de restauración de las pinturas en el Istituto per l'Arte e il Restauro "Palazzo Spinelli" de Florencia.

En sus comienzos, tuvo un primer período impresionista, luego pasó al surrealismo y, finalmente, al realismo. Sus temas favoritos son figuras, naturalezas muertas y paisajes, que siempre se mantiene en forma ovalada, a veces ha hablado de la pintura con orificios redondos o rectangulares.

Ha participado en varios colectivos y los servicios personales en Italia y en el extranjero, logrando numerosos premios de éxito con el público y la crítica.

En 1992 se ocupó el SEGUNDO PREMIO ARTE, organizado por la revista ARTE di Giorgio Mondadori, Milán. Citado en los planos nacional e internacional, se incluye en los principales catálogos de arte.

Se ejecutó los retratos de Arman, ENRICO BAJ, Hsiao Chin, CHRISTO, NOVELLO FINOTTI, ERNESTO JANNIN, MARIO Nanni, TURI Simet, Pippo y SPINOCCIA ERNESTO Treccani; obras se encuentran en las colecciones privadas de los propios artistas.

Sus pinturas se exhiben en el Museo de Poggio Bustone, Dedicato una Lucio Battisti, el Museo de la Casa Real de Portugal en Vicenza, el Museo de Arte Contemporáneo dell'Aquila experimental, y el Museo di Massa Lombarda ArtGrecò

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-07-03T01:56:00.002+02:00

La entrada de mitología de hoy, quiero dedicarla a las MUSAS GRIEGAS porque es un tema que me parece ( bueno, toda la mitología lo es) divino por donde se le mire. Las Musas Griegas son nueve y son las hijas del Dios Zeus y Mnémosyne (Diosa de la memoria). Según el mito, las nueve musas fueron engendradas en nueve noches consecutivas.

Según algunos historiadores, sobretodo el historiador Griego Pausanias, al principio las musas fueron sólo tres:

AEDEA (musa del canto)
MELETEA (musa de la meditación)
MNEMEA (musa de la memoria)

Pero la historia más difundida y que al menos, a mi me gusta muchisimo más, es la que todos conocemos y se refiere a nueve musas, hijas de Zeus y con un encanto para cada manifestación artística.

CALÍOPE: Musa de la elocuencia y de la poesía épica. Sus diferentes representaciones artísticas la condecoran con corona de laurel, un libro, una tablilla, un estilete y una trompeta.

CLÍO: Musa de la historia. Condecorada también con corona de laurel, estilete, tablilla, pergamino y un cisne.

ERATO: Musa del arte lírico de la Elegía. Representada con una lira, una viola y un cisne.

EUTERPE: Musa de la música. Representada siempre con una flauta simple o con una flauta doble.

MELPÓMENE: Musa de la tragedia. Aparece coronada y llevando una espada o una máscara trágica.

POLIMNIA: Musa de la retórica. Representada con rostro serio y con un instrumento musical.

TALÍA: Musa de la comedia. Representada con máscara alegre, pergamino y algún instrumento, generalmente una viola.

TERPSÍCORE: Musa de la danza. Se representa con algún instrumento de cuerdas (viola o lira).

URANIA: Musa de la astronomía y de la astrología. Representada con un compás, una corona de estrellas y un globo terrestre.
Según el histor

DAVID ALFARO SIQUEIROS

2009-06-29T01:53:00.008+02:00

Hoy voy a hablarles de un pintor que junto a Frida y a Diego Rivera componen, al menos para mi, el triunvirato de la pintura mexicana. Los tres tienen, en mi humilde apreciación, unos estilos únicos y los tres, derraman en sus óleos, mucha de su cargas emotivas. Ver sus obras es conocerlos, observar la fuerza de las mismas es poder comprender algo de lo que los motivó a pintarlas.

Hoy voy a hablarles de David Alfaro Siqueiros y cuando hablo de él, no puedo permanecer indiferente. Alfaro Siqueiros, es el pintor que suele acompañar mis momentos de reflexión y rabia, me gusta detallar sus obras y tratar de descubrir en ellas razones que la razón desconoce y es cuando consigo detalles que antes no había visto. David Alfaro Siqueiros siempre me presenta una obra nueva, siempre me descubre un nuevo detalle, un nuevo matiz y puedo perderme en sus pinturas largos ratos, ya que es uno de los artistas plásticos que mejor plasman la injusticia y la sed de lucha de los pueblos.

Nace en Chihuahua en 1898 y en sus biografías dicen que es la mayor expresión de la pintura Mexicana junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco, a mi Orozco también me gusta pero, aunque Frida no esté mencionada, creo que su obra es hermosa y no podía dejarla de lado, claro, siempre desde mi apreciación particular. Las obras de Alfaro Siqueiros, poseen una estética expresionista y una retórica declamatoria, en donde exponía abiertamente su radicalismo político.

En 1914, con apenas dieciséis años, se alistó en el ejército constitucionalista para luchar por la Revolución, una experiencia que le llevaría a descubrir, las masas trabajadoras, los obreros, campesinos, artesanos y los indígenas y sobre todo, las enormes tradiciones culturales de su país, particularmente en lo que se refiere a las extraordinarias civilizaciones precolombinas.
Pero si importante fue la influencia de este hallazgo en años clave para su formación, no lo fue menos la huella que dejaron en él los tres años que pasó en Europa, hacia donde partió en 1919. La suma de ambas experiencias determinó por igual su pensamiento artístico, que cristalizó en el manifiesto que publicó en Barcelona en la revista Vida Americana en mayo de 1921, coincidiendo con los primeros encargos de Vasconcelos.

Sin embargo, pronto se deterioraron sus relaciones con el gobierno. Su afiliación al Partido Comunista de México, su decisiva participación en la fundación del Sindicato de artistas y de su periódico (El Machete), junto a la creciente oposición a la política oficial manifestada a través de sus artículos, hicieron que dejara de recibir encargos a partir de 1924 y que, al año siguiente, decidiera dedicarse exclusivamente a las actividades políticas.

Siqueiros reiniciaría su trayectoria artística en los años treinta, pero fue la militancia ideológica la que determinó el rumbo de su vida. En 1930, tras pasar varios meses en la cárcel por su participación en la manifestación del 1 de mayo, Siqueiros fue mandado al exilio interior en Taxco. En 1936 volvió a luchar, esta vez en la guerra civil española, al lado del ejército republicano. De 1940 a 1944 estuvo desterrado en Chile por su participación en el asesinato de Trosky y en 1960 fue encarcelado de nuevo acusado de promover la "disolución social". Cuando salió de la cárcel, cuatro años después, llevaba consigo las ideas de la que sería su última obra: Marcha de la Humanidad en América Latina hacia el cosmos.
Para Siqueiros socialismo revolucionario y modernidad tecnológica eran conceptos íntimamente relacionados. Estaba convencido de que la naturaleza revolucionaria del arte no dependía tan sólo del contenido de sus imágenes sino de la creación de un equivalente estético y tecnológico en consonancia con los contenidos. Toda su vida artística estuvo presidida por la voluntad de crear una pintura mural experimental e innovadora.

Siqueiros adaptaba sus composiciones a lo que él llamó la "arquitectura dinámica", basada en la construcción de composiciones en perspectiva poliangular. Para ello estudiaba cuidadosamente los posibles recorridos de los futuros espectadores en los lugares que albergarían sus murales y definía así los puntos focales de la composición. Siqueiros llegó a utilizar una cámara de cine para reproducir la visión de un espectador en movimiento y ajustar más eficazmente la composición a esa mirada dinámica.

Su anhelo por lograr la adecuación entre las técnicas pictóricas y la contemporaneidad tecnológica le llevó a crear en 1936 un Taller Experimental en Nueva York. Las prácticas del taller buscaban integrar la arquitectura, la pintura y la escultura con los métodos y materiales ofrecidos por la industria. Allí se experimentaba a partir de lo que Siqueiros denominaba "el accidente pictórico", esto es, la práctica de la improvisación mediante técnicas como el goteo de pintura y las texturas con arena. Los chorreones y salpicaduras dejadas caer sobre el lienzo, que luego pasarían a ser emblemáticas del expresionismo abstracto americano, fueron una práctica gestada en el taller de Siqueiros, al que asistieron Jackson Pollock y otros jóvenes que llegarían a formar la primera generación de artistas estadounidenses con un lenguaje propio.

El mural que realizó en la sede del Sindicato Mexicano de Electricistas (1939-1940, Ciudad de México) bajo el título Retrato de la burguesía, recoge el aprendizaje obtenido tras las investigaciones efectuadas a lo largo de toda la década de los treinta y constituye una de las obras murales más significativas del siglo XX. Siqueiros eligió para el mural la escalera principal del edificio.

Muere en Cuernavaca en 1974.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-06-26T15:55:00.004+02:00

EL MITO DE ANDRÓMEDA

En este Viernes de Mitología, quiero hablarles del mito de Andrómeda, hija de los reyes de Etiopía: Cefeo y Casiopea.

Casiopea, presumiendo de ser tan bella como las Nereidas, encolerizó a Poseidón, quien envió una inundación precedida por la aparición de un monstruo marino en señal de castigo por el acto cometido por la esposa de Cefeo. El padre de Andrómeda, consultó al oráculo de Amón para conseguir una solución a aquel terrible conflicto y así supo que no tenían escapatoria alguna, a menos que su hija se casara con el monstruo, razón por la que la dejó encadenada a una roca, desnuda y adornada con joyas.

Perseo- de quien hemos hablado anteriormente en el mito de la Medusa- iba por el aire cabalgando a su caballo Pegaso, cuando sus ojos divisaron a la hermosa joven encadenada. Enamorado de aquella mujer, bajó a hablar con Casiopea y Cefeo para pedirla en matrimonio, a lo que ambos aceptaron de mala gana. Perseo peleó con el monstruo marino y usando la cabeza de Medusa ( que petrificaba a los enemigos) como escudo, pudo vencerlo y casarse con Andrómeda.

Andrómeda marchó junto a su marido a Argos y se convirtió en la madre de seis hijos (los Perseides) Perses, Alceo, Méstor, Heleo, Electrión y Esténelo, y una hija: Gorgófene. Su descendencia gobernó Micenas desde Electrión hasta Euristeo. Según la mitología Griega, Perses es el padre de los Persas.

Tras su muerte, Andrómeda fue situada por Atenea entre las constelaciones del cielo del norte, cerca de Perseo y Casiopea. Ella, es representada en el cielo del hemisferio norte por la constelación que lleva su nombre.

JAVIER VARELA GUILLOT

2009-06-22T00:14:00.003+02:00

La entrada de hoy, se la voy a dedicar a un pintor gallego llamado
Javier Varela Guillot. Este artista, tiene una gran sensibilidad, se ha dedicado a la pintura, pero además tiene una gran vocación musical, pues es un consumado pianista.

Nace en Vigo el 15 de febrero de 1933, Aunque nacido en Vigo, Javier Varela Guillot a veces es considerado un pintor orensano, por su vinculación familiar con Allariz. Estudió Piano en el Conservatorio de Madrid, y pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Aunque ha cultivado prácticamente todas las técnicas de pintura, Varela Guillot es fundamentalmente un consumado acuarelista, con un estilo propio e inconfundible, aunque sus dibujos al pastel son también de una calidad extraordinaria. Tiene una enorme producción pictórica y su obra se encuentra repartida por todo el mundo, tanto en colecciones particulares en España, diversos países europeos. América del norte y del sur, así como en diversos organismos oficiales. Ha realizado exposiciones en toda la geografía española, en distintas galerías comerciales, y en distintas salas de exposiciones de organismos oficiales e instituciones. Este artista, colabora con la UNAT (Unión Española de Asociaciones de Asistencia al Toxicómano), bajo el patrocinio de S.M. La Reina Sofía, creando la Carpeta-Logotipo para esa Asociación.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-06-19T02:25:00.003+02:00

En este viernes de mitología, quiero hablarles de una historia que posiblemente muchos de ustedes conozcan. Hablaré de la bella Proserpina y el rapto que sufrió a manos de Plutón. En esta historia, hay varias hipótesis y varios autores clásicos que le añaden algunas pinceladas más. La historia que a mi me contaron, vino de un gran profesor que tuve de Grecolatina, llamado Germán Flores y creo, que de todas, es la que más me ha gustado porque me la contó con pasión, y las historias relatadas de este modo, siempre se quedan en el alma. Así que una vez más, extiendo mi sombrero de juglar y haciendo mi reverencia de cada viernes, les invito a escucharla.

PROSERPINA Y PLUTÓN

El nombre de Proserpina, proviene del latín “proserpere” que significa: emerger. Es la hija de Ceres y Júpiter. En la mitología romana se le conoce con este nombre, pero en la mitología Griega se le conoce con el nombre de Perséfone. Proserpina o Perséfone, era una chica de una gran belleza, siempre ha sido asociada a la primavera y es una deidad de vida, muerte y resurrección. Es uno de los mitos, al menos para mi, de los más deliciosos que podemos encontrar en nuestra incursión por la literatura griega.

Plutón, es el dios de las profundidades infernales, también conocido en su equivalencia Griega como Hades, Dios del submundo. Afrodita o Venus, envío a su hijo Eros ( Cupido) a herir a Plutón con sus flechas de amor a fin de hacerlo un poco más humano y dócil. Proserpina, ajena a todo esto, jugaba en las aguas del lago Pergusa con las ninfas. Estaban bañándose tranquilas y recogiendo flores, cuando Plutón emergió de las aguas con sus cuatro caballos negros y la raptó para llevársela al inframundo. En este apartado, quiero hacer referencia a que Hades o Plutón, era hermano de Júpiter, por eso es que en muchos relatos que encontramos, podemos leer que Proserpina fue raptada por su tío y quien no sepa este pequeño detalle, puede llegar a confundirse con facilidad.

Cuando Proserpina fue raptada,Su madre Ceres, diosa de los cereales o la Tierra, marchó a buscarla en vano por todos los rincones del mundo, pero no logró hallar más que un pequeño cinturón que flotaba en un pequeño lago (hecho con las lágrimas de las ninfas). En su desesperación Ceres detuvo enfurecida el crecimiento de frutas y verduras,y se arrancó los vestidos y se arañó la cara, cayendo así una maldición sobre Sicilia. Ceres rehusó volver al
Olimpo y empezó a vagar por la tierra, convirtiéndose en desierto lo que pisaba.

Júpiter preocupado, envió a
Mercurio para que ordenará a Plutón liberar a Proserpina. Éste obedeció, pero antes de dejarla ir, la engañó y le hizo comer seis semillas de granada (un símbolo de fidelidad en el matrimonio), de forma que tuviese que vivir seis meses al año con él, pudiendo permanecer el resto con su madre. Ésta es pues la razón de la primavera: cuando Proserpina vuelve con su madre, Ceres decora la tierra con flores de bienvenida, pero cuando en el otoño vuelve al Hades ( infierno ), la naturaleza pierde sus colores.

En otra versión de la historia, Proserpina comía sólo cuatro semillas de granada durante su rapto, y lo hacía por propia voluntad. Cuando Júpiter le ordenaba regresar, Plutón hacía un trato con él, diciendo que como Proserpina había robado sus semillas de granada, debía permanecer cuatro meses con él cada año en compensación. Por esta razón, en primavera cuando Ceres recibía a su hija, las cosechas brotaban y en verano florecían. En el otoño Ceres cambiaba las hojas a tonos de marrón y naranja (sus colores favoritos) como regalo para Proserpina antes de que volviese al inframundo. Durante la época en la que ésta vivía con Plutón, el mundo pasaba el invierno, una época en la que tierra era estéril.

ROMERO BRITTO, ARTE PARA SOÑAR...

2009-06-15T01:39:00.015+02:00

El artista del que voy a hablar hoy rompe con todos los esquemas, se llama Romero Britto y confieso estar enamorada de su obra. Me encanta lo desenfadado de la misma, sus combinaciones coloridas, su temática ingenua y ese modo tan auténtico de plasmarlo todo en una sola superficie para hacer una obra “rompedora” como ninguna.
Romero Britto nació en Recife, Brasil en 1963 y realizó a los 14 años su primera exposición pública. En su juventud visitó varios países de Europa, internándose en el arte y cultura popular. Fijó su residencia en Miami e instaló un estudio en Mayfair Shops, en Coconut Grove, Florida, donde expuso su arte en las calles. También realizó exposiciones en Steiner Gallery, en Bal Harbor, donde Berenice Steiner e Robyn Tauber comenzaron a promocionar su obra. Luego expuso en Mayfair Shops durante 6 años y fue allí donde Michael Rous, presidente de Absolut Vodka, lo invitó a pintar para una campaña publicitaria mundial de Vodka donde trabajaron también artistas pop de renombre internacional como Andy Warhol, Keith Haring, Kenny Scharf y Ed Ruscha.
Sus anuncios publicitarios aparecieron también en importante revistas de los Estados Unidos y fueron vistos por miles de personas.

Fue convocado también por empresas de renombre como Grand Manier, Pepsi
cola, Disney e IBM, entre otras firmas interesadas en la cultura popular.
A lo largo de los años Romero Britto dedicó su talento, su arte y sus energías a muchas causas filantrópicas colaborando con reconocidas organizaciones en varios países.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-06-12T01:51:00.004+02:00
Como cada Viernes, quiero dedicar este espacio a la mitología, pero he decidido hacer una pausa con los dioses y escribir un relato metamórfico que siempre me ha parecido muy lindo, es la historia de Píramo y Tisbe, una historia que tiene mucho de Romeo y Julieta, y que es probablemente, una de las más emotivas de la Grecia Antigua. Si no me equivoco, Williams Shakespeare, se inspiró en este relato para dar vida a los protagonistas de su afamada historia de amor.
Así que extendiendo mi sombrero de juglar, nuevamente les hago reverencia y espero que el relato que les dejo hoy sea de su completo agrado.

PÍRAMO Y TISBE.-

Píramo, el más hermoso de los mancebos, y Tisbe, la primera entre las doncellas que tuvo el Oriente, habitaron en casas contiguas allí donde se dice que Semíramis circundó su magnífica ciudad de murallas hechas de ladrillo cocido. La proximidad promovió el conocimiento mutuo y los primeros pasos amorosos. Con el tiempo creció el amor, y se hubiesen unido en legítimo matrimonio también, pero lo vedaron los padres. Mas no pudieron prohibir el hecho de que ambos, faltándoles el juicio, a la par se abrasaban de amor. No tienen intermediario, sino que se comunican por gestos y por señas; y mientras más encubren el fuego de su amor, tanto más se aviva por oculto.

La pared que mediaba entre las dos casas tenía una pequeña grieta que había recibido en aquellos tiempos cuando se edificaba. Este defecto pasó inadvertido de todos por muchos siglos hasta que vosotros, amantes, lo notasteis-pues de que no se da cuenta el amor-y lo hicisteis vía de comunicación por donde solían pasar seguras las lisonjas amorosas en forma de levísimos murmullos.
A menudo, cuando se había sentado Tisbe a esta parte de la pared y Píramo a la otra, y cuando cada uno había recibido a su vez el hálito del otro, decían:

-Oh envidiosa pared, ¿por qué obstruyes a los que se aman? ¿Qué te costaría permitir que nos uniésemos en cuerpo o, si esto es demasiado, abrirte algo más para que nos pudiésemos besar? Pero no somos ingratos: Reconocemos que te estamos obligados por este tránsito que nos ha sido dado para que las palabras pasen a oídos amigos.

En una ocasión, después de decir tales cosas y otras semejantes-en vano-desde sus respectivos lugares, hacia el anochecer se despidieron, y cada uno dio besos a su lado de la pared, que no llegaron al otro. Apenas la Aurora había apartado los fuegos nocturnos y el sol había enjugado con sus rayos la hierba cuajada de escarcha, se reunieron de nuevo en el lugar acostumbrado; y habiéndose quejado con murmullos débiles como muchas veces antes, determinan que intentarán engañar a los porteros en el silencio de la noche, que saldrán afuera, y que, luego de salirse de sus casas, abandonarán la ciudad; y para no extraviarse mientras recorren el campo abierto, convienen en que se encontrarán junto a la tumba de Nino y que se esconderán bajo la copa de cierto árbol: Pues en ese lugar había un árbol (era un moral alto) muy cargado de frutos blancos como la nieve, lindante a una fuente muy fría. El convenio les agradó. Ese día les pareció que el sol descendía demasiado lentamente. Pero al fin se precipitó en las aguas y de las mismas salió la noche.

Luego de hacer girar los goznes, la taimada Tisbe engaña a los suyos y se escabulle por las tinieblas. Con el rostro velado por un manto, llega al túmulo y se sienta bajo el árbol designado. El amor la hacía audaz.

He aquí que viene una leona con las fauces embarradas de sangre, a causa de la matanza reciente de ganado, a aplacar la sed en las aguas de la fuente vecina. Tisbe la babilonia la ve venir de lejos a la luz de la luna y huye con pavoroso pie dentro de una cueva oscura. Mas en su fuga deja detrás el manto que se le desliza de los hombros. Después de apagarse la sed con abundantes tragos de agua, la leona halló por casualidad mientras volvía a internarse en la selva el manto delicado-pero no a la joven-y lo desgarró con su boca ensangrentada.
Píramo, que había salido más tarde, viendo las huellas ciertas de
la bestia en el polvo denso, palideció completamente; y cuando halló también el manto teñido de sangre, dijo:

-¡Una noche echará a perder a dos amantes, de los cuales ésa era mucho más digna de gozar de larga vida! Yo solo soy el culpable. Yo solo te maté, o digna de lástima. Yo quien te mandé venir de noche a este lugar lleno de pavor y no vine antes que tú. ¡Oh cuantos leones habitáis al pie de este acantilado, desgarrad mi cuerpo y consumid mis entrañas pérfidas con vuestras fauces crueles! Mas, es de cobardes sólo pedir la muerte.

Recogió el manto de Tisbe y, llevándolo consigo a la sombra del árbol donde habían quedado de encontrarse, bañó de lágrimas la pieza conocida y la besó, diciendo:

-¡Embebe ahora mi sangre también!

Se hundió entonces en el costado la espada con la que estaba ceñido y sin demora se la arrancó, moribundo, de la herida caliente. Tendido boca arriba en el suelo, la sangre le brota en alto del mismo modo que cuando se abre la cañería por donde se ha corrompido el plomo, y emite estelas de agua por el delgado agujero que silba, hendiendo el aire con sus chorros. Los frutos del árbol, rociados por la efusión de sangre, se mancharon de negro, y las raíces, absorbiendo la sangre, tiñeron de púrpura las moras pendientes.

He aquí que regresa Tisbe, aun no bien recobrada del susto, para no decepcionar al amante. Busca al joven con los ojos y con el corazón, pues desea ardientemente contarle cuántos peligros ha esquivado. Pero, aunque reconoce el lugar y le parece ser ése el árbol, el color del fruto la hace poco segura. Duda que ése sea. Mientras vacila, ve un cuerpo palpitante que se revuelca sobre la tierra cubierta de sangre. Retrocedió y, con la cara más pálida que el boj, se estremeció así como el agua se estremece cuando una brisa ligera le roza la superficie. Pero, cuando al cabo de un instante reconoció al amado, se batió los brazos inocentes con resonantes golpes, se mesó los cabellos y, estrechada al cuerpo amado, le llenó la herida de lágrimas, mezclando su llanto con la sangre de él; y mientras besaba la cara yerta de Píramo, exclamó:

-Oh Píramo, ¿qué desgracia te me ha arrebatado? ¡Píramo, responde! Tu muy querida Tisbe te llama. ¡Escúchame! ¡Levanta la cabeza tendida!

Al oír el nombre de Tisbe, abrió los ojos pesados de muerte, y, luego de verla, los volvió a cerrar. Entonces, reconociendo su manto y viendo el marfil sin espada, dijo Tisbe:

-¡Tu propia mano y tu amor te han echado a perder, oh desdichado! Yo también tengo mano fuerte para este mismo asunto. Yo también tengo amor, y él me dará fuerzas para resistir las heridas. Te seguiré en la muerte para que se diga de esta misérrima que no sólo fue la causa de tu muerte, sino también tu compañera en ella. ¡Ay de mi! Sólo la muerte pudo privarme de ti en vida, pero no podrás ser arrebatado de mí en la muerte.

Oh padres muy desafortunados, míos y de Píramo, dejaos suplicar por estas palabras de ambos. No envidiáis que una misma sepultura reúna a quienes han unido un firme amor y la hora de la muerte. Y tú, árbol, que ahora cubres con tus ramas el cadáver desgraciado de uno y que pronto cubrirás el de dos, mantén las señas de estas muertes y ten siempre frutos negros-color apropiado al luto-como testimonio solemne de un suicidio doble.

Dicho esto, se colocó la punta de la espada, que aun estaba tibia con la sangre de Píramo, debajo del seno y se echó sobre ella. Sus ruegos conmovieron a los dioses; conmovieron a sus padres: Pues el color de la mora es negro cuando ha madurado del todo, y los restos de la hoguera fúnebre descansan en una misma urna.

GIORGIO DE CHIRICO

2009-06-08T01:48:00.008+02:00

Hace un par de entradas, mi compañero de tertulias: Duncan de Gross, me habló de Giorgio de Chirico y como soy muy quisquillosa, y me gusta rebuscar las cosas, me anoté el nombre y decidí revisar por ahí con la intención de conocerle y ver si había algo en él que me gustase, y lo que he descubierto acerca de este personaje, ha sido realmente maravilloso, motivo por el cual, no podía perderme la oportunidad, de compartirlo con ustedes.

Giorgio de Chirico, es un pintor que nace en Grecia el 10 de julio de 1.888, hijo de Italianos e influenciado indudablemente, por la cultura de sus padres. Su mérito no sólo se limita al mundo de las artes plásticas, sino que – para mi asombro – este caballero es nada más y nada menos, que el fundador del movimiento artístico Scuola metafísica.

Estudio arte en Atenas y Florencia, antes de mudarse a Alemania en 1.906, donde ingresó en la escuela de bellas artes de Munich.

Allí entró en contacto con las obras de los filósofos Nietzsche y Arthur Schopenhauer, además de estudiar las obras de Arnold Böcklin y Max Klinger.
Volvió a Italia en el verano de 1909 para pasar seis meses en Milán. A principios de 1910 se mudó a Florencia nuevamente, donde pintó "El enigma de una tarde de otoño", la primera de sus obras de la serie "Plaza metafísica", después de una experiencia personal en Piazza Santa Croce. En Florencia pintó también "El enigma del oráculo".

Al año siguiente, De Chirico pasó algunos días en Turín, de camino a París, y quedó impresionado por lo que llamó "el aspecto metafísico de Turín" que se apreciaba en la arquitectura de sus arcadas y plazas. De Chirico vivió en Paris hasta su alistamiento en el ejército en mayo de 1915, durante la Primera Guerra Mundial.

Los cuadros que De Chirico realizó entre 1909 y 1914 son los que le han dado más reconocimiento. Este período se conoce como el período metafísico. Las obras destacan por las imágenes que evocan ambientes sombríos y abrumadores. A principios de este período, los modelos eran paisajes urbanos inspirados en las ciudades mediterráneas, aunque gradualmente, la atención del pintor se fue desplazando hacia estudios de cuartos atiborrados de objetos, a veces habitados por maniquíes.

Casi de inmediato, el escritor Guillaume Apollinaire alabó el trabajo de Chirico y lo ayudó a presentarlo al grupo que más tarde se dedicaría al surrealismo. Yves Tanguy escribió en 1922, que quedó tan impresionado al ver una obra de De Chirico en un aparador de una galería, que decidió en ese momento convertirse en artista, aún sin haber tocado un pincel en su vida. Otros artistas que han reconocido la influencia que han recibido de Giorgio de Chirico son Max Ernst, Salvador Dalí y René Magritte. Se considera a De Chirico una de las mayores influencias sobre el movimiento surrealista.

De Chirico abandonó posteriormente el estilo metafísico y realizó varias obras con un mayor realismo, las cuales tuvieron un éxito modesto. De Chirico también publicó una novela en 1925, llamada "Hebdómero, el Metafísico".
Muchos críticos artísticos dicen que en la mayoría de sus obras, se aprecia esa disconformidad por la falta de la figura paterna y que la muerte de su padre, acaecida en 1905, queda reflejada claramente en el desasimiento y la angustia de sus espacios pictóricos con esa resistencia inconsciente a aceptar este hecho: "Yo lucho en vano contra el hombre de los ojos suspicaces y enormemente dulces que se liberaba dulcemente de todos mis abrazos, sonriendo, alzando apenas los brazos. Mi padre aparecía así en mis sueños", escribió más tarde en sus Memorias.

Muere en Roma el 20 de Noviembre de 1978.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-06-05T02:46:00.008+02:00
Este Viernes de Mitología, retomo a los dioses Griegos. Ya he hablado de algunos de ellos, pero me quedan muchísimos más. En el transcurso de la semana, iré abordando unos temas que me han dejado entre los comentarios, pero creo que me falta un poco de documentación para atreverme a publicarlos, esa ha sido la razón de que no me haya pronunciado al respecto, así que no crean que no les he prestado atención.

Ahora, si me lo permiten, aquí les dejo a otras personalidades del Olimpo.

POSEIDÓN.-

En la mitología Griega, Poseidón es el Dios del mar, Hijo de Cronos y Rea, hermano de Zeus y Hades entre otros. Era el marido de Anfitrite, una de las nereidas con quien tuvo un hijo al que llamó Tritón. Se cuenta que tuvo muchos amoríos con las ninfas que habitaban los manantiales y las fuentes, y fue padre de algunos hijos más que se dieron a conocer por sus modos salvajes y crueles, entre ellos el gigante Orión y el cíclope Polifemo. Tuvo otro hijo con la gorgona Medusa a quien llamó Pegaso, y que es el famoso caballo alado que, alguna vez por lo menos, hemos visto en nuestra vida.

Poseidón desempeña un papel importante en la mitología griega. Disputó con Atenea, diosa de la sabiduría el poder de Atenas. Cuando él y Apolo (Dios del Sol) decidieron ayudar a Laomedonte, rey de Troya, a construir el muro de esta ciudad, éste se negó a pagarles el dinero acordado y la venganza de Poseidón sobre Troya fue descomunal, envío a un monstruo marino a devorar las tierras y se puso del lado de los Aqueos durante la guerra de Troya.

HERMES.-

En la mitología Griega, Hermes es el mensajero de los Dioses. Hijo de Zeus y de Maya, la hija del Titán Atlas. Como especial servidor y correo de Zeus, Hermes llevaba un sombrero, sandalias aladas y un caduceo de oro con serpientes enrolladas y alas en la parte superior.

Uno de los trabajos de Hermes, era guiar las almas de los muertos hasta el submundo y se creía que poseía poderes mágicos sobre los sueños. Hermes también era el Dios de los comercios, protector de los comerciantes y de los pastores.

Se le consideraba el responsable de la abundancia y de la suerte, pero pese a todas esas virtudes, era también considerado un peligroso enemigo, embaucador y ladrón. El día de su nacimiento robó el rebaño de su hermano, el dios del sol Apolo y luego, negó haberlo hecho. Los hermanos acabaron reconciliándose cuando Hermes dio a Apolo su lira recién inventada.

DIONISIO.-

Dionisio para los Griegos y Baco para los latinos, es el Dios del Vino, de los placeres y era uno de los dioses más populares de la antigua Grecia. Los griegos le dedicaban muchos festivales a este Dios Telúrico y en algunas regiones llegó a ser tan famoso como Zeus.

A menudo, lo acompañaban huestes de Dioses fantásticos que incluían sátiros, centauros y ninfas. Los sátiros eran criaturas con piernas de cabras y cuerpos humanos o simiescos, los Centauros, tenían cabeza y torso de hombre y el resto, era de caballo y las ninfas, eran hermosas criaturas que habitaban los bosques.

DEMETER.-
Es la diosa griega de la fertilidad, de las cosechas y de la agricultura, también conocida como Ceres. Hija de Cronos. La muerte y el renacer de las estaciones están ligadas a su figura a través del mito de Perséfone, su hija que fue raptada por Hades.

En su honor, tenían el culto de las fiestas Tesmosforias, celebradas principalmente por las mujeres. Se le representa como a una mujer sobriamente vestida y coronada por espigas, que porta una antorcha en la mano derecha y un haz de espigas en la izquierda.

HESTIA.-

Hermana de Zeus. Diosa doméstica, protectora tanto del hogar como del fuego sagrado.

Era la primogénita de los titanes Crono y Rea, y la primera en ser devorada por su padre al nacer. Aunque amada por Poseidón y por Apolo, juró sobre la cabeza de Zeus que permanecería siempre virgen, a lo que el rey de los dioses correspondió cediéndole los lugares preeminentes de todas las casas y la primera víctima de todos los sacrificios públicos, por evitar con su negativa una primera disputa entre los dioses.

Como diosa del hogar y la familia, Hestia apenas salía del Olimpo, y nunca se inmiscuía en las disputas de los dioses y los hombres, por lo que paradójicamente pocas veces aparece en los relatos mitológicos a pesar de ser una de las principales diosas de la religión griega y, posteriormente, romana. Muestra de esta importancia es el hecho de que Hestia era la primera a quien se le hacían las ofrendas en los banquetes, antes incluso que a Zeus. Se le solían sacrificar terneras de menos de un año, aludiendo a su virginidad.

PEPE MASIQUES

2009-06-01T16:36:00.005+02:00

Hoy voy a hablarles de José Masiques, mejor conocido (sobretodo por los que oímos trova) como el pintor de las mujeres soles. José Masiques, muere en 1968 y tras una carrera de veintiocho años acelerados por darse a conocer en el mundo de la pintura.
El compositor Cubano, Silvio Rodríguez escribió una canción en su honor. Me hubiese gustado poder colocarla aquí, pero en vista de que sólo la conseguí mal-cantada por otros, preferí dejarles la letra a modo, de explicar un poco la vida y la suerte, que le tocó llevar a este artista, que si bien es cierto que, no es del agrado de muchos, también lo es, que tenía mucha pasión a la hora de plasmar sobre el lienzo sus vivencias.

El pintor de las mujeres-soles

El pintor de las mujeres soles

abandonado en su empecinada claridad.

Hizo su último viaje ya muy solo

sobre el Atlánticoy fue sepultado cuando llegó.

El pintor brilloso como la Luna
con su pelo largo

con su barba culta de polvo.

Escupió al cangrejo desde un dibujo

y le puso fecha a su despedida.
Y siguió queriendo aunque no fue amado quizás
ni como ser humano.

Y siguió aprendiendo el camino de la soledad

en todo momento.

Y se fue entre ceras alucinantes

con su pelo largo con su barba culta de polvo.

Descargando gritos sobre las armas

mientras los beatos se persignaban

y el no tuvo iglesias

pero algo de altares al amor

hubo entre sus lienzos.

Y en la fantasía iba platicando su viaje

hacia el universo

El pintor de las enredaderas de luz escribió

sus últimos signos con triste desesperación

Y dejó sus restos a los amigos

y dejó sus restos a los amigos

pidiéndole sólo paredes para sostenerlos

pidiéndole sólo paredes para sostenerlos.

Pintor, grabador, escultor, diseñador, talentoso autodidacta, José Masiques practicó la talla en madera, la fotografía y la cerámica. A los formales dibujos en blanco y negro de los inicios, opone la pintura, mucho más libre, que descansa en el color, y las sensuales líneas que plasman su visión de la naturaleza, del individuo como centro de su entorno.

La sombra del tiempo dibuja estos rosas, estos amarillos, esos tonos celestes fulgentes de alegría, violentos en la utilización de la luz, colores urdidos en la inconsciencia de los sueños, composiciones que hacen pensar en paisajes vagamente irreales.

Esta pintura tiene íntimas raíces que calan hondo, que llegan al hueso en fuerte trenzadura anímica dirigidas a nuestras emociones de hombres y mujeres vivos, nuestra animalidad de espectadores privilegiados. Raíces que suben por el hilo tibio y tenue de la sangre, ardientes raíces que sorprenden al corazón: Masiques ha cercado, ha copado el espacio con sonrisa ligera, de profunda ironía. “Convertir la tristeza en poesía”, dice con sus lánguidas, vivas figuras.
No hay dato en la pintura de Masiques para ir de ella al pasado. O de ella al futuro. En él nace y muere, todo acaba en sí mismo. Cerca de la naturaleza, es instante. Como una estrella desplazada de su órbita, nadie podrá clasificarle, en lo auténtico y propio, en escuela o sistema alguno. Permanece así en un centro irradiante de color y luz y en él hay que dejarlo. Son obras tiernas, dulces, persuasivas, insinuantes, en juego de flores y mar, brillantes y renovadas en repetidos, voluptuosos temas.

2009-05-26T13:11:00.001+02:00
Mi publicación de hoy, es para comunicarles que estaré ausente unos días... así que no piensen que he dejado de leerles ( ya les comentaré a mi regreso) y con quienes tengo un trato más a diario con eso del chateo, que no piensen que los he eliminado del msn o que los he bloqueado ( no acostumbro a eso).
A mi regreso, realizaré los Memes que me he dejado pendiente y compartiré algunos premios que me han sido obsequiados por esas personas especiales que se encuentran en esto.
Por lo pronto, les dejo un beso inmenso para cada uno y espero que sigan aquí cuando llegue.
Se les quiere un montón.

REMBRANDT

2009-05-25T01:47:00.008+02:00

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor barroco holandés, nace en Leiden el 15 de julio de 1606. Era hijo de un molinero perteneciente a la clase media holandesa, por lo que pudo asistir a la Escuela Latina y en 1620 matricularse en la Universidad de Leiden, aunque desconocemos en qué materias.

En 1621 abandona los estudios universitarios e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller estuvo tres años. Entre 1624 y 1625 continuó su aprendizaje en Amsterdam, esta vez en el taller de un pintor de mayor relieve, Pieter Lastman, de quien toma la influencia de Caravaggio y Elsheimer.

Posiblemente también frecuentaba otro taller, el de Jacob Pynas, de estilo italianizante. En 1625 le encontramos de nuevo en Leiden, donde abre taller con Jan Lievens, a quien había conocido en el estudio de Lastman. De estos años es su primera obra conocida, la Lapidación de San Esteban, en donde se aprecia claramente la influencia caravaggista. En 1628 su fama es ya considerable y tiene discípulos a su cargo, destacando Gerrit Dou. Al morir su padre en 1630, Rembrandt abandona Leiden y se instala en Amsterdam, asociándose con un marchante de obras de arte llamado Hendrick van Uylemburgh, quien le proporciona interesantes encargos, sobre todo retratos en los que el pintor pone toda su atención, captando el alma del retratado y los preciosistas detalles de los vestidos, aumentando así su fama y su fortuna. En 1632 realiza una de sus obras más famosas, La lección de anatomía del doctor Tulp, que tuvo enorme éxito.

Su situación económica es muy próspera y lo será aun más al contraer matrimonio en 1634 con Saskia van Uylemburgh, sobrina de su socio y poseedora de una excelente dote. Saskia se convertirá en el primer baluarte de la vida del pintor y en la protagonista de múltiples obras como el Autorretrato con Saskia o Saskia con sombrero. La década de 1630 será de notable éxito para el pintor, con obras de temática religiosa como El sacrificio de Isaac o El banquete nupcial de Sansón, excelentes paisajes o magníficos autorretratos.

Sin embargo, 1642 no será de buen recuerdo para Rembrandt ya que muere Saskia - algunos meses después de dar a luz al único hijo que les sobrevive, Titus - y su cuadro La ronda de noche recibe una gélida acogida por parte de la crítica. A partir de ese momento, la ordenada y exitosa vida de Rembrandt sufre duros embates tanto económicos - llegando a la quiebra total en 1656 - como amorosos y sociales con los pleitos con Geertje Dircks, niñera de su hijo Titus, que le acusó de haberle hecho promesa matrimonial, o las acusaciones de vivir en concubinato con su sirvienta Heindrickje Stofeels, muchacha que se convertirá en el sustento de los años finales del artista y en modelo de múltiples obras como Hendrickje en el lecho.

A pesar de estos lamentables episodios, el arte de Rembrandt avanza, abandona la exuberancia barroca pero se enriquece con un colorido vibrante y un enorme interés por el detalle, creando nuevas iconografías adecuadas a la mentalidad protestante como La cena de Emaús o Cristo y la adúltera.

Rembrandt fallece en Amsterdam el 4 de octubre de 1669 a la edad de 63 años, siendo uno de los más innovadores y excepcionales artistas de todos los tiempos.

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-05-22T01:33:00.005+02:00

La semana pasada empecé a presentar a los dioses más importantes de la mitología Griega, y como son muchos, me tomará algunas entradas más hasta tenerlos, si no a todos, al menos a la gran mayoría de ellos, pero cuando sepamos sus historias, disfrutaremos mucho más de sus metamorfosis y demás relatos. Así que este viernes, les presento a cuatro más. Espero que les guste.

ZEUS.- Es el supremo Dios del Olimpo y representa al cielo. En la mitología Romana corresponde a Júpiter.

Según Homero, Zeus viene a ser el padre de todos los dioses y de los humanos, pero NO es su creador, se dice que es un padre en el aspecto de protección y soberanía, puesto que él es el omnipotente, el TODOPODEROSO, el señor del Olimpo. Su arma principal es la égida, su animal es el águila y su árbol el roble. Sus principales templos estaban en Dódona, en el Epiro, la tierra de los robles y del templo más antiguo, famoso por su oráculo, y en Olimpia, donde se celebraban los juegos olímpicos en su honor cada cuatro años. Los juegos de Nemea, al noroeste de Argos, también estaban dedicados a Zeus.

Zeus era el hijo menor del titán Cronos y de la titánida Rea y hermano de las divinidades Poseidón, Hades, Hestia, Deméter y Hera. De acuerdo con uno de los mitos antiguos sobre el nacimiento de Zeus, Cronos, temiendo ser destronado por uno de sus hijos, los devoraba cuando nacían. Al nacer Zeus, Rea envolvió una piedra con pañales para engañar a Cronos y ocultó al dios niño en Creta, donde se alimentó con la leche de la cabra Amaltea y lo criaron unas ninfas. Cuando Zeus, llegó a la madurez, obligó a Cronos a vomitar a los otros hijos, que estaban deseosos de vengarse de su padre. Durante la guerra que sobrevino, los titanes lucharon del lado de Cronos, pero Zeus y los demás dioses lograron la victoria y los titanes fueron enviados a los abismos del Tártaro. A partir de ese momento, Zeus gobernó el cielo, y sus hermanos Poseidón y Hades recibieron el poder sobre el mar y el submundo, respectivamente. Los tres gobernaron en común la tierra.

En la obra del poeta griego Homero, Zeus aparece representado de dos maneras muy diferentes: como dios de la justicia y la clemencia y como responsable del castigo a la maldad. Casado con su hermana Hera, es padre de Ares, dios de la guerra; de Hebe, diosa de la juventud; de Hefesto, dios del fuego, y de Ilitía, diosa del parto. Al mismo tiempo, se describen las aventuras amorosas de Zeus, sin distinción de sexo (Ganimedes), y los recursos de que se sirve para ocultarlas a su esposa Hera.

En la mitología antigua son numerosas sus relaciones con diosas y mujeres mortales, de quienes ha obtenido descendencia. También sus metamorfosis en diversos animales para sorprender a sus víctimas, como su transformación en toro para raptar a Europa . En leyendas posteriores, en las que se introducen otros valores morales, se pretende mostrar al padre de los dioses a salvo de esta imagen libertina y lasciva. Sus amoríos con mortales se explican a veces por el deseo de los antiguos griegos de vanagloriarse de su linaje divino.

HERA.- Hermana y esposa de Zeus. Hija del titán Cronos. Hera representa la diosa del matrimonio y la protectora de las mujeres casadas. Simboliza a Juno en la mitología Romana.

Era la madre de Ares, Hefesto, Hebe e Ilitía. Mujer celosa, Hera perseguía a menudo a las amanes de Zeus y a sus propios hijos. Nunca olvidó una injuria y se le conocía, por su naturaleza vengativa. Irritada con el Paris (príncipe Troyano) por haber preferido a Afrodita antes que a ella, Hera ayudó a los griegos en la guerra de Troya y no se apaciguó hasta ver a Troya destrozada.

HEFESTO.- Es el Dios del fuego en la mitología Griega, hijo de Zeus y la diosa Hera, aunque hay relatos en donde lo vinculan sólo a Hera y no señalan a Zeus, como su padre. Asociado al Dios Romano del Fuego: Vulcano.

A diferencia de otros Dioses, Hefesto era cojo y desgarbado, poco después de nacer, lo echan del Olimpo, según algunas leyendas fue echado por la misma Hera por su deformidad, aunque hay otras hipótesis que dicen, que fue echado por Zeus cuando vió a éste aliado a Hera para arremeter contra él. Sin embargo, en casi todas las leyendas, Hefesto regresa al Olimpo y es honrado como un Dios.

Se casa con Afrodita diosa del amor .Era el artesano de los Dioses (les fabricaba armaduras, armas y joyas) y tenía su taller bajo el monte Etna.

HADES.- En la mitología Griega es el Dios de los muertos. Hijo del titán Cronos y de la titánide Rea. Hermano de Zeus, Poseidón y Hera. Representa a Plutón en la mitología Romana y en esta mitología adquiere además la etiqueta de “Dios de los ricos”, ya que se supone, que las buenas cosechas y las joyas, están asociadas al mundo subterráneo, por aquello del aspecto infernal del dinero.

Ayuda a Zeus a derrocar a su padre y participa de la repartición del mundo, a él le toca el mundo subterráneo. Allí reina junto a su mujer Perséfone (Proserpina, para la mitología Romana), a quien raptó del mundo superior (tierra).

Se le conoce como un Dios feroz y despiadado, al que no le aplacaba sacrificio ni plegaria, pero sin embargo no se le conoce como maligno, de hecho hay muchos dioses que obran con más ira y de un modo más injusto que él.

Para referirse al mundo subterráneo, se llama Hades y estaba dividido en dos regiones: Erebo, que es donde entran los muertos apenas mueren y Tártaro, la región más profunda y en donde, habían sido encerrados los titanes. El tártaro equivale al infierno cristiano, y se describe como un lugar oscuro y repleto de sombras, custodiado por Cerbero ( perro de tres cabezas con tres grandes fauces y cola de dragón), en donde hay tenebrosos ríos que separan el mundo superior de éste y en donde, había un barquero llamado Caronte, que era un anciano que tenía el trabajo de conducir a las almas, a través de estas aguas. En alguna parte de este submundo tenebroso, estaba situado el palacio de Hades y se representa como un sitio oscuro, de muchas puertas y repleto de espectros, el paisaje que lo acompaña es sombrío y triste.

Después de mucho deambular por la mitología griega, he llegado a la conclusión de que la mejor descripción que he hallado del infierno griego, lo ha hecho la pluma magistral de Virgilio en su libro: La eneida y específicamente, en el capítulo seis. No sé si muchos conocen este autor antiguo o si han leído ese libro, pero de no ser así, se los recomiendo con toda la seguridad de que les vá a apasionar.

Feliz fin de semana a todos.

ALIRIO CORTÉS

2009-05-20T01:41:00.012+02:00

El artista del que quiero hablar, es un maestro colombiano llamado Alirio Cortés, supe de él por una de esas conversaciones triviales y como ya está visto, que soy muy “marujona” , quise averiguar acerca de él y me encontré con una maravillosa procesión de formas y colores que quiero compartir con ustedes, pero antes de ello, quiero agradecer infinitamente a las personas que suelen recomendarme sitios y búsquedas. Para mi, es realmente importante que lo hagan, no me molesta en absoluto y como dice el viejo refrán: “ como el saber no ocupa puesto”, yo en todo lo que me asesoran, tarde o temprano (más bien temprano) lo busco y me encuentro seres estupendo y obras impresionantes, así que GRACIAS A LOS QUE ME MANDAN TAREAS y sé que tengo una pendiente por ahí que me ha solicitado “curucutear” (husmear, en el mero vocabulario popular Venezolano) el señor David y que próximamente, estará con nosotros en esta Hamaca.

Por ahora, les dejo con Alirio Cortés y espero que les guste.

Alirio Cortés, nace en Santa Fe, Colombia en 1952. Estudia en la academia de artes de Bogotá y luego, en la Universidad Nacional de Colombia. Comienza a pintar bodegones de frutas, paisajes y toda esa temática hace 35 años, pero luego su pintura avanza y se dedica a hacer obras, en donde los motivos centrles son los protagonistas de sus cuadros. Se interesa mucho por la luz y a sombra, motivo por el cual pinta objetos que permiten crear espacios de luz y oscuridad en un mismo diseño. Su principal musa, es el cuerpo humano, las formas abstractas y la expresión de movimiento.

En 1973 hace su primera exposición colectiva en el Museo de Arte contemporáneo de Bogotá y en 1978, su primera exposición individual, ésta en la biblioteca Luis Ángel Arango.

En 1994, en Santa Fe (Bogotá), funda y dirige la Escuela de Pintura Ecopetrol (Empresa de Petróleo de Colombia).

Alirio Cortés tiene muchas colecciones privadas alrededor del mundo como en España, Francia, Venezuela, Inglaterra, Colombia y los Estados Unidos, pero aún tiene mucho que hacer para que su nombre sea conocido a nivel mundial y por todos. Desde acá le deseó toda la suerte del mundo, porque el talento ya lo tiene.

EL MARQUES DE SADE

2009-05-18T01:08:00.000+02:00

Uno de los novelistas más destacados de todos los tiempos, es sin lugar a dudas, Donato Alfonso, Conde de Sade, mejor conocido como el Marques de Sade.

Este personaje nace en París en 1740, en el seno de una familia aristócrata de la rancia nobleza de Avignon. Ingresó en el colegio Luis el grande y posteriormente perteneció a la caballería ligera, llegando a ser capitán de regimiento del rey.
Su vida, sus intervenciones políticas y sus obras, tenidas por escandalosas, lo condujeron varias veces a la cárcel. Se sabe que fue un hombre humanitario y bien hechor que siempre se opuso a castigos tan severos como lo es, la pena de muerte.

Simone de Beauvoir y Sartre, entre otros, han estudiado su personalidad, y la infernal grandeza de su obra, pasando de ser el apologista de una perversión sexual a encarnar el tipo del eterno rebelde que aspira siempre a rebasar los limites de la condición humana.

El Marques de Sade, fue un excelente novelista, un agudo filósofo, “ateo, republicano y progresista”. Murió en el manicomio de Charenton en 1814, pero nos dejó un legado de historias maravillosas y ahora compartiré una con ustedes.

EL ESPOSO COMPLACIENTE.-

Toda Francia se enteró de que el príncipe de Bauffremont tenía, poco más o menos, los mismos gustos que el cardenal del que acabamos de hablar. Le habían dado en matrimonio a una damisela totalmente inexperta a la que, siguiendo la costumbre, habían instruido tan sólo la víspera.

-Sin mayores explicaciones -le dice su madre- como la decencia me impide entrar en ciertos detalles, sólo tengo una cosa que recomendarte, hija mía: desconfía de las primeras proposiciones que te haga tu marido y contéstale con firmeza: «No, señor, no es por ahí por donde se toma a una mujer decente; por cualquier otro sitio que te guste, pero por ahí de ninguna manera....»

Se acuestan y por un prurito de pudor y de honestidad que no se hubiera sospechado ni por asomo, el Príncipe, queriendo hacer las cosas como Dios manda al menos por una vez, no propone a su mujer más que los castos placeres del himeneo; pero la joven, bien educada, se acuerda de la lección:

-¿Por quién me tomas, señor? -le dice-. ¿Te has creído que yo iba a consentir algo semejante? Por cualquier otro sitio que te guste, pero por ahí de ninguna manera.

-Pero, señora...

-No, señor, por más que insistas nunca accederé a eso.

-Bien, señora, habrá que complacerte -contesta el Príncipe apoderándose de su altar predilecto-. Mucho me molestaría que dijeran que quise disgustarte alguna vez.

Y que vengan a decirnos ahora a nosotros que no merece la pena enseñar a las hijas lo que un día tendrán que hacer con sus maridos.

FIN

VIERNES DE MITOLOGÍA

2009-05-15T01:57:00.000+02:00
En este viernes de mitología Griega, no voy a hablar de metamorfosis, sino voy a dar un breve recorrido por los Dioses más importantes del Olimpo y su equivalencia en la mitología latina, a fin de irnos familiarizando con ellos y pudiendo, utilizar esta información para entender algunas de las historias que he relatado en el pasado y que casi seguro, seguiré narrando, puesto que, la mitología es, al menos para mi, una adicción que no pretendo erradicar de mi vida.

Afrodita (Venus) es la Diosa más hermosa del Olimpo. Gracias a su belleza se armó una lucha encarnizada entre Troyanos y Aqueos. Es conocida como la Diosa del Amor y nacida de la unión entre Urano ( cielo) y la espuma del mar de Chipre. Urano había sido castrado por su hijo Crono (Saturno), quien había arrojado sus genitales al mar de Chipre, pues de la unión de la espuma del mar y de estos genitales, nace nada más y nada menos que la “Amante de la sonrisa” y “ trenzadora de engaños”, la Diosa de belleza más excelsa...la Gran Venus o Afrodita.
Afrodita protege a los Troyanos, comandados por París, durante la guerra de Troya, pero en este tema no voy a ahondar demasiado porque, me apasiona lo suficiente, como para cederle un espacio en una entrada posterior.
Afrodita, representa también a la fecundidad en la naturaleza y en los animales. La paloma es su ave. Madre de Eros (Cupido) reconocido arquero del amor y del desamor en la historia griega, puesto que, con sus flechas trajo consigo los relatos de amor y desamor más variados de la antigua Grecia. También se le atribuye la matenidad de Hermafrodito ( hijo queconcibió junto a Hermes).

Apolo es el Dios de la Luz, es semidiós, puesto que es hijo de Latona y Zeus. Nace en la isla de Delos y tras dar muerte a la serpiente de pitón, se traslada al Santuario de Delfos, donde establece su oráculo de adivinación.
Se le llama también Dios de la adivinación, de la música, de la medicina y de la poesía. Preside el coro de las nueve musas del monte Helicón. Su más famoso precepto fue una sensata recomendación psicológica que decía. CONOCETE A TI MISMO.

Ares (Martes) es el Dios de la Guerra. Hijo de Zeus y de su legítima esposa Hera. El fornido Ares no diferencia en combate a amigos de enemigos, destruye a todos sin compasión. Es conocido como el Dios de la guerra gratuita, como conocido también lo es, el odio que profesa hacia Atenea ( Diosa de la guerra justa).
En ninguna parte de Grecia, es bien recibido ni honrado. Simboliza la muerte, el llanto y la destrucción. Es fanfarrón y se vanagloria de su musculatura, valiéndose de ella, obtiene el amor de la bella Afrodita ( quien estaba decepcionada de su lisiado esposo, el cojo Hefesto), ambos son sorprendidos en el lecho y ridiculizados en todo el Olimpo con burlas de deshonra, espectáculo que sólo se perdieron algunas Diosas y por pudor.

Artemis (Diana) Esta es, sin lugar a dudas, mi diosa favorita del Olimpo. Es la hermana de Apolo. Amante de la naturaleza y la caza. Diosa de la virginidad “por gusto”, no le gustan los hombres ni las mujeres, le desagrada la presencia de los varones y emplea su astucia y valentía para zafarse de ellos.
Su más ferviente admirador es el casto y desdichado Hipólito.
Cazadora certera que no duda en castigar a quien ose contemplar su virginal desnudez, y en cuanto esto, destaco el relato de Acteón, quien por tal atrevimiento fue metamorfoseado en ciervo y devorado por sus propios perros.
Artemis o Diana, representa a la mujer digna que se hace respetar al precio que considere conveniente, así este precio sea la muerte.

Por hoy sólo mencionaré a estos cuatro para no resultar tan tediosa... espero que lo hayan disfrutado y que hayan quedado ganas, para los que presentaré el próximo viernes.
Feliz fin de semana para todos.

EL GRAN IGNACIO ZULOAGA

2009-05-13T01:36:00.000+02:00

Últimamente, ha flotado en el ambiente un aire extraño a recuerdos y a cante jondo , y no sé pero todo esto, me ha traído a la mente a un artista, que a mi por lo menos me encanta, llamado Ignacio Zuloaga. Su obra siempre me ha parecido muy hermosa y de gran colorido, pese a que los colores que predominan en ella, son más bien opacos y oscuros, este artista de origen vasco, ha logrado hacer todo un conjunto de formas maravillosas en las que se recrea a cabalidad, una escena casual. Observar sus cuadros es siempre un placer que me alegra los momentos de mala voluntad y es que, sus obras son tan realistas y tan hermosas, que a veces pienso que si estiro la mano puedo atravesar el lienzo y quedarme convertida en acuarela....y si así fuera, con que gusto me perdería en el embrujo gitano de aquellas historias que contó dibujando.

Ignacio Zuloaga nació en Eibar, en el País Vasco, en 1870 y murió en Madrid en 1945. Su familia se dedicaba a la fabricación y decoración de armas de fuego.
Inició su formación en el taller de damasquinado de su padre y asistió con regularidad al Museo del Prado para estudiar a los pintores clásicos. A los diecinueve años viaja a Roma y luego a París. En la capital francesa conoce a Gaugain y a Degas. Se traslada a vivir en la Isla de Sant Louis con Santiago Rusiñol y Miguel Utrillo. Son años de formación e intenso trabajo, que harán que su lenguaje plástico madure.

En estos años, se especializa en la caracterización de tipos españoles, especialmente mujeres ataviadas con trajes de volantes, mantones, mantillas, abanicos y flores, como por ejemplo, Mujer de Alcalá de Guadaira. A este momento se le ha denominado como la época de la "España blanca."

Zuloaga alternará su estancia en París con largas temporadas en España, y en concreto en Segovia. En París, se dedicará principalmente al retrato y desde Segovia iniciará su pintura de paisajes y de tipos castellanos, consolidando así su otro estilo, el de la "España negra."

En estas obras, se observa la influencia de la tradición realista de Courbet, a la que añadirá los recursos del impresionismo y del postimpresionismo.
Sus paisajes de las ciudades castellanas contienen una gran carga psicológica que implica la identificación con el territorio. Así, el duro paisaje castellano se convertirá en la imagen emblemática de España. Su visión de España le identifica con la Generación del 98, muestra la decadencia de las ciudades y el deseo de la vuelta a la tierra y al paisaje yermo, en busca de una autenticidad y una identidad nacional. La sobriedad, la nobleza, y el pesimismo imperante en la generación literaria parecen reflejarse en los lienzos de Zuloaga.

Pintó los tipos españoles y las visiones de una Castilla ruda, hosca y empobrecida. Se sirvió de varios elementos, como son, la miseria y las costumbres tradicionales de los pueblos.

Recurrió a los pueblos y a los campesinos porque en los pequeños pueblos era donde mejor se conservaban las tradiciones, ya que en las ciudades, el desarrollo industrial, acababa con ellas. Sus imágenes, por tanto, muestran una España campesina, con personajes solemnes, hieráticos y atemporales. Este estudio culminará en obras como El enano Gregorio el botero en Sepúlveda, Mujeres de Sepúlveda o Doña Rosita Gutiérrez.
Ignacio Zuloaga y los paisajes

Zuloaga no fue un paisajista cualquiera. Aunque sus comienzos estuvieron impregnados por el impresionismo, su técnica fuertemente empastada, la estructura de sus planos, el dramatismo y el estudio de la luz, es fruto de una interpretación personal, llena de gran fuerza expresiva y de segura energía.
Se interesó por el paisaje urbano, por las viejas casas agrietadas, las edificaciones populares y las nobles fachadas de piedra labrada desgastadas y erosionadas que sufren el paso de los años y de la historia. Pero en un primer momento, a este paisaje, le otorgó un lugar secundario en el fondo de sus cuadros.

En el cuadro Mis primas, la composición permite apreciar la desolada y desnuda comarca, sin un solo árbol, por la que caminan jinetes aislados o grupos de personas.

Lo mismo ocurre con El peregrino y con el paisaje de Gregorio el botero, donde Ávila con sus murallas es un simple telón sobre el que destaca la figura del enano monstruoso.

Otras obras son Casas viejas de Haro, Castilla la Vieja o Gregorio en Sepúlveda. En ésta última, aparece representada Sepúlveda detrás de la figura. Pero aquí el paisaje ya no es un mero telón de fondo, sino que tiene la misma importancia que las figuras del primer plano.

En Mujeres en Sepúlveda, serán las propias figuras las que conducen la mirada al pueblo medieval, con retorcidos caminos y aglomeradas casas sobre un áspero paisaje de barrancos y colinas.

Sepúlveda fue, sin duda, para Zuloaga, el pueblo que mejor expresa el carácter español, castellano, austero y adormecido en un rincón de la historia.
Poco a poco, va abandonando la figura humana para centrarse por completo en el paisaje.

Paisaje de Burgos lo concibe desde un punto de vista alto, muestra en primer término las derruidas murallas del viejo castillo y a lo lejos, las torres de la catedral gótica. Las nubes dotan a la obra de gran dramatismo.

En Cerros de Calatayud da a su pintura una sólida estructuración que recuerda a Cezanne y al dramático empleo de la materia pictórica de Van Gogh. Sorprende el vigor de la construcción del paisaje por planos, la sobriedad del dibujo y de la pincelada. En primer plano se encuentran los prados y los sembrados, después, las montañas, y sobre ellas, las nubes, que dotan a la obra de gran dramatismo.Castilla, Aragón y Navarra, han sido las grandes fuentes de inspiración del paisaje de Zuloaga. El paisaje natal del País Vasco le inspiró pocas veces, aunque en alguna ocasión también lo pintó, como en Fuente de Eibar. En el fondo de su Corrida de toros en mi pueblo, se inspiró en su pueblo para pintar el paisaje vasco que aparece en un rincón del cuadro.

A Zuloaga no le interesa representar arquetipos idealizados, huye de concebir el retrato como un inventario minucioso, sino que busca la nota que lo diferencie y que mejor exprese el carácter del personaje.

Le preocupa el carácter y el vigor expresivo, por eso sacrifica detalles, rasgos y delicadezas y, en cambio, subraya el gesto, la acción y la mirada, como vemos en el retrato de la Condesa de Noailles.

Entre sus numerosos retratos destacan el de Unamuno, Valle-Inclán o Pérez de Ayala entre otros.

MARC CHAGALL

2009-05-11T01:53:00.000+02:00

El artista del que hablaré hoy, no es uno de mis favoritos, me gusta eso sí, pero porque hay una persona muy especial en mi vida que me enseñó a conocerlo y me interpretó cada obra con tanta pasión, que en donde los demás veían malos dibujos, yo aprendí a ver belleza, magia y misticismo. Gracias a ti, he aprendido a ver las obras de Marc Chagall con el corazón y gracias a tu empeño de enseñarme “lo que no se ve con los ojos”, hoy en día puedo decir que soy, una más de las que respetan y admiran a este ser tan particular y sublime llamado Chagall.

Este artista, Nació en Vitebsk, Bielorrusia siendo el mayor de nueve hermanos. Su nombre natal fue Moishe Shagal (Мойше Шагал) o Movsha Jatskélevich Shagalov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). Fue uno de los más importantes artistas del surrealismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.

En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y donde estudió bajo la tutoría de Nikolai Roerich. Luego de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vitebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permanece en su pueblo natal. En 1915 se casa con Bella y el siguiente año tienen una hija a la que llamaron Ida.

Chagall se volvería un participante activo en la Revolución Rusa de 1917. El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte para la región de Vitebsk, donde fundó una escuela de arte. Sin embargo, no se desempeñó bien dentro del sistema soviético y por esta razón se muda a Moscú en 1920 y luego a París en 1923.

Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instalan en Estados Unidos.

Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos.
La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el Cubismo y el Fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, incluyendo Amedeo Modigliani.

En sus obras abundan las referencias a la su infancia/niñez, aun al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Comunica la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan, mediante intensos y vívidos colores. Chagall puso a menudo para sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo - un mundo de colores, cómo visto a través de un vitral. Muchos consideran La crucifixión blanca, que contiene ricos e intrigantes detalles, como una denuncia del régimen de Stalin, del Holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos.

Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Hoy en día, una pintura de Chagall se puede vender por más de 6 millones de dólares. Sus litografías también alcanzan un considerable valor.

Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la catedral de Metz (Francia), la Catedral de Fraumünster en Zurich (Suiza), y la Iglesia de San Esteban en Mainz (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vitebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo sólo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue considerado persona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras.

En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el Museo del pueblo de Saint Paul, Saint-Paul de Vence (cerca de Niza, Francia).